Francisco Arias Solís intercambia sellos nuevos y usados
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FRANCISCO ARIAS SOLIS
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Intercambio sellos nuevos y usados de todos los países, preferentemente de Europa y América. Máxima seriedad.
Para el intercambio de sellos usados se ruega que envíen 250 sellos conmemorativos como mínimo de su país, o bien, de Francia, Alemania, Suiza, Mónaco, Andorra, Vaticano, Austria, Gibraltar, Inglaterra, Chipre, Malta, Bélgica, Holanda, Dinamarca, Finlandia, Noruega, Luxemburgo, Suecia, Venezuela, Honduras, Nicaragua, Costa Rica, Colombia..., recibirán igual número de sellos de España y de otros países a su elección. Para intercambio de sellos nuevos, sólo series completas, base Yvert et Tellier.
Y conoció el dolor de la palabra pobre,
mordida en soledad, abandonada
a sí misma; y entendió que hambre
no es solamente otra palabra, que se dice;
ni justicia un altísimo refugio
para el desamparo; ni tristeza
un dulce y melancólico rincón
para morir en él tranquilamente.
Victoriano Crémer.
LA VOZ DE LA POESÍA CON PALPITACIONES SOCIALES
El Tacto sonoro -primer libro de Victoriano Crémer- no era de linotipia como creyeron algunos de los que hacían versos en la España de 1944, sino de manos que componían tipos móviles sobre el artesano y silencioso chibalete. Pero ese tacto menestral sabía de sonoridades estelares y de sonoridades del corazón que terminaron por construir la revista Espadaña, de León, réplica parcial de la madrileña Gracilazo. Lo que queríamos decía Victoriano Crérmer- era convertir en cierto modo la revista Espadaña, que por algo se decía la revista de poesía y crítica, en un elemento crítico de una situación que no nos gustaba.
La aparición en 1944 de una nueva revista independiente, modestamente provinciana, Espadaña, dirigida por poetas que pocos después empezarán a llamarse sociales, es un obvio reto al garcilasismo escapista. Los poetas son Victoriano Crémer y Eugenio de Nora, cuya obra ansiosa de huir del formalismo hueco y retórico caerá a veces en extremismos tremendistas y existencialistas, de los que irá depurándose lentamente. Una poesía cuya función, según Crémer, no es otra que comunicarse con los hombres , y según Nora, crear conciencia.
Victoriano Crémer nace en Burgos el 18 de diciembre de 1906. Hijo de un trabajador de la Compañía de Ferrocarriles del Norte de España, su infancia transcurrió entre Bilbao y León. Estudia en los Hermanos Maristas de esta última ciudad, y desde muy pequeño tiene que simultanear los estudios con pequeños trabajos como vendedor de periódicos o labores en el campo. Se traslada con su familia a León, donde tras completar sus estudios comienza a trabajar de mancebo de botica y de tipógrafo. Apoyó el movimiento anarco-sindicalista y estuvo encarcelado en la época de la guerra civil. Ejerce periodismo, en radio y periódico, de crítica local, lo que es una manera de no perder el pulso, la tensión humana, la incomodidad creadora, el sentimiento comunitario y la ensoñación en ciudad tan bella como León. Fue redactor de El Correo Español-El Pueblo Vasco, de Bilbao, Las Provincias, de Valencia, Diario de León, Informaciones, de Madrid y de El Norte de Castilla, de Valladolid. Obtuvo en 1951, el Premio Boscán de Poesía, concedido en Barcelona, por su obra Nuevos cantos de vida y esperanza y ha sido galardonado con el Premio Nacional de Literatura en 1962; el Premio de Poesía Castellana Ciudad de Barcelona en 1971, con el Premio Castilla y León de las Letras en 1994, con la Medalla de Oro al Mérito del Trabajo en 2007, el Premio Gil de Biedma en 2008 por su poemario El último jinete y con la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes en 2009. Victoriano Crémer falleció en León el 27 de junio de 2009, a los 102 años.
A Tacto sonoro (1944), de violenta sonoridad, siguió Caminos de mi sangre (1946), La espada en la pared (1949), Las horas perdidas (1949) Nuevos cantos de vida y esperanza (1952-1953, 2 vols.), Libro de Santiago (1954), Furia y paloma (1956), cuyo título refleja exactamente la tensión y la distensión -todo tensiones líricas- de la actitud poética de Victoriano Crémer. En 1959, publica Con la paz al hombro, y, tres años más tarde, Tiempo de soledad. Entre sus obras más recientes destacan Poesía total (1944-1966) (1967), Lejos de esta lluvia tan amarga (1974), Los cercos (1976), El fulgor en la memoria (1996) y La resistencia de la espiga (1997). En 1984 apareció una recopilación de su producción en dos volúmenes. Poesía (1944-1972) y Poesía (1972-1984). En 2008 publicó su poemario El último jinete. Es autor, además, de las novelas Libro de Caín (1958), Historias de Chu-Ma-Chuco (1970), Libro de San Marcos (1981), Los trenes no dejan huella. Historia secreta de una ciudad (1986) y La casona (2001).
Victoriano Crémer ha seguido siendo el mismo poeta de siempre. Todas las revistas poéticas de España y de más allá han seguido recibiendo con frecuencia poemas de Crémer. Este poeta que nunca terminó de hacerse enteramente, unívocamente, para la incomodidad de la clasificación, y que nunca dejó de sorprender por su gran humanismo y por su puro lirismo. En ningún momento -escribía Crémer- he predeterminado la implicación de mi poesía en ninguna de las clasificaciones al uso. Su nombre y su obra constituyen en la poesía de todos estos año, para quien sepa ver más que clasificar, un espectáculo emocionante. En él se hace más desnudamente patente y ejemplar la situación de los poetas surgidos después de la guerra y que continuarán precisamente en el proceso de rehumanización de la poesía iniciada antes de ella. La poesía es siempre, siempre, siempre una forma de biografía -nos decía Victoriano Crémer-. Quien es fiel a sí mismo, hará aquella poesía que responda a su más insobornable latido vital, a sus recuerdos más entrañados, a sus demandas más fecundas.
No ha mucho, Crémer se preguntaba: ¿Dónde está el hombre, dónde está el hombre que piensa, que dice aquellas cosas que decíamos nosotros de una manera sencilla, sin que se le vea que tiene un interés personal? Pero el poeta de Espadaña sabe que el hombre es una tarea larga y que solamente lo verdadero permanecerá.
Francisco Arias Solís
Paz y Libertad.
Portal de Internautas por la Paz y la Libertad y de Foro Libre.
Quien las graves congojas huir desea,
de que está nuestra vida siempre llena,
ame la soledad quieta, amena,
donde las ocasiones nunca vea.
Benito Arias Montano.
LA VOZ DEL SABIO HUMANISTA
La obra fundamental de este hombre eminente es la escriturística y de interpretación bíblica en la que destacan sus comentarios a libros sagrados y varios estudios encaminados a la mejor inteligencia del texto bíblico. También tiene obras piadosas, científicas y literarias. La fundamental, sin embargo, y por la que ha pasado a la historia, es su trabajo de dirección de la Biblia Regia.
Benito Arias Montano nació en Fregenal de la Sierra, provincia de Badajoz, en 1527 y murió en Sevilla el 6 de julio de 1598. Estudió en Sevilla y en Alcalá, donde se especializó en Filosofía y Teología, así como en lenguas antiguas (griego, hebreo, caldeo, siriaco) en las que era perito. En 1560, siendo ya sacerdote, ingresó en la Orden Militar de Santiago; en 1562 acompañó a Martín Pérez de Ayala al Concilio de Trento, con gran éxito; en 1566 fue nombrado capellán real; en 1568 el rey le envió a Amberes para dirigir la nueva edición políglota de la Biblia, la que se llamaría Biblia Regia. En los años siguientes, Arias Montano tuvo que defenderse de diversas acusaciones de hebraizante y menospreciador de la Vulgata. La impresión de la Biblia Regia, hecha por Cristóbal Plantin, en ocho volúmenes, duró de 1569 a 1572; una vez concluida dicha reimpresión, Montano regresó a España, donde fue comisionado por el rey para una misión en Lisboa y, sobre todo, para la catalogación de la Biblioteca de El Escorial. Sin embargo, su predilección iba por la retirada: la mayor parte del tiempo en los últimos años de su vida lo pasó en La Peña de Aracena, un rincón de la sierra de Aracena, que convirtió en delicioso lugar de retiro.
Los trabajos de Arias Montano se centran en cuatro campos. Como traductor, vertió del hebreo al latín el Itinerario de Benjamín de Tudela. Como poeta, escribía en latín con gran facilidad: son excelentes sus Rhetoricorum libri III, Hymni et Saecula, etc.; en sus poesías castellanas imita a Fray Luis de León, como lo demuestra en la Paráfrasis del Cantar de los Cantares. De su obra como teólogo y filósofo destacan la Historia Naturae y el Liber generationis Adanm seu de historia generis humani. Por último, su labor más importante, la de exegeta bíblico, aparece en la dirección de la Biblia Políglota de Amberes y en los comentarios a los Salmos de David.
La Políglota de Amberes ha sido muy elogiada. No obstante, ya en su tiempo, creó grandes dificultades a Arias Montano, que tuvo que defenderse varias veces de insistentes acusaciones inquisitoriales.
En realidad, bajo esta cuestión de la Políglota se halla un problema central en las disputas teológicas del siglo XVI: la de cuál es el verdadero texto de la Biblia. Según los escolásticos, que eran en general, lo más reaccionarios, el texto hebreo del Viejo Testamento se había falsificado por los rabinos; de aquí que aquéllos prefiriesen la edición autorizada por la tradición católica, es decir, la Vulgata de San Jerónimo, para cuya traducción se creía que dicho santo recibió una Gracia especial. En realidad, bajo este argumento se ocultaba en España un fuerte impulso que nada tenía que ver con motivos científicos: el profundo antisemitismo de grandes sectores de la población española, que llegaba hasta el rechazo de fuentes judías en el trabajo escriturístico.
Las últimas investigaciones sobre la vida y el pensamiento de Arias Montano, han confirmado que era un hombre que pisaba sin duda el terreno de la heterodoxia. Rekers ha demostrado satisfactoriamente que Arias Montano perteneció a la secta espiritualista de la Familia Charitatis, a la que se convirtió durante su estancia en Amberes. Arias Montano entró en la secta, sin duda, por la amistad que mantuvo durante sus años en Amberes con el impresor Cristóbal Plantin, a quien durante épocas enteras veía a diario. Y respecto a la heterodoxia de la secta, tampoco parece haber dudas; se ha tratado de desvirtuar este aspecto sobre la base de la poca importancia que concedían a las prácticas religiosas exteriores, principio por el cual se adaptaban de hecho a cualquiera de éstas. Sin embargo, ello parece deberse a una táctica premeditada ante el peligro que representaba entonces expresarse abiertamente contra los principios de la religión estatal; los familistas jamás actuaron contra el poder establecido, y si es verdad que tampoco rompieron con el papa, también lo es que entre ellos ignoraban su autoridad.
Está por escribir un estudio completo de esta forma clandestina de erasmismo decía Rekers- que hace su aparición bajo capa de biblismo y espiritualismo y por influjo de Arias Montano en la España del finales del siglo XVI.
Francisco Arias Solís
La guerra es un mal que deshonra al género humano.
XIII Festival Poético por la Paz y la Libertad en homaje a Benedetti.
En Cádiz, Plaza de San Severiano (Bahía Blanca), se alquila plaza de garaje amplia (coche + moto). Garaje con muy cómodo acceso y la plaza tiene también un acceso fácil (sin necesidad de maniobras). Alquiler mensual 130 (incluida comunidad).
Soy un alma desnuda en estos versos,
alma desnuda que angustiada y sola
va dejando sus pétalos dispersos.
Alfonsina Storni.
LA VOZ DE UN ALMA DESNUDA
La aparición en las letras del Continente americano a principios de siglo de Gabriela Mistral, Alfonsina Storni, Delmira Agustini, Juana de Ibarbourou y Dulce María Loynaz, constituye uno de los hechos más notables de toda la historia de la cultura hispánica.
Alfonsina Storni Martignoni nace en Sala Capriasca (Suiza italiana), el 29 de mayo de 1892. Trasladada muy niña a la Argentina, vive y se educa en San Juan y en Coronda (Santa Fe). Muy joven Alfonsina se vio obligada a abandonar sus estudios y tuvo que trabajar en una fábrica para ayudar en su casa. Cuando tenía catorce años, murió su padre. En su adolescencia ingresó en una compañía de teatro. Más tarde cursó estudios de magisterio, como la Mistral. Pasa a Buenos Aires con un hijito en brazos. Da lecciones de primera y segunda enseñanza y luego entra como empleada en una oficina comercial. En 1921, ya es conocida como poetisa, se crea para ella una cátedra en el Teatro Municipal Lavardén. En 1928 y 1931 viaja por Europa. Y el 25 de octubre de 1938 se arroja al mar en la playa de Mar de Plata. Un mes más tarde la Cámara de los Diputados acordaba erigir un mausoleo en su memoria en el lugar mismo en que apareció el cadáver. Alfonsina Storni quedaba de este modo incorporada a las glorias nacionales argentinas como lo que es: una de las más inspiradas poetisas de lengua española, y la mejor sin duda de su país.
Su poesía es personalísima, casi salvaje. Soy un alma desnuda en estos versos, confiesa refiriéndose a los que integran el libro que lleva por título Irremediablemente. Y esta confesión podría extenderse a todos sus poemas, que son simple y exacta traducción, sin veladuras ni disfraces, de su lucha interior, de sus esperanzas, de sus fracasos, de sus pequeños triunfos y desaliento. Pocas veces un alma se nos ha dado tan brutalmente desnuda. En pugna con las convenciones sociales, ella no quiere ocultarnos nada. Hay ocasiones en que habla la razón, es cierto; pero hay otras, muchas más, en que habla sólo el instinto. Espíritu rebelde y en estado semisalvaje, choca contra todo. Una rosa que pide campo abierto, que en la ciudad se muere lenta, irremediablemente. Hazme tener la cólera sin nombre: / ya me fatiga esta misión de rosa. Nos lo dice una vez y otra en todos sus libros y con mayor insistencia en La inquietud del rosal y en Mundo de siete pozos.
Una serie de estados contradictorios -depresión y optimismo, esperanza y desasosiego- se va apoderando sucesivamente de Alfonsina Storni, y la domina hasta que se libera de ellos, volcándose en sus libros: El dulce daño, Languidez, Ocre, Mascarilla y trébol. Su libro Languidez, de 1920, había merecido el Primer Premio Municipal de Poesía y el Segundo Premio Nacional de Literatura.
Alfonsina intervino en la creación de la Sociedad Argentina de Escritores y participó intensamente en el gremialismo literario. En 1928 viaja a España en compañía de la actriz Blanca de la Vega, y repitió su viaje en 1931, en compañía de su hijo. Allí conoció a otras mujeres escritoras, y la poeta Concha Méndez le dedica algunos poemas.
En la Peña del café Tortoni conoció a Federico García Lorca, durante la permanencia del poeta en Buenos Aires. Alfonsina le dedicó un poema, Retrato de García Lorca: Irrumpe un griego / por sus ojos distantes (...) Salta su garganta / hacia fuera / pidiendo / la navaja lunada / aguas filosas...
El 20 de mayo de 1935 Alfonsina fue operada de un cáncer de mama. Al año siguiente se suicida su amigo Horacio Quiroga y ella le dedicó un poema conmovedor: Morir como tú, Horacio, en tus cabales / y así como en tus cuentos, no está mal / un rayo a tiempo y se acabó la feria ... Allá dirán.
Un día, no pudiendo ya con la carga de su vida llena de contradicciones y desencantos, Alfonsina se fue al mar y se arrojó a las olas. Su cadáver apareció flotando frente a la playa en Mar del Plata. La ardiente defensora del feminismo había soñado muchas veces, y así lo había dicho en sus versos, con una sepultura marina. Pocos días antes de tomar su fatal decisión había escrito un soneto: Voy a dormir, que termina así: Déjame sola: oyes romper los brotes, / te acuna un pie celeste desde arriba / y un pájaro te traza unos compases / para que olvides... Gracias... Ah, un encargo: / si él llama nuevamente por teléfono / le dices que no insista, que he salido... Y mucho antes había compuesto para la tumba su propio Epitafio: Aquí descanso yo. dice Alfonsina / el epitafio claro al que se inclina. / Aquí descanso yo, y en este pozo, / pues que no siento, me solazo y gozo.
Francisco Arias Solís
Siempre podemos hacer algo por la paz y la libertad.
Por eso, Padre, te pido que me conserves en este silencio
para que aprenda de él la palabra de tu paz
y la palabra de tu misericordia
y la palabra de tu gentileza
dicha al mundo,
y que a través de mí quizá tu palabra de paz se deje oír
donde durante mucho tiempo no ha sido posible que nadie la oyera.
Thomas Merton.
LA VOZ DEL MONJE TRAPENSE
El poeta, pensador norteamericano y maestro espiritual de Ernesto Cardenal, ha creado una poesía que rebasa los límites de la versificación piadosa. Merton, con una fuerte influencia de San Juan de la Cruz, ha intentado escribir un inglés libre de esteticismo doctoral, que llega al hombre sencillo e intenta acercarle a Dios. Está considerado uno de los más grandes escritores espirituales del siglo XX. Destacado militante de los movimientos pacifistas y anti-racistas y con un claro compromiso con los derechos humanos y la justicia social, criticó la política de Estados Unidos, en Vietnan, y el armamento nuclear. Fue un precursor del dialogo católico-marxista. De su encuentro con Thomas Merton, nos cuenta Ernesto Cardenal: Lo cual me había llenado de gozo doblemente: primero al saber que mi maestro de novicios será Thomas Merton, a quien yo le había leído prácticamente todos sus libros, e incluso traducido; y segundo porque eso yo no lo había sabido antes de pedir mi admisión, y era una garantía de que yo no había escogido ese monasterio buscándolo a él sino a Dios. Cuando en 1968,Thomas Merton se encontró con el Dalai-Lama, en el Tibet, éste lo calificó como un buda natural.
Thomas James Merton nació en Prades, Francia, el 31 de enero de 1915. Hijo de padre neozelandés y madre estadounidense, que perdió a temprana edad. Su niñez la pasa en la costa mediterránea francesa y en Inglaterra. Inicia sus estudios en un liceo francés. Una vez en Inglaterra continuó sus estudios en Cambridge. Sus ideas subversivas le hacen emigrar a Estados Unidos, estudiando en la Universidad de Columbia (Nueva York), en la que se doctoró con la tesis La naturaleza y el arte en Wiliam Blake. Enseña en las universidades de Columbia y de St. Bonaventure. En 1938 se convierte al catolicismo e ingresa en la Trapa el 10 de diciembre de 1941, residiendo en el monasterio trapense Nuestra Señora de Gethsemaní de Kentucky, desde dicho año hasta su muerte. Fue ordenado sacerdote en 1949, adoptando el nombre de padre Luis. Adquiere la nacionalidad estadounidense en 1950. Soñaba y buscaba la unidad de las religiones y precisamente falleció el 10 de diciembre de 1968, debido a una electrocución, cuando al salir del baño pisó un cable con deficiente aislamiento, accidente sufrido en Bangkok cuando asistía a un Congreso ecuménico de monjes católicos y budistas.
Su primera obra, La montaña de los siete círculos (1948), supone una autobiografía de amplia repercusión en el mundo cultural de Estados Unidos, siendo posteriormente traducida a múltiples idiomas. A partir de entonces publica diversas obras de carácter religioso, como Las aguas de Siloé (1949), Semillas de contemplación (1949), Ascenso a la verdad (1951), El signo de Jonás (1953), El hombre nuevo (1954), Ningún hombre es una isla (1956) y La vida silenciosa (1957). En ellas se enfrenta con el problema del hombre de su tiempo. En Fe y violencia (1968), aborda el problema racial. Con posterioridad se produce una aproximación a la religión oriental en sus obras Místicos y Maestros Zen (1967) y El Zen y los pájaros del deseo (1968). Entre sus libros de poesía citaremos Figuras para un Apocalipsis (1947), Las lágrimas de los leones ciegos (1949) y Las islas extranjeras (1957). Y como dijo el monje trapense: Un hombre veraz no puede permanecer mucho tiempo siendo violento. En el curso de su búsqueda, advertirá que no necesita ser violento, y descubrirá además que, mientras existe en él la menor traza de violencia, fracasará en hallar la verdad que está buscando.
Regalos para el XIII Festival Poético por la Paz y la Libertad
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Lista de regalos de ocasión
para obsequiar a los participantes del
XIII Festival Poético por la Paz y la Libertad
Un 2009 sin más guerras
Un arco iris nocturno
El cuento de nunca acabar
Un montón de horas muertas
La querida libertad
Un barco hundido
Un velado desvelo
Una máscara de cristal
Un grito en el cielo
Una gota de paz
Un minuto para perderse
Un sol sin ocaso
Un viaje sin destino
Un reloj sin prisa
Una bella sonámbula perdida en el desván
La manzana de la concordia
Un trapecio para saltar sin alas
Un teléfono asesinado
Un poema enigmático
Un saber que ocupe lugar
Un silencio para gritar sin límites
Una media verdad y su otra mitad
Una pizca de felicidad
Una ilusión para vivir
Un ama de cría para el desayuno
Una música sin ruido
Un compás de espera
Una solidaridad verdadera
La salida del laberinto
Una fiesta libertina
Una ciudad sin corrupción
Un cementerio lleno de vida
Una vida sin carrera de obstáculos
Una revolución en silencio
Una idea genial encontrada en la papelera
Un milagro
Una veleta sin norte
Una invisible flor de primavera
Un dedo puesto en la llaga
Una luna tatuada
Una respuesta para todas las preguntas
XIII Festival Poético Internacional por la Paz y la Libertad
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FORO LIBRE
ASOCIACION CULTURAL, ARTISTICA Y LITERARIA (Fundada en 1992)
Francisco Arias Solís - Presidente ~ Plaza San Severiano, 2 ~ 11007 - CADIZ
e-mail: pazylibertad@arrakis.es
URL:http://www.internautasporlapaz.org
para matar al hombre de la paz
para golpear su frente limpia de pesadillas
tuvieron que convertirse en pesadilla
para vencer al hombre de la paz
tuvieron que afiliarse para siempre a la muerte
matar y matar más para seguir matando
y condenarse a la blindada soledad
para matar al hombre que era un pueblo
tuvieron que quedarse sin el pueblo
Mario Benedetti.
XIII FESTIVAL POÉTICO INTERNACIONAL
POR LA PAZ Y LA LIBERTAD
EL PRÓXIMO FESTIVAL ESTARÁ DEDICADO A MARIO BENEDETTI
La Asociación Cultural, Artística y Literaria FORO LIBRE celebrará en el mes de mayo de 2010 su XIII Festival Poético Internacional por la Paz y la Libertad, con la finalidad de que todos los poetas del mundo pongan en el corazón de los valores universales la paz y la libertad. Este festival estará dedicado a Mario Benedetti (1920-2009), poeta del amor total y del compromiso. Toda su obra refleja su espíritu solidario y su hambre de libertad, que llevaron a este hombre de paz a doce turbios y enturbiadores años de exilio.
FORO LIBRE al convocar este XIII Festival Poético Internacional por la Paz y la Libertad lo hace en el convencimiento de que nada va a lograrse en lo porvenir por caminos de violencia y ha considerado que las páginas de Internet deben tomar la palabra, para cantar la paz y la libertad. Porque lo que es indudable es que los grandes cambios, las grandes convulsiones, las grandes transformaciones de la Historia, las sanas revoluciones, las han hecho siempre los poetas.
Desde cualquier parte del mundo se puede participar en el XIII Festival Poético Internacional por la Paz y la Libertad remitiendo los poemas (máximo 40 versos)) al e-mail: pazylibertad@arrakis.es
Los poemas seleccionados serán publicados en el portal de FORO LIBRE E INTERNAUTAS POR LA PAZ Y LA LIBERTAD URL:http://www.internautasporlapaz.org
FORO LIBRE invita a todos los poetas a participar en este festival en memoria de Mario Benedetti y a poner su granito de arena en el camino de la paz, la libertad y la tolerancia.
Francisco Arias Solís
Paz y Libertad.
Nuevo portal de Internautas por la Paz y la Libertad y de Foro Libre
Yo muero extrañamente... No me mata la vida,
no me mata la muerte, no me mata el Amor;
muero de un pensamiento mudo como una herida...
¿No habéis sentido nunca el extraño dolor
de un pensamiento inmenso que se arraiga en la vida
devorando alma y carne y no alcanza a dar flor?
Delmira Agustini.
LA VOZ DE UN PROFUNDO Y ANHELANTE SOÑAR
¿Presagiaba Delmira en estos versos su trágico fin? Lo cierto es que se casó con un hombre vulgar y corriente, que sin duda la quería, pero que no llegó a comprenderla. Realmente debía ser muy difícil comprender a un alma tan compleja como la de Delmira Agustini. Se separaron a los pocos días, pero aún siguieron reuniéndose a hurtadillas, como amantes ilegítimos. Un día él la citó para una entrevista; la mató y acto seguido se suicidó.
Delmira Agustini nació en Montevideo el 24 de octubre de 1886 y murió en la misma ciudad asesinada por su ex marido el 6 de julio de 1914. Compuso versos desde su niñez y estudió francés, música y pintura. Vivió admirada y agasajada. La Nena, como se conocía familiarmente a la poetisa uruguaya, era hija de familia rica, se había educado en el mejor ambiente para el cultivo de la poesía y de la música, sus dos aficiones dominantes. Por sus venas corría sangre de razas diversas: uno de sus abuelos era francés; otro alemán; sus dos abuelas, uruguayas. Ella era rubia y hermosa. Con un temperamento ardiente y una inteligencia precoz, soñó con exprimir de la vida los mejores zumos. Su vida terminó trágicamente a manos de su ex marido Enrique J. Reyes, negociante de ganado caballar, con quien había contraído matrimonio el 14 de agosto de 1913, y de quien ella se había divorciado el 5 de junio de 1914.
Todavía adolescente, casi una niña asombró y escandalizó a la burguesa sociedad rioplatense con unos cuantos libros de versos El libro blanco (1907), Cantos de la mañana (1910) y Los cálices vacíos (1913); en los que cantaba al amor. Completan su producción El rosario de Eros y Los astros del abismo, que fueron publicados póstumamente en 1924. En 1969 apareció su Correspondencia íntima. Por vez primera una mujer joven y bella, abría su corazón, y con un lenguaje tan audaz como poético y sugestivo sacaba a la luz sus más íntimos sentires. En El rosario de Eros, exclama la poetisa: ¡Mi vida toda canta, besa, ríe! / ¡Mi vida toda es una boca en flor! En la carta que le escribió Don Miguel de Unamuno, el 15 de abril de 1910, en la que analiza algunos de los versos de su obra Cantos de la mañana, al referirse al verso Fuerte como en los brazos de Dios, Unamuno comenta: Qué poético, es decir, ¡qué intensamente verdadero es esto! Y los brazos de Dios son la soledad.
Agustini colaboró en las revistas La Alborada y Apolo. Formó parte de la generación de 1900, a la que también pertenecieron Julio Herrera y Reissig, Leopoldo Lugones y Rubén Darío, y fue una de las pocas mujeres que perteneció al grupo poético del Río de la Plata (1910-1920). Su poesía, marcadamente erótica y enraizada por completo en la estética modernista, se caracterizó por la abundancia en imágenes y metáforas y por una temática centrada en la consumación espiritual y amorosa. Poesía de un profundo y anhelante soñar: con lenguaje audaz, tempestuoso y sugestivo expone sus sentimientos más íntimos. Los cálices vacíos es una obra de erotismo dramático y sensualidad, ansias de goce y anhelos sexuales hasta entonces velados tras metáforas en la poesía femenina, pero que en ella se hacen palpables. Por otro lado, en su poesía se observa la lucha entre la realidad y sueños, entre cuerpo y alma, yendo la autora de uno a otro en la búsqueda de sí misma. Agustini está considerada una de las iniciadoras de la poesía femenina hispanoamericana.
La aparición de Delmira Agustini, junto a otras inolvidables poetisas en las letras del Continente americano a principios del siglo pasado constituye uno de los hechos más notables de toda la historia de la cultura hispánica. En el coro muy nutrido, de poetisas uruguayas destacan dos voces de calidad: la de Delmira Agustini y Juana de Ibarbourou. Un signo trágico, parecido al de Delmira, presidió también la vida de Alfonsina Storni
Hay en la poesía de Agustini, que se beneficia de todas las conquistas formales del modernismo, evidentes influencias de Rubén Darío, y aún más evidentes de DAnnunzio. Pero hay también en ella un estilo personal que se caracteriza por el lenguaje tempestuoso y lleno de fuego. Sin embargo, ese torrente abrasador no ha pasado directo del corazón al poema. Antes de plasmarse en éste, ha sido filtrado por el cerebro, de modo que toda esa poesía, amasada con el barro humano más grosero, queda en virtud del arte, ennoblecida, casi purificada y transformada en materia estética de la más alta calidad. Poemas como Plegaria, Lo inefable, Mis amores, El intruso, Las alas, Desde lejos, Nocturno, La sed y el citado El rosario de Eros, merecen figurar al lado de los mejores de la lengua castellana. Y como dijo la poetisa uruguaya: ... nos velará llorando, llorando hasta morirse / nuestro hijo: el recuerdo.
Mario Benedetti In Memoriam, poeta del amor total y del compromiso 1920-2009
Una mujer desnuda y en lo oscuro
Una mujer desnuda y en lo oscuro
tiene una claridad que nos alumbra
de modo que si ocurre un desconsuelo
un apagón o una noche sin luna
es conveniente y hasta imprescindible
tener a mano una mujer desnuda.
Una mujer desnuda y en lo oscuro
genera un resplandor que da confianza
entonces dominguea el almanaque
vibran en su rincón las telarañas
y los ojos felices y felinos
miran y de mirar nunca se cansan.
Una mujer desnuda y en lo oscuro
es una vocación para las manos
para los labios es casi un destino
y para el corazón un despilfarro
una mujer desnuda es un enigma
y siempre es una fiesta descifrarlo.
Una mujer desnuda y en lo oscuro
genera una luz propia y nos enciende
el cielo raso se convierte en cielo
y es una gloria no ser inocente
una mujer querida o vislumbrada
desbarata por una vez la muerte.
Mario Benedetti.
Qué linda época aquella en que decíamos revolución
Francisco Arias Solis
e-mail: aarias@arrakis.es
Se ruega la visita al portal de Internautas por la Paz y la Libertad y de Foro Libre:
Digo
del hombre y su justicia,
océano pacífico,
lo que me dejan.
Pido
la paz y la palabra.
Blas de Otero.
LA VOZ QUE PIDE LA PAZ Y LA PALABRA
Cuando se publica en 1950, Ángel fieramente humano, el nombre de Blas de Otero va a representar la encarnación de una orientación que puede ser encabezada con la devoción de Quevedo El quevedismo, que ya había tenido precursores en prosa y verso, alcanza en aquel momento su madurez. Blas de Otero venía de San Juan de la Cruz, en cuyo seguimiento había publicado en 1942, un Cántico espiritual y todo San Juan está presente en esta noche oscura que es Ángel fieramente humano.
La presencia o ausencia de Dios, inseparable de su central tema humano en estos primeros libros, como también en Redoble de conciencia (1951), se anuncia ya en ese homenaje a San Juan de la Cruz que forman los poemas de Cántico espiritual: en el soneto del mismo título nos sorprende el golpe de Dios y la petición, el llanto y el clamor a Dios, brotan en los endecasílabos del poema I, sin título: Gimo y clamo hacia Ti como un pecado / girasol de tu gracia en esta niebla. De esta niebla unamunesca y machadiana surge el verso existencial de este primer Blas de Otero, el que crece, se ramifica, en los dos grandes libros siguientes y culmina y hace crisis en Ancia (1958), tras haber publicado ya, en 1955 iniciando nuevos rumbos o centrando ya sólo en el hombre, en los hombres, el tema de su poesía- Pido la paz y la palabra.
La brevedad de las formas poéticas le permite a Otero realizar su ideal de poema condensado. El vocabulario resulta ser indicativo de la profunda situación de angustia en que se encuentra el poeta. Redoble de conciencia pone aún más de manifiesto las condiciones de desolación, límites y orfandad del ser humano, si bien algunos poemas ya llevan implícito el tema de la solidaridad humana que ya no abandonaría su obra poética.
Blas de Otero nace en Bilbao el 15 de marzo de 1916. Su infancia transcurre en Bilbao y Madrid. Estudia bachillerato en Madrid. Se licenció en Derecho y Filosofía y Letras, profesiones que abandonó. Trabajó de asesor de una fábrica de forja, fue minero una temporada y ejerció la enseñanza privada en su ciudad natal. Residió en París y La Habana. Viajó por la URSS y China, escribe allí los poemas que integrarán Que trata de España (1964). Recibió el premio Boscán de Poesía en 1950, el premio de la Crítica en 1959, y el premio Fastenrath de la Real Academia Española en 1961. En Cuba recibió el premio Casa de las Américas, en 1964, allí se casó con Yolanda Pina, de la que se divorció en 1967. En La Habana escribe su único libro en prosa Historias fingidas y verdaderas. A su regreso a Madrid, reanuda su antigua amistad y amor con Sabina de la Cruz, relación que duró hasta la muerte del poeta. Comienza a escribir Hojas de Madrid y La Galerna, que quedarán inéditos. Blas de Otero muere en Majadahonda el 29 de junio de 1979.
Blas de Otero con los vientos existenciales percibirá también el mensaje literario de la poesía social. Y entonces el poeta vasco pide la paz y la palabra su libro es Pido la paz y la palabra-.Después publica en Francia En castellano (1960), prohibido por la censura española, y en el que nos cuenta la verdadera situación por la que atraviesa España.
En Pido la paz y la palabra, con poesía fuerte y viva nos confiesa: Aquí tenéis, en canto y alma, al hombre / aquel que amó, vivió, murió por dentro / y un buen día bajó a la calle: entonces / comprendió: y rompió todos sus versos. Y terminó dando todos sus versos por un hombre en paz.
Dámaso Alonso le calificó entre sus desarraigados, pero hay en Otero un extraordinario dominio de la palabra y un arraigo fundamental, aunque sea desesperado, en los temas esenciales del hombre.
De Blas de Otero nos han quedado unos estremecedores sonetos atravesados de furia, de ternura, de delicadeza. Su arraigo quevedesco lo sitúa entre los poetas que dejan huellas y un sabor a clásico. Por los frutos de su arraigo le reconoceremos gozosamente siempre. Y como nos dijo el propio Blas de Otero: Si he perdido la vida, el tiempo, todo / lo que tiré como un anillo al agua / si he perdido la voz en la maleza / me queda la palabra.
Francisco Arias Solis
e-mail: aarias@arrakis.es
No hagamos las paces con la guerra, ni tampoco levantemos guerras con la paz.
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FORO LIBRE
ASOCIACION CULTURAL, ARTISTICA Y LITERARIA (Fundada en 1992)
Francisco Arias Solís - Presidente ~ Plaza San Severiano, 2 ~ 11007 - CADIZ
e-mail: pazylibertad@arrakis.es
URL:http://www.arrakis.es/~aarias
Soy mujer, y también tengo
mi malicia sin segunda,
y como hijita de playa
algo de sal en mi pluma.
Vicenta Maturana.
HOMENAJE DE FORO LIBRE A VICENTA MATURANA
El próximo lunes, día 11, a las 20.30 horas, en la cafetería-restaurante El Cantábrico (Avda. Cayetano del Toro, 21 - Cádiz), la Asociación Cultural, Artística y Literaria FORO LIBRE celebrará un encuentro literario sobre la vida y la obra de la poetisa gaditana Vicenta Maturana (1793-1859), con motivo del 150º aniversario de su muerte.
Cádiz fue su cuna -escribía Adolfo de Castro y Rossi, escritor gaditano y director del Diario Constitucional de Cádiz-; Cádiz, donde la vivacidad de ingenio no es mérito, sino naturaleza....
Vicenta Maturana y Vázquez nació en Cádiz el 6 de julio de 1793. Siendo todavía niña, escribía pequeños poemas y, según Adolfo de Castro, hubo de enfrentarse a la oposición de sus padres, que no consideraban fuera éste, un pasatiempo adecuado para una señorita. En 1809 murió su padre, el Mariscal Maturana, en la batalla de Bailén y su familia tiene que huir a Lisboa. Allí murió a los seis meses de su llegada la madre de Vicenta, y ésta permaneció sola en aquella ciudad hasta 1811 en que vuelve a residir en España. En 1816 fue nombrada camarista de la reina María Josefa Amalia de Sajonia, hasta 1820 en que se une en matrimonio con el Coronel José María Gutiérrez Pérez Gálvez.
En 1814 y hasta 1819 comienzan a aparecer en el Diario Mercantil de Cádiz, sus primeras colaboraciones: algunos sonetos y letrillas bajo el seudónimo de Celmira. Su primera obra larga que publicó anónima, fue la novela Teodoro o el huérfano agradecido. Por esos años se había divulgado el rumor de que las poesías que se atribuían a la reina María Josefa Amalia, en realidad eran creación de doña Vicenta,
En el volumen de los Ensayos Poéticos encontramos reunidas alrededor de ochenta composiciones: odas, letrillas, sonetos y romances en los que predominan los temas sentimentales y algunas poesías de circunstancias. Desde 1828 hasta 1830 colabora esporádicamente en el Correo Literario y Mercantil y publica otra novela Sofía y Enrique, dedicada a la infanta María Francisca de Asís. De todas sus obras es quizá a esta, a la que más atención prestó la crítica.
En 1830 comienza a trabajar en el Himno a la Luna, obra poética en prosa, inspirada por la lectura del Himno al Sol del Abate de Reyrac, y que dejaría inconclusa hasta 1836. Pío Baroja nos diría: ... doña Vicenta, la poetisa gaditana, había publicado varias novelas, entre ellas Teodoro, el huérfano agradecido, Amar después de la muerte y acababa de dar a luz el Himno a la luna, en cuatro cantos, que el Gobierno carlista prohibió, no se sabe si por resentimiento contra doña Vicenta o contra la luna.
Francisco Arias Solís
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Oyó los secretos de la Filosofía
y los fuertes pasos de la Naturaleza,
obtuvo el intento de la su pureza
y profundamente vio la Poesía.
Marqués de Santillana.
LA VOZ DEL PRIMER CRITICO LITERARIO DE POESIA
Muchas veces se ha repetido esta mágica estrofa de la Comedieta de Ponza del admirable poeta, Iñigo López de Mendoza, nacido en Carrión de los Condes, el 19 de agosto de 1398-, de donde destaca este verso ... y profundamente vio la Poesía.
El elogio se refiere al rey caballero don Alfonso de Aragón; y lo hace su madre dolorida: doña Leonor, contestando a Juan de Bocaccio, al lamentar la derrota de Ponza. Y esta estrofa sigue a la que empieza por el verso: las sílabas cuenta e guarda el acento...; y añade evocando a Euclides (pues en Geometría Euclides no tuvo gran sentimiento...). Es decir, que en muy poco espacio, muy pocos versos, el primer crítico literario de poesía de nuestra lengua (primero cronológicamente) encierra una poética, y hasta una retórica, cuyo alcance se prolongará siglos, llegando diría que hasta nosotros intacta en su vigencia fundamental.
El autor de tan mágica estrofa, durante su juventud, se consagró con éxito al servicio de las armas, cooperando en las guerras de la Reconquista, habiendo figurado en la batalla de Olmedo, en 1445, año en que recibió el título de Marqués de Santillana. En poesía fue discípulo del duque de Villena, siendo un gran protector de poetas en la corte. El Marqués de Santillana murió en 1458.
Detengámonos en estos versos. Y en sus versos, verdaderamente finales, por su medida aconsonantados: filosofía, naturaleza, pureza, poesía. El último se nos afirma, ante todo, como visión: y visión profunda. Tan profunda que su musicalidad se transparenta en ella y por ella luminosamente. Y ésta es, para el poeta la poesía. Admirable visionario y oidor o escucha de poesía, este elegantísimo Santillana. hablando como extranjero, armado o vestido como francés... como se le cantó satíricamente en su tiempo por las famosas Coplas de Panadera.
La figura de este poeta se ha ido agrandando y afinando, perfilando cada vez más pura, firme, poderosa, con los siglos. Es tiempo de darle en la historia y tradición de la mejor poesía española el sitio que le corresponde y merece. Situar su nombre poniéndole junto a Juan Ruiz, a quien sucede como la mayor figura literaria de su siguiente siglo; y al lado de Manrique y Ausias March; al lado, en los siglos siguientes, de fray Luis, de Herrera, de Lope, de Góngora, de Quevedo... Pues, como todos ellos acompaña a su creación, a su poesía e invención poética, una conciencia crítica, reflexiva, poderosísima. Conciencia o reflexión igualmente poética. El arte escribe Menéndez Pelayo- como toda obra humana digna de este nombre es obra reflexiva; sólo que la reflexión del poeta es cosa muy distinta de la reflexión del crítico y del filósofo. Esta cosa muy distinta que es la reflexión crítica de la poesía que nos puede y debe, dar el poeta, esa cosa muy distinta de las reflexiones que sobre la poesía nos hacen los críticos más o menos filosóficos o cientificistas.
En Santillana, esta reflexión del poeta se nos ofrece con singularísimo interés literario. Leámosle. Releámosle, tomando como punto de partida su reflexión critica; la que en estas estrofas a que aludo nos expresan su poética con tan clara evidencia: oír, escuchar los secretos de la filosofía y los fuertes pasos de la naturaleza; obtener con pureza ese intento, obtenerlo poéticamente: viendo, mirando, en profundidad, con profundidad la poesía. ¡Y con qué puro mirar y oír reflexionó este lírico poeta español, extraño, del siglo XV!
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Yo he escrito siempre con libertad
y no hubiera permitido que me la quitaran.
Elena Quiroga.
LA VOZ DEL ARTE DE NOVELAR
Elena Quiroga perteneció a la generación de las posguerra. Creo que todos (los de esta generación) nos caracterizábamos por la sensación de incomunicación, insolidaridad y soledad. Más exactamente: falta de libertad, dijo en cierta ocasión. La palabra libertad tenía una gran significación para la autora. He escrito siempre desde mi libertad, dijo en otra ocasión.
Cuando en la escena literaria española dominaba el realismo social, se le consideraba, con cierta displicencia, una autora culta. Fue Elena Quiroga una de esas escritoras que se revelaron después de la guerra civil, como Carmen Laforet, Ana María Matute o Dolores Medio. Quiroga fue una de las escritoras que cambiaron, frente a la generación anterior, la manera de ver lo femenino, y que intentaron y consiguieron un género que sobrepasaba lo testimonial para adentrarse en lo psicológico.
Elena Quiroga de Abarca nace en Santander el 26 de octubre de 1921. Hija de los condes de San Martín de Quiroga, pasa parte de su infancia en Galicia. Aunque no estudió ninguna carrera universitaria, Quiroga se dejó guiar por su insaciable curiosidad intelectual atendiendo como alumna libre las clases que más le interesaban. Disciplinada y estudiosa, trabajó durante años unas cuatro o cinco horas diarias en sus novelas y o escritos.
Elena Quiroga ganó el Premio Nadal en 1950 con una obra a la que debió durante años su prestigioso literario, Viento del Norte, donde hay algunas resonancias de la Pardo-Bazán. Con Algo pasa en la calle se adentró Quiroga en un universo urbano y abordó temas más candentes, línea que prosiguió con títulos como La careta, La última corrida, Tristura, Escribo tu nombre y Presente profundo, su última novela , de 1973, de tonalidades abiertamente trágicas.
Su producción literaria se centra en los años cincuenta y sesenta, publicó diez novelas en catorce años. El ambiente gallego impregna la mayoría de sus novelas. También ha dejado algunos escritos en gallego.
Fue la segunda mujer la otra es Carmen Conde- en entrar en la Real Academia Española; elegida en 1983, su discurso de ingreso un año después giró en torno a Alvaro Cunqueiro, de quien fue amiga personal. De su elección dijo Rafael Lapesa al recibirla en la ceremonia de ingreso que entra en esta casa, no por ser mujer, ni por que es hermosa, linajuda y distinguida, sino sólo por su obra literaria; y en ella se manifiesta el don de sabiduría como conocimiento del alma humana, sagaz observación de lo significativo, rechazo de la desmesura y dominio del arte de novelar.
Sus últimos años lo vivió a caballo entre el pazo de Nigrán (Pontevedra) y Madrid donde no solía faltar a la reuniones de la Academia. El 31 de agosto de 1995 sufrió una caída en el pazo de Nigrán y se fracturó la cadera. La muerte le sobrevino el 3 de octubre de 1995, y sus restos fueron trasladados a Villafranca del Bierzo, donde fue enterrada en el mismo panteón que su esposo, el académico de la Historia Dalmiro de la Válgoma.
Elena Quiroga evolucionó desde la estructura muy tradicional de su primera novela, Soledad sonora, hasta la mayor complejidad de las ulteriores, aunque se mantuvo fiel a una temática basada en la introspección, en la creación de personajes solitarios y problemáticos, en el protagonismo femenino. Elena Quiroga ha sido durante años una presencia indispensable cuando se hablaba de novela femenina. Otra cosa es la pertinencia del concepto más que discutible- y si la misma sensibilidad de la obra está en sintonía con lo que hoy piensan y escriben las más destacadas narradoras españolas. Y como dijo Buero Vallejo: Era una mujer del pueblo en la Academia.
Se ama la libertad como se ama y se necesita el aire, el pan y el amor.
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La fama de Carlyle reverdeció a fines del siglo XIX y comienzos del XX. Las ideas y el estilo de Carlyle volvieron a influir en el estilo de numerosos escritores de todos los países. La actuales generaciones le tienen algo olvidado. Con todo, no cesan de publicarse libros de la llamada literatura estimulante, la cual procede toda, precisamente de Carlyle y de los voluntaristas como Nietzsche, Maeterlink, James y otros.
Thomas Carlyle nace en Ecclefechan (Escocia), el 4 de diciembre de 1795. Estudia en la Universidad de Edimburgo y se distingue, sobre todo, en el estudio de las matemáticas. Poco después se dedicó a la enseñanza de esta ciencia. Y uno de sus primeros libros fue una traducción del francés, de los Elementos de Geometría y Trigonometría de Legendre (1824). Su primer libro importante fue una Vida y obras de Schiller. Trabó conocimiento y amistad con varios escritores alemanes, y es interesantísima su correspondencia epistolar con Goethe. En 1826, se casó Carlyle con Juana Welsh. El escritor amaba intensamente a su esposa; cuando en 1861 contrajo ella una grave enfermedad mental, que estuvo a punto de hacerle perder la razón, Carlyle le cuidó con ejemplar paciencia.
Su Sartor Resartus (El sastre Remendado) es, sin duda alguna, una obra fundamental del siglo XIX y una de las más importantes de todos los siglos. Sus dotes de historiador ilustre, unidas a las de original pensador y escritor genial, se asociaron brillantemente para producir en 1834 otra obra inmortal: su Revolución francesa.
Carlyle escribió mucho en periódicos y revistas. También pronunció varias series de conferencias. Otra de sus mejores obras es La Historia de Federico de Prusia, que le acreditó de gran historiador. Carlyle se preocupó por cuestiones sociales y la suerte de los trabajadores y se adelantó a muchas ideas actuales en obras como Charstin (1840) y Pasado y Presente (1843). En esta última pide para los trabajadores no caridad sino justicia. Los Héroes es su obra más conocida. El heroísmo de Carlyle consiste en saber resistir, en saber reaccionar y reírse. Para Carlyle, toda auténtica personalidad tiene razón, es verdadera o, de lo contrario será no héroe; es decir, no sería sino ficción, simulacro; como tantos hombres, no sería nada. Y contra esta nada que finge ser algo, contra esa máscara que pretende sea rostro, es contra la que luchan valientemente sus héroes.
En 1866, fue elegido por los estudiantes lord rector de la Universidad de Edimburgo, donde había estudiado. Este acontecimiento fue para él motivo de profunda satisfacción.. Pero, poco después moría su esposa. Tanto le afectó esta desgracia que, a contar desde aquella fecha, puede considerarse terminada su vida de escritor. Su vida humana se prolongó hasta el 5 de febrero de 1881.
Los hermanos espirituales de Carlyle son los místicos iluminados, como Novalis y Jacobi; los líricos exaltados y declamatorios como Schiller; los filósofos postkantianos, panteístas e idealistas, líricos de la filosofía como Fichte y Schelling; los atormentados humoristas como Juan Pablo Richter. No hay duda que influyó en él, más o menos directamente, el historicismo de Hegel y que fue profunda la impresión que le causaron las obras místico-naturalistas de Rousseau. Y con éste, todo lo que significase romanticismo, porque Carlyle era, por naturaleza, el escritor más romántico de Inglaterra.
El secreto del verdadero estilo de Carlyle es su música. El pensamiento mismo de Carlyle, desde luego, es más musical que discursivo y reflexivo; siente más que ve. Carlyle es un gran enamorado; sus reacciones violentas descargan contra todo lo que se opone y contradice a sus grandes amores. Carlyle, en los primeros años de su matrimonio escribió en un Diario íntimo sin amor no hay conocimiento.
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EL PRIVILEGIO DE AMAR
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NUNCA TE OLVIDARE
NIÑA MOZA En Español
Sólo es capaz de vivir en otro
quien es capaz de vivir en sí mismo.
Joaquín Xirau.
LA VOZ DE LA CONCIENCIA AMOROSA
El mundo de la filosofía es el de la totalidad de la experiencia, pues su aspiración no puede ser otra que hacernos vivir en una plenitud vital, donde todas las cosas hallan su lugar y todos los valores su jerarquía.
Ahora bien, la plenitud vital se da en el amor; de aquí la importancia de determinar el significado formal de la conciencia amorosa; para Xirau, ésta es una actitud radical que no debe identificarse con ningún contenido concreto; se trata, por el contrario, nos dice, de una forma peculiar y permanente del espíritu, una actitud radical de la vida que condiciona los fenómenos y los contenidos y les presta una orientación y un sentido. Y entre las diversas formas o actitudes que puede adoptar la actividad de la conciencia, la más decisiva es la que se mueve entre el amor y el rencor, hasta el punto de que la estructura entera de la persona cambia según se halle dominada por la conciencia amorosa o por la conciencia rencorosa. El amor a que Xirau se refiere es, pues, este tipo de amor puro que constituye en definitiva una realidad específica e irreductible, de carácter profundamente ontológico.
La personalidad y la obra de Joaquín Xirau nos sitúan en el eje de la Escuela de Barcelona; a no haber sido por la guerra civil y el exilio posterior, probablemente hubiera ejercido un magisterio filosófico en el mundo catalán muy parecido al que Ortega y Gasset ejerció en la Escuela de Madrid.
Joaquín Xirau nació en la ciudad gerundense de Figueres el 3 de junio de 1895 y murió en México el 10 de abril de 1946. Estudió Filosofía y Letras en Barcelona, ampliando después estudios en Madrid, donde siguió un curso con Ortega y mantuvo relaciones de amistad con los hombres de la Institución Libre de Enseñanza; de ahí arranca su interés por el tema de educación y su admiración por los krausistas, bien patente en su libro: Manuel B. Cossío y la educación en España. La revolución más profunda realizada en España en los últimos años de su vida libre la reforma de la educación- se debe íntegramente a Cossío, decía Xirau. El doctorado lo hizo en la Universidad de Madrid: tanto en Filosofía, en 1922, como en Derecho, 1923. Los filósofos que más influyeron en él fueron Max Scheler y el pensamiento francés de aquel momento: Brunschvicg, Bergson, Meyerson, Landsberg, etc. En la enseñanza obtuvo un primer puesto en Lugo como profesor de Segunda Enseñanza, pasando después por las Universidades de Salamanca y Zaragoza, hasta situarse en la de Barcelona en 1929; desde ella inicia una extraordinaria actividad impulsando el desarrollo de la filosofía y la pedagogía. Es miembro encargado de la enseñanza en el Consejo de la Cultura de la Generalitat, se le nombra decano de la Facultad de Filosofía y Letras, es elegido miembro del Consejo Internacional de los Congresos de Filosofía, a muchos de los cuales asiste.
Aunque con un profundo fondo cristiano, que se refleja en toda su obra, políticamente milita en el socialismo y colabora en la revista Hora de España. En 1939, acompañado de su mujer, Antonio Machado y la madre de éste, y otros más, se ve obligado a emprender el camino del exilio; primero en Francia, después, en México, donde sigue escribiendo y publicando sobre temas filosóficos, dejando allí el fruto granado de muchos años de meditación a pesar del desgraciado accidente -fue atropellado por un tranvía-, que terminó prematuramente con su vida en 1946. Fue profesor de la Universidad Nacional de México y formó parte de la Junta de Cultura Española en el exilio, de la que eran presidentes, José Bergamín, Josep Carner y Juan Larrea y publicó interesantes artículos en las revistas Romance, Revista dels Catalans dAmèrica, que es la primera revista catalana iniciada por exiliados y creada en México y, también colaboró en España Peregrina, e, igualmente, formó parte de la junta de Gobierno de Cuadernos Americanos. Fue uno de los firmantes de la famosa Declaración de La Habana de la primera reunión de profesores universitarios españoles, celebrada en 1943.
Entre sus libros y publicaciones es importante destacar los siguientes: El sentit de la veritat, Descartes y el idealismo subjetivista moderno, El sentido de la vida y el problema de los valores, La teoría de los valores en relación con la Ética y el Derecho, Amor y mundo, Lo fugaz y lo eterno, El pensamiento de Luis Vives, La filosofía del siglo XVIII, Vida y obra de Ramón Lluch....
Sólo es capaz de vivir en otro quien es capaz de vivir en sí mismo decía Xirau-, de estructurar la propia personalidad y respetarse y estimarse como persona. Para poder estar realmente fuera de sí es preciso previamente estar en sí. En una palabra: el entregarse exige el poseerse, así como el diálogo supone una intimidad que comunicar,
Amor al ser y amor al valor se vinculan, estrechan e indiscerniblemente, ya que el hombre que ama las cosas y crea valores en ella; en ese condicionamiento dialéctico entre el ser y valor se engendra el sentido de la vida humana sobre la tierra. La conciencia amorosa impone así su realidad, descubriéndonos la raíz y el sentido ontológico del amor, mediante el que orientamos nuestra vida en el mundo.
Se ama la libertad como se ama y se necesita el aire, el pan y el amor.
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El punto de cita, si vale decir, en que se prepara
ese grandioso concierto, es el cerebro humano.
Nicolás Salmerón.
LA VOZ DEL PRESIDENTE DIMISIONARIO
Nicolás Salmerón, que viene del krausismo, acepta el reto de la ciencia moderna y de la filosofía positivista que le sirve de legitimación epistemológica, para convertirse en el representante más caracterizado de la inflexión positiva del krausismo o, como también se ha dicho, en cabeza de fila de los krausopositivistas. Esta vía de conciliación y de diálogo aparece ya claramente formulada en los Prólogos que escribe para las obras de Draper y Giner de los Ríos.
Nicolás Salmerón nace en Alhama la Seca, provincia de Almería, el 10 de abril de 1838 y muere en la ciudad francesa de Pau, el 20 de septiembre de 1908. Discípulo directo de Sanz del Río y amigo del maestro de Ronda, Francisco Giner de los Ríos, será uno de los puntales de la escuela krausista a pesar de una dedicación política, que le irá absorbiendo cada vez más. Fundador del Partido Centro Republicano, la trayectoria política de Salmerón le llevará a las más diversas vicisitudes biográficas, desde la cárcel en 1876 a ministro de Gracia y Justicia y presidente de la I República en 1873. Salmerón dimitió de dicha presidencia por no querer firmar la sentencia de muerte de los cantonalistas de Cartagena.
Salmerón alcanzó puestos eminentes de la docencia universitaria; ganó la cátedra de Historia Universal en Oviedo, aunque no llegara a tomar posesión de la misma, y fue catedrático de Metafísica en la Universidad Central de Madrid desde 1869; así como realizó una labor de estímulo y aliento a través de numerosas empresas, entre las que es obligado destacar el Colegio Internacional (1806-1874). No olvidemos que esta experiencia es un antecedente directo de la Institución Libre de Enseñanza y así ha sido considerada por quienes se han ocupado de ella; concebida como institución privada, constituyó una mezcla de colegio, casa familiar y embrión de Universidad.
Es evidente que Salmerón era, ante todo, un orador y quizá esto, explica que aún no tengamos unas obras completas de este pensador, a pesar de que sus escritos abarcan por completo el arco filosófico de su época. Una exposición completa del pensamiento de Salmerón está, pues, aún por hacerse. La filosofía del presidente dimisionario no podrá entenderse nunca plenamente, si no partimos del impacto que el desarrollo del positivismo tuvo en España durante los años setenta. Las obras de su primer período revelan una fuerte impregnación krausista y espiritualista, como ocurre con las siguientes: El Pontificado y la civilización moderna, Concepto de la Metafísica y plan de su parte analítica. Pero a partir de 1875, la presencia del positivismo es patente en Salmerón, como lo podemos comprobar en el Apéndice, que firma con González Serrano, a la obra de Tiberghien, Ensayo teórico e histórico sobre la generación de los conocimientos humanos, así como en el Prólogo a la obra de Draper, Historia de los conflictos entre la Religión y la ciencia y en el que también puso a la de Hermenegildo Giner de los Ríos, Filosofía y Arte.
Es interesante destacar el importante número de discípulos de Salmerón que escribieron manuales de psicología en una dirección monista, sin contar las Lecciones sumarias de Psicología, de Francisco Giner. Casi todos los pensadores incluidos en esta línea, o bien escriben manuales de Psicología, en los que generalmente se plantea la transición de la Psicología filosófica a la científica..., o bien desde sus cátedras y escritos van a despertar la afición a su cultivo... De este modo, el krauso-positivismo influirá decisivamente... en la formación de toda una corriente psicológico- científica a fines de siglo XIX. En el epitafio del monumento funerario levantado en el cementerio civil de Madrid para dar sepultura definitiva a los restos de Nicolás Salmerón, queda constancia de la altura moral y política de su dimisión: Dejó el poder por no firmar una sentencia de muerte.
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Madre, una estrella se ahoga
entre las aguas del río.
Va blanca de luz de luna
llena de miedo y de frío.
Adriano del Valle.
LA VOZ DE UN LIRICO ULTRAÍSTA
Su primer libro, Primavera portátil, le consagró como uno de nuestros más primorosos y modernos poetas. Su estilo, mezcla de místicos castellanos y de líricos americanos, con Rubén Darío a la cabeza, es sugestivo y fragante. Sobre todo, muy personal.
Adriano del Valle Rossi nace en Sevilla el 19 de enero de 1895. Con Isaac del Vando Villar, funda en su ciudad natal la revista Grecia, que es el órgano más autorizado del movimiento ultraísta en España. También es fundador con Fernando Villalón y Rogelio Buendía de la revista onubense Papel de Aleluyas, y dirigió en Madrid la revista literaria Santo y Seña y la revista cinematográfica Primer Plano.
El poeta vivía con una alegre independencia económica, pues vendía maquinaria agrícola de pueblo en pueblo y de cortijo en cortijo, y según nos cuenta Adriano, si es fama que los ángeles ayudaban a San Isidro a labrar el campo no es menos cierto que a mí me ayudaban los ángeles buenos a vender mis máquinas para que tuviera tiempo para amar a los míos.
Adriano del Valle es, esencialmente, un lírico. Su obra, bien extensa, es obra poética. Es decir, en verso. No obstante, en ocasiones, escribe artículos para los periódicos que, en el fondo y en la forma, descubren al poeta. Son, en realidad, poemas en prosa. En 1933 obtiene el Premio Nacional de Literatura por su obra Mundo sin tranvías. Diez años más tarde, recibe el Premio Mariano de Cavia por su artículo Stella Matutina. Adriano del Valle muere en Madrid el día 1 de octubre de 1957.
Era un verdadero poeta, sin mezquinerías, generoso, viviendo al lado de todos. Adriano del Valle es siempre el mismo, creado por la campiña andaluza, renovado por los soles de todas las mañanas. En todas las expresiones de su talento literario se halla, junto al hombre, el poeta. Entre los títulos más relevantes de su obra poética se cuentan Lyra sacra, Los gozos del río, Arpa fiel, que obtuvo el Premio José Antonio Primo de Rivera y el Fastenrath de la Real Academia, y la obra póstuma Oda náutica a Cádiz.
Iniciado como lítico en el ultraísmo, posteriormente cuajo en un neopopularismo que utiliza las estrofas clásicas con cierta maestría. La poesía de Adriano del Valle es viva y actual continuadora de la brillante tradición barroca española del siglo XVII. El arte de Adriano del Valle tiende sutiles redes al lector, haciéndole picar en el regusto de la frase hecha. Leemos en el soneto A Roma: Todos los acueductos van a Roma. Y en el Romance del Espantapájaros: Si el miedo guarda a la viña, / ¿quién puso jueces al campo?.
Hablar de la maestría de Adriano casi no es preciso. Cada poeta tiene sus sobresalientes valores individuales y lo peculiar en Adriano del Valle, lo que le da voz propia, es el juego, el ingenio, y, sobre todo, ese doble sentido quevedesco.
Sevilla en verso, le llamó Eugenio Montes. Y su gran amigo, el poeta malagueño Muñoz Rojas, exclama: ¡Oh inmenso Adriano, hombre grande, gran río, gran sombra de árbol andante! En ti se desencadenaba algo que nos comunicaba con el latido de la tierra, con el temblor de la palabra. Y con acento insistente, siempre ese acento, el popular, como el del cante andaluz que nos dijo el poeta: Canta el pájaro en la rama; / un ruiseñor, bien despierto, / con canora voz que clama / predicando en el desierto.
La guerra es un mal que deshonra al género humano.
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¡Estrellas que me alumbráis
dadme en este engaño muerte,
si el galardón en la muerte
tan largo me lo fiáis.
Tirso de Molina.
LA VOZ DEL GENIAL INVENTOR DE DON JUAN
¡Terrible estrella, tremendas estrellas, las de Don Juan! Por algo, en su primera aparición en los escenarios del mundo, al hacerlo de modo barroco, su inventor o descubridor el fraile Tirso, le hizo decir aquello: ¡Estrellas que me alumbráis...!
Pocas veces la crítica ha coincidido tanto en lo favorable como en lo adverso como al enjuiciar, desde hace más de un siglo, el teatro de Tirso de Molina, a quien se considera con razón entre los autores del repertorio teatral seiscentista, como el más cercano y parecido a su creador; Lope de Vega.
Muy poco es lo que sabemos aún de cierto de la vida de Fray Gabriel Téllez, el gran inventor de Don Juan. El enigma biográfico de Tirso de Molina, del que tanto se ha hablado, subsiste.
Nacido en Madrid, sin que se haya podido precisar la fecha exacta, que parece girar en torno a 1584, Tirso fue hijo bastardo de Téllez Girón, hijo a su vez del duque de Osuna. Ingresó como novicio en la Orden de la Merced, en el convento de Guadalajara, el 14 de noviembre de 1600, profesando dos meses después. Prosiguiendo sus estudios en Toledo, donde inicia su actividad dramática, y concluirlos quizá en Salamanca; residió cierto tiempo en Galicia y Portugal. Tras un posible destierro en Aragón, en el monasterio de Estercuel, se embarca en Sevilla, en enero de 1616 para la isla de Santo Domingo, donde permanecerá hasta 1618.
Concurre a las justas literarias que tuvieron lugar en Madrid con motivo de la canonización de San Isidro (1622). En 1625 la Junta de Reformación vituperará su teatro como inmoral.
Tras la decisión de la Junta y después de un viaje a Sevilla, vuelve Tirso a Madrid en la primavera de 1626, siendo nombrado comendador del convento de Trujillo, al frente del cual permanecerá hasta 1629. Poco después se vio Tirso de nuevo confinado, esta vez en el convento de Cuenca. En 1645 es elegido comendador del convento de Soria, y, en 1646, definidor provincial de Sevilla. Retirado por último al convento de Almanza, Tirso de Molina morirá, el 24 de febrero de 1648.
A Tirso de Molina , primer poeta trágico de España se debe sin duda la más avanzada gama de perfiles psicológicos del teatro del Siglo de Oro. Las más sutiles e intensas pasiones del alma humana, se ven encarnadas en una serie de personajes inolvidables: El vergonzoso en palacio, La prudencia en la mujer, Santa Juana, Marta la piadosa, El condenado por desconfiado y El burlador de Sevilla.
En El burlador de Sevilla y convidado de piedra, Tirso crea un tipo de larga tradición literaria: Don Juan, mito de la agresividad sexual masculina, según Zorrilla moldeó en su creación más famosa. Don Juan personifica audacia y rebeldía, el enfrentamiento de un individuo a toda suerte de valores sociales o morales, hasta el punto que la justicia eterna tiene que recurrir al castigo de forma inexorable. Don Juan no es, pese a todo, una mera encarnación del mal, sino antes bien, una fuerza natural, ciega, soberbia, que encarna una soberbia también de clase.
Irónico y refinado. Tirso es también el poeta artificioso de la comedia de enredo y en la que el eterno femenino campea absoluto aunque no desprovisto de ambigüedades múltiples en su gusto por el género travesti. Vistiendo de hombre a la mujer se trataba, y lograba la más de las veces, desenmascararla, casi diríamos que desnudarla, por la apariencia escénica, de su más púdica intimidad y secreto. La doña Juana de Don Gil de las calzas verdes o la misma Santa Juana, no temen enmascararse engañosamente vistiendo calzas verdes.
Tirso de Molina se nos aparece como uno de los más españoles y al mismo tiempo de los más universales poetas y ello no sólo por haber dado forma definitiva al mito de Don Juan- de nuestro teatro.
Lope dijo de Tirso: Fénix en ti resucita y en el Laurel de Apolo le colocó al lado de Terencio. Menéndez y Pelayo dice que El condenado por desconfiado, de Tirso, es el primero de los dramas de nuestro teatro, y que después de Shakespeare no ha habido otro creador de caracteres que haya demostrado poseer la fuerza y la energía de Tirso de Molina.
No olvidemos que el genial inventor de Don Juan, lo fue también de Santa Juana. Para lo primero le bastó un señaladísimo botarate sevillano. Para lo segundo , una insignificante beatilla madrileña, que nunca se canonizó. Porque en lo que el fraile Téllez aventaja tal vez a todos los comediógrafos de su tiempo incluido Lope- es en el buen humor.
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"Mañana es para siempre", "Eternamente tuya", "Vuélveme a querer", "Sin senos no hay paraíso", "Amarte es mi pecado", "Heridas de amor", "Contrato de amor", "Café con aroma de mujer", "Pasión", "Alborada", "Súbete a mi moto"....Y muchas más!
El amor es lo que importa. El amor es el gran número:
el uno y el único. Es el tres y el siete, y el nueve, y el once,
y todos los números en uno, el uno, único y maravilloso.
Ama a Dios. Ama a tu mujer. Ama a tu hijo. Ama a tu vecino.
Ama a tu enemigo, el hijo de puta..., ámalo igualmente.
Dale una oportunidad al pobre diablo..., ámalo.
William Saroyan.
LA VOZ DE LA GRAN COMPRESIÓN POR EL SER HUMANO
El nombre del novelista y comediógrafo estadounidense de origen armenio William Saroyan se hace famoso cuando publica el delicioso cuento El temerario joven sobre el trapecio volante (1934), ambientado en los días de la depresión, que alcanzó un éxito internacional, y estrena su primera obra El tiempo de tu vida (1939); por la que recibe el premio Pulitzer de Teatro (1940), que rechaza, a la que seguirían Mi corazón está en las montañas (1939) y Gente guapa (1941).
Sus mejores logros son los cuentos, poemáticos y sugerentes, como Nena querida; ésta es, al menos, la opinión de la crítica. Sus novelas no sólo gozan de una gran calidad artística, sino que traducen una gran compresión y ternura por el ser humano. Sin embargo, al centrar todo su interés en la peripecia interior o en la minuciosa vida cotidiana de los personajes, la crítica, normalmente superficial, no se detiene a calibrar el gran alcance de este autor de novelas realmente valiosas.
Saroyan une en sus historias la misteriosa penumbra de su origen armenio y el sentido práctico y directo de lo norteamericano, bien ensamblados en una obra acabada y conseguida. Sus historias fueron muy populares durante la época de la Gran Depresión.
William Saroyan nació en Fresno, California, el 31 de agosto de 1908 y falleció en la misma ciudad el 18 de mayo de 1981. Hijo de inmigrantes armenios, siendo muy niño perdió a su padre y tuvo que ponerse pronto a trabajar en diversos oficios para ganarse la vida. Muchas de sus historias se basaron en sus experiencias infantiles o trataron el desarraigo del inmigrante.
Entre la narrativa de Saroyan destacan las novelas La comedia humana (1943), conmovedor relato de dolor y de júbilo en tiempo de guerra, Las aventuras de Wesley Jackson (1946), El tigre de Tracy (1951), Un tal Rock Wagram (1951), Mamá, te quiero mamá (1957) y Tú estás loco, papá (1957); la recopilación de cuentos Mi nombre es Aram (1940); y los textos autobiográficos La bicicleta de Beverly Hills (1952) y Obituarios (1979). Y como dijo el escritor estadounidense: No seas el inferior de ningún hombre, ni de ninguno el superior.
La guerra es un mal que deshonra al género humano.
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Y la muerte no tendrá señorío.
Aunque las gaviotas no griten más en su oído
ni las olas estallen ruidosas en las costas
aunque no broten flores donde antes brotaron ni levanten
ya más la cabeza al golpe de la lluvia;
aunque estén locos y muertos como clavos,
las cabezas de los cadáveres martillearan margaritas;
estallarán al sol hasta que el sol estalle,
y la muerte no tendrá señorío.
Dylan Thomas.
LA VOZ DEL POETA GALÉS
Considerado uno de los más importantes poetas de su generación, fue guionista cinematográfico y de radio, periodista, recitador y narrador. Su obra, adscrita al movimiento nueva Apocalipsis, rica en imaginería y en la que se mezclan aspectos vanguardistas con el sustrato de su Gales natal, tuvo en algunos momentos como en la narración rítmica para la radio Bajo el bosque lácteo, rabelesiana y tiernamente lírica, considerada por muchos críticos como su mejor obra y que fue llevada a la pantalla cinematográfica con Richard Burton como narrador- una entusiasta acogida popular. Thomas fue famoso por ser un bohemio y borracho consumado, con un vozarrón cautivante, de forma que fue tan buen recitador como poeta.
Dylan Thomas nació en Swansea, Gales, el 27 de octubre de 1914 y falleció en Nueva York el 9 de noviembre de 1953. Su padre fue profesor en la Swansea Grammar School, donde se formaría el poeta. Ejerció como reportero en el South Wales Evening Post. Al poco tiempo de finalizar sus estudios se trasladó a Londres con la intención de publicar sus poemas, trabajando en diversos oficios que alternaba con su actividad literaria. En 1936 se casó con Gaitlin MacNamara. Durante la segunda guerra mundial, declarado no apto para el servicio militar, comienza su carrera radiofónica como guionista y locutor de la BBC. Falleció en los EE. UU. a los treinta y nueve años, a causa de su alcoholismo.
Su libro Dieciocho poemas (1934) causó sensación en los medios literarios londinenses por lo mágico y oscuro de sus versos, lo siguieron Veinticinco poemas (1936), El mundo que respiramos (1939), Mapa de amor (1939) y textos lírico-narrativos como Retrato del artista cachorro (1940) y el mencionado Bajo el bosque lácteo, publicado póstumamente en 1954. En 1946 se publicó su poemario más bello y conocido, Defunciones y nacimientos, y póstumamente apareció un volumen de Cartas escogidas (1966). Y como dijo el poeta galés: Yo que era rico, me hice más rico aún / sorbiendo poco a poco el vino de los días.
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He sido testigo de una revolución, hecho la guerra,
he sido hecho prisionero, conocido el hambre,
el trabajo físico hasta el agotamiento, me he fugado,
he estado al borde de la muerte, frecuentado
tanto sacerdotes como incendiarios de iglesias,
apacibles burgueses y anarquistas, filósofos
e iletrados, compartido mi pan con bandidos, ...
y sin embargo, en 72 años nunca le he encontrado un sentido a todo esto.
Claude Simon.
LA VOZ DEL NOBEL BRIGADISTA
El escritor francés Claude Simon, a quien en 1985 le fue concedido el premio Nobel de Literatura, estuvo en España con las brigadas internacionales para combatir del lado republicano en la guerra provocada por la rebelión militar del general Franco. Representante del nouveau roman o escuela de la mirada, a la que pertenecían Alain Robbe-Grillet, Michel Buter y Nathalie Sarraute, que reaccionó contra la novela de ideas y de análisis y busca el descubrimiento de una realidad profunda más allá de los personajes, la historia y el decorado. Los elementos del puzzle de lo real se presentan como aparecen, sin rellenar los vacíos, sin acción, cronología ni orden lógico: solo existen en sus novelas vivencias fragmentarias que nunca se unen. La participación de Claude Simon en la guerra española le dejó muchos recuerdos que son evocados en varias de sus novelas.
Claude Simon nació en Antananarivo, Madagascar, el 10 de octubre de 1913 y falleció en París el 6 de julio de 2005. A la edad de once años quedó huérfano de padre y madre, siendo educado por unos parientes en Perpinán, ciudad del sudeste de Francia, considerada por algunos la capital de la Cataluña Norte. Realizó los estudios secundarios en el colegio Stanislas en París, y, posteriormente, estudió, durante poco tiempo, en Oxford y Cambridge. Se inició en la pintura en la Academia del maestro cubista André Lhote. Viajó por España, Alemania, la Unión Soviética, Italia y Grecia. En 1936 luchó con las brigadas internacionales en defensa de la República. Durante la segunda guerra mundial participó en la batalla del Meuse, donde fue capturado por los alemanes, y enviado a un campo de prisioneros en Sajonia. Cuando era trasladado a una prisión de Francia logró evadirse y se unió a la Resistencia francesa. Simon recibió además del Nobel de Literatura, otros premios, tales como: el premio de la Nouvelle Vague y el Médicis
En 1946 publicó su primera obra El tramposo, a la que seguiría La cuerda floja (1947), pero su fama está ligada a La ruta de Flandes (1960), que está considerada su obra emblemática. Posteriormente publicó: El palacio (1962), Historia (1967), La batalla de Farsalia (1969), Los cuerpos conductores (1971), Tríptico (1973), Lecciones de cosas (1975), Las Geórgicas (1981), una pieza esencial de la literatura contemporánea, La invitación (1988), La acacia (1989) y El jardín de las flores (1997). A la edad de 88 años publicó su última novela, El tranvía (2001). Y como dijo el escritor francés: La moral y los buenos sentimientos nada tienen que ver con la literatura, como sucede con la ciencia.
Se ama la libertad como se ama y se necesita el aire, el pan y el amor.
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La guerra es la mesa de juego de los gobiernos,
y las naciones son las que sufren las trampas del juego.
Thomas Paine.
LA VOZ DEL REVOLUCIONARIO LIBERAL
El escritor estadounidense de origen inglés Thomas Paine fue uno de los artífices del liberalismo y de la democracia. Desde muy joven sintió una gran preocupación social por los más desprotegidos y defendió los valores igualitarios y democráticos, pudiéndosele considerar como un revolucionario liberal que luchó contra la esclavitud, el racismo, la monarquía, la religión organizada y el clero y fue defensor de los derechos de la mujer.
Thomas Paine nació en Thetford, Norfolk, el 29 de enero de 1737 y falleció en Nueva York el 8 de julio de 1809. De origen muy humilde tuvo que abandonar los estudios a la edad de los trece años. Trabajó como marino industrial y recaudador de impuestos. Animado por Benjamín Franklin se estableció en América del Norte en 1774, donde publicó, dos años más tarde, un libro titulado El sentido común en el que abogaba por la independencia de las Trece Colonias británicas de Norteamérica y su unificación política. Doctrina en la que se inspiraron los promotores de la Declaración de Independencia Americana que fue ratificada el 4 de julio de 1776. Durante la guerra de la independencia, en la que participó directamente formando parte del ejército de George Washington, publicó otros ensayos bajo el título de La crisis norteamericana, que fue impuesto por George Washington de lectura obligatoria a sus tropas. En 1778 fue nombrado por el Congreso secretario de Asuntos Exteriores.
De regreso a Inglaterra, en 1787, Paine publicó su obra más célebre e influyente, Los derechos del hombre (1790-1792; 2 vols.), que defendía los principios de la Revolución francesa, lo que le acarreó persecuciones y le obligó a refugiarse en Francia. Allí fue miembro de la Convención nacional y más tarde sufrió prisión durante dos años por sus posturas girondinas y no votar a favor de la ejecución de Luis XVI, al ser partidario del destierro del monarca francés. Uno de sus libros más significativos, La edad de la razón (1794-1796; 2 vols.), escrito en prisión trata de la relación entre religión y conocimiento. En 1797 apareció Justicia agraria, alegato a favor de las clases más desprotegidas, en el que Paine escribió: Honremos pues las revoluciones con justicia y propaguemos sus principios con bendiciones. Tras la llegada de Napoleón, desencantado por los derroteros de la política francesa, se dedicó al estudio del mundo financiero hasta 1802, año en el que regresó a Estados Unidos en un barco que el presidente Thomas Jefferson puso a su disposición. Ignorado en los últimos años de su vida falleció en Nueva York. Y como dijo el revolucionario liberal: La moderación en el temperamento es siempre una virtud. La moderación en los principios es siempre un vicio.
Francisco Arias Solis
e-mail: aarias@arrakis.es
URL: http://www.arrakis.es/~aarias
Jamás hubo una guerra buena o una paz mala.
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Mudan los tiempos y las voluntades;
se muda el ser, se muda la confianza;
el mundo se compone de mudanza
tomando siempre nuevas calidades.
Luis de Camoens
LA VOZ DEL MÁS INSIGNE DE LOS POETAS PORTUGUESES
Luis de Camoens es la figura más insigne de toda la historia literaria portuguesa y ocupa un lugar importante en la literatura universal. De que Camoens es un gran artista literario dan fe sus obras menores, quizá mejor aún que su magno poema Os Lusíadas, aunque menos aparatosas. Sus sonetos, que pasan de trescientos, nos le muestran como un excelente petrarquista que llega a rivalizar con su maestro, y entre estos sonetos los hay celebérrimos y que constituyen verdaderos modelos. No menos dignas de mención son sus canciones, sus elegías y églogas, que han ayudado no poco a que fuera de Portugal, en Francia, un distinguido crítico haya llegado a afirmar que Camoens es el artista más completo del Renacimiento. No fue solo artista escribiendo en portugués, sino en verso castellano, que manejaba admirablemente, por lo que merece también un lugar en el Parnaso español. Pero siempre se tendrá como su mayor gloria el ser autor del que Menéndez y Pelayo llamó incomparable monumento de nuestra poesía épica.
Luis de Vaz de Camoens nació en Lisboa hacia 1524 y falleció en la misma ciudad el 10 de junio de 1580, si bien sobre la fecha y el lugar de nacimiento han abundado las dudas y contradicciones. Son muy pocos los datos que se conocen de su vida. Camoens eras de familia noble y originaria de Galicia, a pesar de lo cual no se muestra nada suave al hablar de los gallegos. Se cree que hizo sus estudios en Coimbra y poco después empezó una vida harto azarosa. Viajó a Lisboa en 1542, donde se señala como poeta y tiene sus primeros amores con una dama qua oculta bajo el nombre de Natercia y que murió en plena juventud. En 1546 fue desterrado a Ribadetejo por culpa de uno de sus escritos que desagradó al rey; perdió luego el ojo derecho combatiendo en Ceuta. Volvió a Lisboa en 1549; condenado a causa de una riña, consigue el perdón a cambio de embarcarse para la India. En 1556 se trasladó a Macao, donde trabajó como inspector de herencias y compuso su obra maestra, Los lusíadas con la que ganó fama universal. Acusado de malversación, pasó dos años en una cárcel de Goa, y tras varios años de vida turbulenta, en 1570 regresó a Lisboa, donde publicó finalmente Los lusíadas (Os Lusíadas, 1572), dedicado a cantar las glorias de los portugueses, es decir, de los descendientes de Luso, que la mitología hace compañero o hijo de Baco, y de ahí proviene el nombre de Lusitania. Por su patriótica epopeya recibe el poeta del rey don Sebastián una pensión de 15.000 reis, cantidad que, según opina uno de sus críticos, no era tan despreciable como algunos han supuesto. Sin embargo, Camoens murió en la miseria, socorrido y cuidado por un criado indio que le fue siempre fiel, por lo que, como de costumbre, se ha hablado no poco de la ingratitud de su patria, harto cierta, al parecer.
La epopeya nacional Os Lusíadas nos refiere la expedición de Vasco de Gama al Cabo de Buena Esperanza y a las Indias en 1497; pero el autor entrelaza su relato con todo lo que puede recordar el mundo de la época de las glorias y de los grandes descubrimientos de su patria o con episodios que ayuden al interés del poema. Se trata de un poema épico que, siguiendo la línea trazada por los poemas de Homero, Virgilio, Ariosto y Torquato Tasso, canta las hazañas de la expansión imperial portuguesa mezclándolas con elementos mitológicos o maravillosos y con sus experiencias personales. Sobre estos elementos históricos, mitológicos y legendarios, Camoens levanta su profunda originalidad, que reside, quizás, en que su visión no es sólo de poeta, sino de guerrero y navegante, y con ella le infunde su profunda vitalidad.
Camoens escribió también piezas líricas de influencia petrarquista (sonetos, églogas, elegías, odas, canciones, etc.), algunas en castellano, como sus Rimas, publicadas póstumamente en 1585, así como tres obras teatrales Anfitrión, escrita en Coimbra como diversión escolar, El rey Seleuco (1545), en la que trata la cesión que este rey hizo de su propia mujer a su hijo, que le valió la malevolencia real, al sentirse Juan III aludido en ella; y Filodemo que fue representada en la India en 1555 y más que propiamente teatro, es una complicada novela de aventuras, condensada en un prólogo en prosa y un solo acto en redondillas. Y como nos dijo el gran poeta portugués: ... y que tan solo si el Amor os mueve / habréis la compresión de mis poemas.
La libertad no la tienen los que no tienen su sed.
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Una novela cuyo mérito estriba en la verdad,
es fría, es insoportable, no sacude los nervios...
Camilo Castelo Branco.
LA VOZ DEL BALZAC PORTUGUÉS
Camilo Castelo Branco es un autor fecundísimo que, aunque cultivó muy diversos géneros, debió toda su reputación y popularidad a la novela de costumbres cuya fundación y propagación en la literatura portuguesa es debida a él. A los cuarenta años llevaba ya publicados ochenta tomos, y su bibliografía, hasta el final de su vida, es interminable.
Castelo Branco figura entre los mejores novelistas de la moderna literatura portuguesa. De tendencia romántica, cultivador de la llamada novela pasional, ha sido llamado el Balzac portugués. Es un escritor fácil, sin pretensiones de artista de la forma; pero un narrador que lograba que su libro no se cayera de las manos por el tedio, al que no daba tiempo de llegar.
Camilo Ferreira Botelho Castelo Branco nació en Lisboa el 16 de marzo de 1825 y falleció en São Miguel de Seide, el 1 de junio de 1890. Hijo natural, estudió medicina y tuvo una vida novelesca en la que amoríos y sentimientos religiosos fueron causa de más de una crisis. A los dieciséis años contrajo matrimonio con Joaquina Pereira., sin haber enviudado todavía, raptó a una joven huérfana a la que también abandona. Tuvo amores pasionales con otras muchas mujeres y se enamoró locamente de Ana Plácido, que abandonó a su marido, para irse a vivir con él a Lisboa. En 1885 fue distinguido con el título de vizconde de Correia Botello y cuatro años más tarde, recibió una pensión estatal anual.
Su primera novela importante fue ¿Dónde está la felicidad? (1856) y algunos años más tarde publicaba Amor de perdición (1862), que se considera su obra maestra, dentro del género sentimental a que pertenece, y realmente, sabe hacerse atractiva, interesante, sin decaer, en la animada pintura que presenta de costumbres del siglo XVIII, no muy distintas en Portugal de lo que eran en otras partes. Lo que acaba de dar al libro valor de realidad es el subtítulo que el autor le puso de Memorias de una familia, y por las notas que él mismo facilita se ve que esa familia es la suya. Pero, según él escribió en uno de sus momentos de humorismo, con que quiere atenuar algo la tirantez del hilo de la narración, una novela cuyo mérito estriba en la verdad, es fría, es insoportable, no sacude los nervios... Por ello cuida de sacudírnoslo continuamente, sin dejar enfriar ni un momento el interés que los personajes hayan podido despertar en nosotros.
Entre sus novelas más famosas se cuentan también Anatema (1851), Misterios de Lisboa (1854), El libro negro del padre Dinis (1851), Carlota Ángela (1858), Lo que hacen las mujeres (1858), Amor de salvación (1864), El judío, Eusebio Macario (1875) y Una brasileña de Prazins (1882). Y como escribió el escritor portugués en su Amor de perdición: Al tiempo verán si es perdonable u odiado, o si antes no fuera mejor abrir la mano desde ahora de una historia que me puede acarrear enojos de los fríos jugadores del corazón y de los juicios de que voy aquí a labrar contra la falsa virtud de los hombres, convertidos en bárbaros, en nombre de su honra.
No se debe admitir la violencia ni siquiera contra la violencia
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Como todos sabreis en España existe la revista telenovela (que se vende cada semana en kioskos,librerias etc). La revista nos cuenta lo que ocurrirá en las novelas actuales,entrevistas a los actores/actrices,horarios,poster y coleccionables. Incluso cada cierto tiempo la revista saca sus novelas en dvd para coleccionar.
La revista telenovela tenia un foro donde la gente entraba bastante a comentar las novelas actuales,pedir información e incluso pasar buenos ratos (con juegos,concursos etc). Despues ese foro pasó a otra pagina y el foro antiguo (el anterior nombrado sigue en funcionamiento y queremos que todos vuelvan a el).
VUELVAN AL FORO ANTIGUO:
Os esperamos.
Sobre todo a la gente nueva que quiera formar parte de la gran familia del foro de la revista telenovela. Os aceptaremos encantados. Acordaros que este foro es de la revista; no de cualquier persona.
FORO LIBRE
ASOCIACION CULTURAL, ARTISTICA Y LITERARIA (Fundada en 1992).
Francisco Arias Solís - Presidente ~ Plaza San Severiano, 2 ~ 11007 - CADIZ
e-mail: pazylibertad@arrakis.es
URL: http://www.arrakis.es/~aarias
“Yo soy libre, todo lo libre que puedo.”
Pío Baroja
HOMENAJE DE FORO LIBRE A PÍO BAROJA
El próximo lunes, día 20, a las 20.30 horas, en la cafetería-restaurante El Cantábrico (Avda. Cayetano del Toro, 21 - Cádiz), la Asociación Cultural, Artística y Literaria FORO LIBRE celebrará un encuentro literario sobre la vida y la obra del gran novelista vasco Pío Baroja (1872-1956), con motivo del 52º aniversario de su muerte.
Autodefinido como "pajarraco del individualismo", la actitud general de Baroja fue la del pesimista implacable y empedernido individualista con un soberano desprecio por todo lo que significase mediocridad; mostró su insobornable rebeldía contra todo lo que creía falso e inauténtico. Pero en el fondo de su alma habitaba lo que Madariaga llamó "la paradoja de un sentimental sin amor", un espíritu compasivo y tierno herido por sus frustraciones y por su hipersensibilidad ante el dolor y la injusticia humanos.
En Pío Baroja se nos da el novelista integral, que a esta vocación sacrifica cualquiera otra posible dispersión. Podemos considerar a Baroja como el novelista por antonomasia de la generación del 98. Fue el menos innovador de los escritores de su generación, el más próximo a la tradición galdosiana.
Es difícil hallar las notas que caracterizan el mundo de “lo barojiano”, pero indudablemente entran en ellas tres ingredientes fundamentales: el anhelo de sinceridad, el afán de independencia y el gusto por la acción. El afán de independencia está en Baroja tan arraigado como su sinceridad. Esta independencia fue realmente la que le mantuvo realmente en su inquebrantable soltería. “La cuestión es ser independiente -nos dice-. Todo menos convertirse en un animal doméstico”. Este afán de independencia y de libertad, impidió siempre a Baroja enrolarse a algún movimiento, afiliarse a un partido o adherirse a alguna ideología.
Lo admirable, lo prodigioso de Baroja es la narración, el desfile pintoresco y entrañable de tipos humanos que se afanan, se agitan, sufren, ríen, viven y mueren en millares de páginas llenas de sinceridad, animación y gracia, de agudeza, invención y humor. Esto es lo que pervive y vivirá por los siglos.
Entre los títulos más relevantes de su novelas se cuentan: El mayorazgo de Labraz, Zalacaín el aventurero, Aventuras, inventos y mixtificaciones de Silvestre Paradox, Camino de perfección, La busca, Mala hierba, Aurora roja, El árbol de la ciencia, El mundo es ansí y Las inquietudes de Santhi Andía.
Francisco Arias Solís
No hagamos las paces con la guerra, ni tampoco levantemos guerras con la paz.
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“Un árbol...
Qué ligero es
un árbol, todos alas
de hojas, todo vuelos
verdes de luces azules en el celeste
del aire...”
Giorgio Caproni.
LA VOZ DE LA INSISTENCIA EN EL RECUERDO
Giorgio Caproni se acercó al hermetismo al mismo tiempo que trataba de recuperar formas métricas tradicionales, como el soneto y endecasílabo. Sus temas son la soledad del hombre, la separación de las cosas y las personas amadas y la insistencia en el recuerdo y el viaje.
Caproni escribió poesías, prosa, traducciones y versiones poéticas sobre todo del francés Marcel Proust, René Char, Guy de Maupassant, Jean Genet, Gustave Flaubert, etc. También tradujo a Federico García Lorca. Eficaz cultivador del poema breve, su tono varió de una poesía crepuscular a una sobria esencialidad.
El poeta italiano Giorgio Caproni nació en Livorno el 7 de enero de 1912 y murió en Roma en un día frío del mes de enero de 1990. En 1922 se trasladó a vivir a Génova, ciudad que dejó una huella indeleble en su vida y en su obra. Fue violinista, empleado y maestro. Durante la segunda guerra mundial combatió en el frente y tomó parte en la Resistencia. Después se estableció en Roma y volvió a la enseñanza y el periodismo. En 1983 recibió el premio Montale.
En su formación literaria tuvieron tanta importancia los clásicos antiguos como los modernos (Camilo Sbarbaro, Giuseppe Ungaretti, Eugenio Montale, Umberto Saba).
Entre sus obras poéticas destacamos: Como una alegoría (1936), Baile en Fontanigorda (1938), Ficciones (1941), Estancias del funicular (1942), El paso de Enea (1956), La semilla del llanto (1959), El tercer libro y otras cosas (1968), El muro de la tierra (1975), El franco cazador (1982), El conde de Kevenhüller (1986) y, póstumamente, se publicó Res amissa (1991). Ha escrito también un diario de guerra, Días abiertos (1942) y el cuento El hielo de la mañana (1954). Y como dijo el poeta italiano: “Quiérete a ti mismo, Giorgio / deséate todo lo mejor / que ninguno que te quiere mucho / te quiere. / Acaríciate / el pobre cuerpo delgado / que ninguno ya te acaricia”.
No disparar donde haya niños. Stop.
En la gloria no necesitamos más ángeles.
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“¡El roble de Guernica! Árbol de poder santo,
más que aquel en Dodona, que encerrara,
tal lo estimaba crédula cierta fe, la voz divina
oída en lo profundo de su enramada aérea.”
William Wordsworth.
LA VOZ DEL REVOLUCIONARIO DEL LENGUAJE POETICO
En abril de 1938 se publicaron en la revista literaria Hora de España, dos sonetos de William Wordsworth, “El roble de Guernica” y “Cólera de un español altanero”, de la serie de sonetos: Poemas en defensa de la independencia y libertad nacionales, que el gran poeta inglés escribió en 1810. Ambos sonetos fueron traducidos por Stanley Richardson y Luis Cernuda.
Rechazado por la segunda generación de poetas románticos por sus posturas políticas y morales, Wordsworth , el revolucionario del lenguaje poético inglés alcanzó en 1843 la dignidad de poeta laureado.
Wordsworth sabe desde los comienzos de su vida lo que se propone, y lo dice claramente en sus obras, no sin escándalo de los críticos que están acostumbrados a lo contrario. Tiene defectos y no siempre acierta, por lo que se le recibe mal, al principio, y como él insiste, imperturbable, llega a convertirse en el más impopular de los poetas ingleses, cuyos libros son recibidos con risotadas y se venden con extraordinaria lentitud, porque hay contra ellos una especie de conspiración. Pero Wordsworth tiene no menos extraordinaria fe en sí mismo, y en el transcurso de los años va imponiéndose y llega a convertir en honores lo que antes fueron censuras. Así en 1838 Dublín le dio un título de doctor honorario y Oxford otro en 1839; en 1842 la Corona le concedió una pensión, y en 1843 fue nombrado “Poeta Laureado”, a la muerte de Southey. Pero el venía luchando con la incomprensión desde 1798, fecha de sus Baladas líricas. Su pecado consistía creer que ni hay un lenguaje especial para la poesía, ni asuntos que para ella estén reservados: de todo lo que forma parte de la conversación puede hablarse en verso, y en el mismo lenguaje que en ella se emplea. ¿El mismo? Si no lo es, quiere el poeta inglés que se acerque a serlo, y sólo a fuerza de tiempo va haciendo concesiones.
Wordsworth empezó su vida bajo la influencia y los entusiasmos juveniles que en él produjo la Revolución francesa, cuando le parecía “una bendición el estar vivo en aquella aurora, y un cielo el ser entonces joven”, y, como es natural, se sintió profundamente revolucionario en todo; pero los años y los ajenos errores, fueron desengañándole, hasta llevarle a ser un conservador por convencimiento que no desea más reforma que la poética que él representa. En la fe que en sí mismo tuvo siempre llevó gran ventaja a los que comenzaron riéndose de él y tuvieron que acabar reconociendo que era uno de los mayores poetas ingleses. Uno de los propósitos de Saint-Beuve fue el aclimatar en Francia la poesía íntima y familiar de Wordsworth, que también imitó Víctor Hugo, convencido, como otros, de que la lírica inglesa era la primera del mundo.
William Wordsworth nació en Cockermouth, Cumberland, el 7 de abril de 1770 y falleció en Rydal Mount, Westmoreland, el 23 de abril de 1850. Su infancia y juventud la pasó en constante contacto con la naturaleza, circunstancia que tendría profunda influencia en su personalidad. Estudió en el John’s College de Cambridge y posteriormente, tras una estancia en Francia en la que vivió una fase revolucionaria y tuvo una hija con su amante Annette Vallon de Orleans, regresó a Inglaterra por requerimiento de su familia. Junto a la naturaleza estuvo casi siempre su hogar, que fue un modelo entre el cariño de su hermana Dorothy que ha hecho célebre, el de su esposa Mary Hutchinson y el de varios hijos. Después de sus viajes por varios países del continente europeo, se estableció al fin, de por vida ya, en el Lake District, en el distrito o comarca de los Lagos, donde murió, y que dio nombre a su mal llamada escuela, llamada en concreto de los lakistas, primera generación romántica inglesa.
En 1798 publicó con su amigo Samuel Taylor Coleridge, quien más tarde se distanciaría de Wordsworth debido a sus posiciones conservadoras, Baladas líricas, un volumen de poesías en verso blanco considerado como el manifiesto del romanticismo inglés. También figuran entre sus obras más importantes: Un paseo por la tarde (1793), Esbozos descriptivos (1793), Michael (1810), El preludio (1805-1850), autobiográfico y su obra maestra, Poemas en dos volúmenes (1807), que contiene algunas de sus odas más célebres; La excursión (1814), La blanca paloma de Rylstone (escrito en 1807 y publicado en 1815), Peter Bell (1919) y Sonetos eclesiásticos (1822). Este Wordsworth aumenta cada día en prestigio, como él presentía y es justo. Y terminaremos esta breve semblanza del gran poeta inglés con el último terceto de su soneto al roble legendario: “Deberán reunirse en el lugar debido / campesinos y señores, legisladores de alto espíritu, / guardianes de la antigua libertad de Vizcaya”.
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“Estoy hambriento de revolución social.
¿Sabe lo que es tener hambre de revolución?
Quisiera prenderle fuego por los cuatro costados al mundo.”
Roberto Arlt.
LA VOZ DEL HAMBRE DE REVOLUCIÓN
Roberto Arlt fue autor de cuentos y novelas de un extraordinario vigor descriptivo y emocional, en donde sus simpatías socialistas reflejan la impotencia del hombre ante el capitalismo y la sociedad burguesa. “Si fueran menos cobardes se suicidarían –escribía el escritor argentino-; si tuvieran un poco más de carácter, serían santos. En verdad, buscan la luz. Pero la buscan completamente sumergidos en el barro. Y ensucian lo que tocan”.
El novelista, dramaturgo y cronista argentino Roberto Godofredo Christophersen Arlt nació en Buenos Aires, el 2 de abril de 1900 y falleció en su ciudad natal el 26 de julio de 1942. Hijo de un inmigrante prusiano y de una italiana, su infancia transcurrió en el barrio porteño de Flores, abandonó pronto la escuela primaria y a la edad de diecisiete años el hogar debido a las malas relaciones con su padre. Se vio obligado a trabajar en oficios dispares como pintor de brocha gorda, aprendiz de hojalatero, ayudante de una librería, peón en una ladrillera y fue también estudiante fracasado de la Escuela de Mecánica de la Armada, periodista e inventor, entre otras cosas.
Arlt fue el promotor de un intento renovador del teatro argentino en los años treinta, y escribió su primera obra teatral, Trescientos millones (1932), para un grupo organizado por el dramaturgo Leonidas Barletta, fundador y director del Teatro del Pueblo, de orientación experimental.
Entre sus novelas destacan: El juguete rabioso (1926), de corte autobiográfico, Los siete locos (1929), para muchos su obra más completa, perturbadora fábula sobre las aspiraciones de una pequeña burguesía que se ve condenada a la traición por sus mismos ideales, Los lanzallamas (1931), El amor brujo (1932) y Un viaje terrible (1941), alegoría fatalista basada en un viaje accidentado por la costa del Perú, y que da comienzo a la línea argentina de narrativa fantástica. Sus cuentos fueron reunidos bajo el título de El jorobadito (1933) y El criador de gorilas (1941), narraciones que dan inicio a lo que se ha llamado la literatura argentina “de la crueldad”. Sus crónicas sobre su ciudad natal, están recogidas en Aguafuertes porteñas (1933). Para el teatro escribió: Saverio el cruel (1936), La fiesta del hierro (1936), alegoría política y crítica feroz del supuesto belicismo y falta de moralidad capitalistas, y El fabricante de fantasmas (1936). Mención aparte merece su libro Aguafuertes españoles (1933), crónica de un viaje realizado por España y sus colonias africanas. Y como dijo el escritor argentino: “Europa es sólo linda vista por el europeo que ha dejado su patria y tiene nostalgia de ella. Socialmente es una porquería. Los trabajadores viven como bestias, en caserones horribles como los que se describen en las novelas realistas, los únicos que están bien son los aristócratas...”
Francisco Arias Solis
e-mail: aarias@arrakis.es
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Se ama la libertad como se ama y se necesita el aire, el pan y el amor.
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ABIGAIL 48 dvd
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EL AMOR LAS VUELVE LOCAS 30 dvd
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EL PATRON DE LA VEREDA 20 dvd
EL PRECIO DE TU AMOR 20 dvd
EL PRIVILEGIO DE AMAR 29 dvd
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ELISA DE RIVOMBROSA 1º parte 7 dvd (en español )
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ESTRAMBOTICA ANASTASIA 29 dvd
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FLORICIENTA 37 dvd (2º Temp.)
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FUEGO EN LA SANGRE (en grabacion , canal de las extrellas)
G
GARDENIA 27 dvd
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GIRASOLES PARA LUCIA 22 dvd
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GLADIADORES DE POPEYA 8 dvd ""NOVEDAD""
GRECIA 24 dvd
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GUADALUPE 54 dvd
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GUERRA DE MUJERES 29 dvd
H
HECHIZO DE AMOR 26 dvd
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HILDA HURACAN 6 dvd (en portuques calidad excelente)
HOMBRES DE HONOR 30 dvd
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I
IMPERIO DE CRISTAL 12 dvd
INES DUARTE SECRETARIA 48 dvd
INFIERNO EN EL PARAISO 18 dvd
INOCENTE DE TI 26 dvd
ISABELLA 28 dvd ( Con menú calidad digital)
ISABELLA 28 dvd (calidad digital)
J
JESUS EL HEREDERO 32 dvd
JUANA LA VIRGEN 31 dvd
JUANITA LA SOLTERA 21 dvd
K
KACHORRA 31 dvd
KA-INA 33 dvd(calidad digital)
KASSANDRA 27 dvd
KASSANDRA 30 dvd (Con menú )
L
LA ANTORCHA ENCENDIDA 14 dvd
LA CALLE DE LAS NOVIAS 24 dvd
LA CAPONERA 25 dvd
LA CASA DE LA PLAYA 13 dvd
LA CASA DE LAS SIETE MUJERES 10 dvd (calidad digital)
LA CULPA 9 dvd
LA DAMA DE TROYA (en grabacion)
LA DUEÑA 18 dvd (versión Venezuela)
LA DUEÑA 19 dvd (versión México)
LA ESCLAVA ISAURA 24 dvd
LA ESCLAVA ISAURA 31dvd (Con menú)
LA ESPOSA VIRGEN 13 dvd
LA EX 33 dvd
LA EXTRAÑA DAMA 17 dvd
LA FEA MAS BELLA 61 dvd
LA FIERA 24 dvd
LA FUERZA DEL DESEO 28 dvd
LA GUERRA DE LAS ROSAS 33 dvd ""NOVEDAD""
LA HEREDERA 40 dvd
LA HIJA DEL MARIACHI 26 dvd (calidad digital)
LA INTRUSA 27 dvd
LA JAULA DE ORO 10 dvd
LA LECTORA 12 dvd
LA LEY DEL AMOR 39 dvd
LA LOBA HERIDA 42 dvd
LA MADRASTRA 24 dvd
LA MADRE 21 dvd
LA MARCA DEL DESEO ( en crabacion )
LA MENTIRA 20 dvd
LA MESTIZA 13 dvd completa
LA MUJER DE JUDAS 32dvd (calidad digital) ""NOVEDAD""
LA MUJER DE LORENZO 20 dvd
LA MUJER DE MADERA 34 dvd
LA MUJER DE MI VIDA ( en grabacion )
LA MUJER DE MI VIDA 26 dvd
LA MUJER DEL PRESIDENTE 12 dvd
LA MUJER DOBLE 10 dvd
LA MUJER EN EL ESPEJO 19 dvd (1º version)
LA MUJER EN EL ESPEJO 33 dvd (2º version)
LA OTRA 19 dvd
LA OTRA MITAD DEL SOL 11 dvd
LA PICARA SOÑADORA 14 dvd
LA PRESENCIA DE ANITA 4 dvd
LA REGENTA 3 dvd
LA REINA QUEENS 10 dvd
LA REVANCHA (en grabacion )
LA SAGA 21 dvd
LA SEÑORA 5 dvd 1º parte
LA SOMBRA DEL DESEO 18 dvd
LA TORMENTA 44 dvd
LA TRAICION 24 dvd
LA TRAIDORA 36 dvd
LA USURPADORA Y MAS ALLA 20 dvd
LA VENGANZA 25dvd
LA VERDAD DE LAURA 22 dvd
LA VERDAD OCULTA 24 dvd
LA VIUDA ALEGRE ( en grabacion)
LA VIUDA DE BLANCO 29 dvd (versión Colombia)
LA VIUDA DE BLANCO 31 dvd (versión México)
LA VIUDA DE LA MAFIA 16 dvd
LABERINTOS DE PASION 15 dvd
LADRON DE CORAZONES 29 dvd
LAS AGUAS MANSAS 25 dvd
LAS DOS CARAS DE ANA 24 dvd
LAS GONZALEZ 19 dvd
LAS VIAS DEL AMOR (en grabacion )
LAS JUANAS 26 dvd (versión México)
LAS JUANAS 19 dvd (versión Colombia)
LAS NOCHES DE LUCIANA 29 dvd
LAS TONTAS NO VAN AL CIELO (en grabacion)
LAZOS DE AMOR 21 dvd ( calidad digital )
LAZOS DE AMOR 19 dvd
LEJANA COMO EL VIENTO 22 dvd
LEONELA 24 dvd (versión Perú)
LEONELA 26 dvd (versión Venezuela)
LOCAS DE AMOR 11 dvd
LOCURA DE AMOR 20 dvd
LOLA ERASE en grabacion
LORENA 14 dvd
LORENA (en grabacion calidad digital)
LOS PARIENTES POBRES 16 dvd
LOS PLATEADOS 32 dvd
LOS PROTEGIDOS ( en grabacion)
LOS QUERENDONES 26 dvd
LOS RICOS TAMBIEN LLORAN 24 dvd
LOS TREINTA 14 dvd
LUCIANA Y NICOLAS 24 dvd
LUISA FERNANDA 25 dvd
LUNA LA HEREDERA 24 dvd
LUNA NEGRA 30 dvd
LUNA SALVAJE 31 dvd
LUZ CLARITA 14 dvd
LUZ MARIA 35 dvd
LLOVIZNA 30 dvd
M
MACHOS 33 dvd
MADRE LUNA ( telemundo 35 dvd )
MADRE LUNA 27( dvd Antena3)
MAGDALENA 8 dvd
MAMBO Y CANELA 10 dvd
MANUELA 41 dvd
MARIA BELEN 18 dvd
MARIA DE NADIE 35 dvd
MARIA EMILIA 31 dvd
MARIA ISABEL 10 dvd
MARIA JOSE 14 dvd
MARIA LA DEL BARRIO 18 dvd
MARIA MADRUGADA 22 dvd
MARIA MERCEDES 15 dvd
MARIA ROSA BUSCAME UNA ESPOSA 24 dvd
MARIANA DE LA NOCHE 26 dvd
MARIDO Y MUJER 19 dvd
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MARIMAR 16 dvd
MARINA 33 dvd
MARIU 21 dvd
MÁS ALLA DEL PUENTE 18 dvd
MÁS QUE AMOR FRENESIS 21 dvd
MAXIMO CORAZON 27 dvd
ME AMARAS BAJO LA LLUVIA 19 dvd
ME LLAMAN LOLITA 21 dvd
MEA CULPA (en grabacion)
MEDIA FALTA 22 dvd( calidad digital)""NOVEDAD""
MENUDO ( en grabacion)
MERLINA MUJER DIVINA 28 dvd
MESA PARA TRES 24 dvd
MI AMADA BEATRIZ 48 dvd
MI DESTINO ERES TU 16 dvd
MI GORDA BELLA 36 dvd
MI PRIMA CIELA (en grabacion)
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MI QUERIDA ISABEL 20 dvd
MI VIDA ERES TU 22 dvd
MIA SOLO MIA 21 dvd
MICAELA 36 dvd
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MIL MILLONES 23 dvd
MILAGRO DE AMOR 19 dvd
MILAGROS 46 dvd
MILAGROS 44 dvd
MIRADA DE MUJER 24 dvd
MIS TRES HERMANAS 30 dvd
MOMTECRISTO (en grabacion digital)
MONTAÑA RUSA 19 dvd
MONTECRISTO 35 dvd (sin menú)
MONTECRISTO 31 dvd (version mexico)
MONTECRISTO 35 dvd (con menú)
MORELIA 40 dvd
MORIR DOS VECES 9 dvd
MUJERES ASESINAS 5 dvd (1º Temp.)
MUJERES ASESINAS 8 dvd (2º Temp.)
MUJER CON PANTALONES ( proxima )
MUNDO DE FIERAS 40 dvd (versión de Venezuela)
MUNDO DE FIERAS “las hienas” 41 dvd
MUNDO DE JUGUETES 16 dvd
MUÑECA BRAVA (en grabacion)
MUÑECA BRAVA 52 dvd
MUÑECA DE TRAPO 26 dvd
N
NANO 35 dvd
NEGRA CONSENTIDA 34 dvd
NI TAN LEJOS NI TAN CERCA 13 dvd
NIÑA AMADA MIA 22 dvd
NUEVO AMANECER 16 dvd
NUNCA TE OLVIDARE 17 dvd
O
OBSESION 31 dvd
OLVIDARTE JAMAS 25 dvd
P
PADRE CORAJE 48 dvd dvd (calidad digital) NOVEDAD
PALABRA DE MUJER 29 dvd
PALOMA 22 dvd
PAMPA ILUSION 27 dvd
PAPI RICKY ( en grabacion )
PARAISO 14 dvd
PARAISO ROCK 12 dvd (en grabación)
PASION 19 dvd
PASION DE GAVILANES 35 dvd
PASION Y PREJUICIO 13 dvd ""NOVEDAD""
PASIONARIA 56 dvd
PASIONES PROHIBIDAS 73 dvd
PATITO FEO 34 dvd
PECADORES 23 dvd
PECADOS AJENOS (en grabacion)
PELIGROSA 33 dvd
PELITO 40 dvd
PEREGRINA 20 dvd
PERLA 42 dvd
PERLA NEGRA 34 dvd
PERRO AMOR 26 dvd
PIEL DE OTOÑO 18 dvd
PIEL DE OTOÑO 19 dvd (tve internacional)
POBRE NIÑA RICA 5 dvd
POBRE DIABLA 31 dvd (versión argentina)
POBRE DIABLA 34 dvd (versión Perú)
POR AMOR A CLORIA 19 dvd
POR TU AMOR 18 dvd( digital )
POR UN BESO 18 dvd
PORQUE DIABLOS 27 dvd
PRECIOSA 18 dvd
PRESENCIA DE ANITA 4dvd(Con menú )
PRIMER AMOR 33 dvd
PRIMER AMOR A MIL POR HORA 19 dvd
PRINCESA 35 dvd
PRISIONERA 39 dvd
PRISIONERA DE AMOR 16 dvd
PROVOCAME 19 dvd
PUEBLO CHICO INFIERNO GRANDE 14 dvd
PURA SANGRE 21 dvd (grabacion de antena 3)
PURA SANGRE21 dvd (telemundo)
Q
QUE BUENA SE PUSO LOLA 25 dvd
QUERIDA ENEMIGA ( en grabacion )
QUIEN AMARA A MARIA 5 dvd ""NOVEDAD""
QUIEN ES EL JEFE 4 dvd
QUINCEAÑERA 16 dvd
QUIRPA DE TRES MUJERES 11 dvd (en grabacion digital)
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RAMONA 13 dvd
RAUZAN 20 dvd
REBECA 27 dvd(calidad digital)
REBECA 31 dvd
REBELDE de grecia colmerares 29 dvd
REBELDE 22 dvd (3ª temp México)
REBELDE 25 dvd (2ª temp México)
REBELDE 43 dvd (1ª temp México)
REBELDE LA FAMILIA 6 dvd (de momento)
REBELDE WAY 29 dvd (2ª temp)
REBELDE WAY 38 dvd (1ª temp)
REINA DE CORAZONES
RENCOR APASIONADO 13 dvd
RESISTIRE 45 dvd
RETRATO DE FAMILIA 11 dvd
RETRATO DE FAMILIA (en grabacion )
ROSA SALVAJE 20 dvd ( completa)
ROSALINDA 16 dvd
ROSANGELICA 23 dvd
RUBI REBELDE 35 dvd
RUBI, LA DESCARADA 23 dvd
S
SABOR A TI 27 dvd (calidad digital)
SABOR A TI 31 dvd (con subtítulos)
SALOME 29 dvd
SALVAME MARIA 16 dvd
SE BUSCA HOMBRE ( grabacion de localia )
SE SOLICITA PRINCIPE AZUL 20 dvd (sin subtitulos)
SE SOLICITA PRINCIPE AZUL 28 dvd
SECRETO DE AMOR (en grabacion calidad digital)
SECRETO DE AMOR 32 dvd
SELVA MARIA 34 dvd
SENDAS DE GLORIA 5 dvd
SENTIMIENTOS AJENOS 15 dvd
SEÑORA 46 dvd
SEÑORA DE DESTINO 41 dvd
SER BONITA NO BASTA 23 dvd
SHEIK 24 dvd(calidad excelente)
SI DIOS ME QUITA LA VIDA 12 dvd
SIEMPRE TE AMARE 27 dvd
SIETE VECES AMADA 21 dvd
SIN CODIGO 19 dvd
SIN PECADO CONCEBIDO 16 dvd
SIN TETAS NO HAY PARAISO 6 dvd
SIN TI 13 dvd
SINVERGUENZA 18 dvd
SOFIA DAME TIEMPO 25 dvd
SOLEDAD 24 dvd (version mexicana)
SOLEDAD 41 dvd
SOLEDAD 39 dvd ( calidad digital)
SON DE FIERRO 54 dvd
SONATA DE INVIERNO 6 dvd
SOÑADORAS 33 dvd
SOÑAR NO CUESTA NADA 39 dvd
SOS MI VIDA 48 dvd
SOY GITANO 48 dvd
SUBETE A MI MOTO 29 dvd (completa)
SUEÑO DE AMOR 11 dvd
T
TE AMARE EN SILENCIO 16 dvd
TE SIGO AMANDO 20 dvd (digital)
TE VOY A ENSEÑAR A QUERER 22 dvd (internacional )
TE VOY A ENSEÑAR A QUERER 23 dvd
TENTACION 25 dvd
TERRA NOSTRA 32 dvd
TIERRA DE PASIONES 37 dvd
TODA UNA VIDA 5 dvd
TODO POR TU AMOR 27 dvd
TODO SOBRE CAMILA 20 dvd
TOPACIO 34 dvd
TORMENTA DE PASIONES 21 dvd
TRAGA MALUCA 23 dvd
TRAPOS INTIMOS 32 dvd
TRES MUJERES 49 dvd
TROPICO (en grabacion)
TÚ O NADIE 10 dvd
V
VALE TODO 17 dvd
VALENTINA 16 dvd
VALERIA 27 dvd
VALERIA Y MAXIMILIANO 16 dvd
VELO DE NOVIA 30 dvd
VENGANZA DE MUJER 26 dvd
VICTORIA (en grabacion tve)
VICTORIA (en grabacion telefutura)
VIDAS PRESTADAS 24 dvd
VIDAS ROBADAS (en crabacion)
VIUDA ALEGRE (en grabacion)
VIVA EL ESPAÑOL 13 dvd
VIVIANA 19 dvd
VIVO POR ELENA 19 dvd
VOLTEA PA QUE TE ENAMORES 43 dvd
VUELO 103 16 dvd( digital )
X
XICA DA SILVA 35 dvd
Y
YAGO PASION MORENA 33 dvd
YO AMO A JUAN QUERENDON (en grabacion)
YO AMO A PAQUITA GALLEGO 28 dvd
YO SOY BETTY LA FEA 34 dvd
YO VENDO UNOS OJOS NEGROS 18 dvd
Z
ZINGARA 34 dvd
ZONA ROSA 44 dvd
GRAN CALIDAD DE IMAGEN Y SONIDO
TELESERIES
ANA DE LAS TEJAS VERDES 4 dvd
CAÑAS Y BARRO (en grabación)
DOS DE MAYO 5 dvd
EL DECIMO REINO 3 dvd
EL HOMBRE QUE VOLVIO DE LA MUERTE 5 dvd
ESPOSAS E HIJAS 3 dvd
FORTUNATA Y JACINTA 5 dvd
GUERRA Y PAZ 2 dvd
JANE EYRE 2 dvd
LA BARRACA (en grabación)
LA HORA MARCADA 2 dvd
LA LEYENDA DE LORNA DOONE 1dvd
LA REGENTA 3 dvd
LA SEÑORA 5 dvd ( 1º Parte )
LOS BORGIA 2 dvd
LOS GOZOS Y LAS SOMBRAS 6 dvd
MADAME BOBARY 2 dvd
NORTE Y SUR 4 dvd (BBC)
NORTE Y SUR 6 dvd (grabada del cosmopolitan)
ORGULLO Y PREJUICIO 4 dvd
PAJARO ESPINO 3 dvd
PAZ 2 dvd ( teleserie chilena )
LOS PAZOS DE ULLOA 2 dvd
POLDARK 7 dvd
RAICES 6 dvd
RETORNO A EDEN 2 dvd
SENTIDO Y SENSIBILIDAD 2dvd
“Uno no se mata por el amor de una mujer.
Uno se mata porque un amor, cualquier amor,
nos revela nuestra desnudez, nuestra miseria,
nuestro desamparo, la nada.”
Cesare Pavese.
LA VOZ DEL INICIADOR DEL NEORREALISMO
Con Vasco Pratolini, Alberto Moravia, Elio Vittorini y Cesare Pavese surge un momento de gran auge artístico-social. Inician el famoso neorrealismo italiano, cuyas traducciones cinematográficas de Visconti, Vittorio de Sica y Rosellini, entre otros guionistas y directores, se han divulgado con gran éxito a través de todo el mundo. Este movimiento, junto con el de los “beats” angloamericanos significa la más honda evolución de nuestro tiempo, culminando el primer paso, fuera de la saturación humanística. El mundo asentado sobre la lógica aristotélica empieza a ser sustituido por el de la dialéctica, la estatua por la fotografía, el teatro por el cine, y la vieja novela de “pasatiempo” por la búsqueda filosófica y literaria de una cultura útil para lo cotidiano.
Cesare Pavese ha sido uno de los más inquietos representantes de la generación que alcanzó su madurez en la Segunda Guerra Mundial. Novelista, poeta, ensayista, fue también un excelente traductor de la literatura anglo-americana.
Cesare Pavese nació en Santo Stefano Belbo, Cuneo, el 9 de septiembre de 1908 y falleció en Turín el 27 de agosto de 1950. Su infancia y juventud transcurrieron en Turín, en cuya universidad se graduó en filología inglesa con una tesis sobre Walt Whitman. Profesor de latín e italiano, tradujo a autores británicos y estadounidenses como Charles Dickens, Herman Melville, John Dos Passos, James Joyce, John Steinbeck, Sinclair Lewis y Daniel Defoe. Codirector de la famosa editorial de la casa Einaudi, fundada en 1933 por Giulio Einaudi. Su fascinación por la ciudad como tal y el descubrimiento de la literatura estadounidense ejercieron notable influencia en su primera colección de versos, Trabajar cansa (1936). Algunas crisis sentimentales y la relación amistosa con intelectuales antifascistas reunidos en torno a Leone Ginzburg, que le valió el encarcelamiento y posterior exilio a Calabria, cambiaron sustancialmente su vida. Renunció a un viaje a América, quedando ligado definitivamente a Italia. Llamado a filas, se le dispensa por su condición de asmático. Durante la Segunda Guerra Mundial se refugia con su hermana en Serralunga. Al finalizar la guerra se afilia al Partido Comunista Italiano. Hacia 1943 conoce a la actriz norteamericana Constance Dowling, su último gran amor, quien le rechaza. Su carácter tímido, sus contradicciones políticas, religiosas y sentimentales, le llevaron a un aislamiento que culminaría en el suicidio. Pocos días antes de su muerte había escrito en su diario: “Todo esto da asco. Basta de palabras. Un gesto. No escribiré más”. En la habitación 346 de un hotel de Turín, el Albergo Roma, Cesare Pavese escribe sus últimas palabras: “Perdono a todos y a todos pido perdón. No murmuren demasiado”. Después se tomó el contenido de dieciséis envases de somníferos.
Más interesantes que sus versos ( Trabajar cansa y la colección póstuma Vendrá la muerte y tendrá tus ojos, de 1951), son las narraciones con las que Pavese se convierte en el iniciador del neorrealismo italiano: De tu tierra (1941), la colección de cuentos Fiestas de agosto (1945), El camarada (1947), Diálogos con Leucó (1947), Antes que cante el gallo (1948), que comprende dos novelas, La cárcel y La casa en la colina, El bello verano (1949), El diablo en las colinas (1949), Entre mujeres solas (1949) y La luna y las fogatas (1950). Póstumamente se publicaron su diario, El oficio de vivir (1952), los cuentos escritos en 1936 y 1937, reunidos en Noche de fiesta (1953), la novela Fuego grande (1959), en colaboración con Bianca Garufi, y el estudio crítico La literatura americana y otros ensayos (1951). Y como dijo el iniciador del neorrealismo italiano: “Los suicidas son homicidas tímidos”.
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“Es obvio que los valores de las mujeres difieren
con frecuencia de los valores creados por el otro sexo
y sin embargo son los valores masculinos los que predominan.”
Virginia Woolf.
LA VOZ DEL FLUJO DE CONCIENCIA
La obra de Virginia Woolf representa una permanente búsqueda de nuevas técnicas narrativas. A ella se debe el empleo de fórmulas que ha incorporado plenamente la novela contemporánea. En este sentido, ocupa un lugar importante en la novelística europea, junto con Joyce y Proust. Su obra es de una alta calidad lírica, casi diríamos que son novelas poéticas. Un caleidoscopio de instantes fugaces, situaciones como soñadas, impresionismo tenue en el que se difumina el horizonte entre realidad y sueño, recuerdo o presente todo un mundo creado. “La vida es un sueño –decía Virginia Woolf-, el despertar es lo que nos mata”. Woolf introduce en la literatura inglesa la influencia de Freud.
La novelista inglesa Virginia Woolf, cuyo nombre de soltera era Adeline Virginia Stephen, nació en Londres el 25 de enero de 1882 y falleció en Lewes, Sussex, el 28 de marzo de 1941. Hija de sir Leslie Stephen, distinguido crítico, biógrafo, filósofo e historiador, vivió en torno a él la cultura y las preocupaciones, en las que participa activamente desde muy pronto. De formación autodidacta debido a su delicada salud e inestabilidad mental. Tras la muerte de su padre (1905) se estableció con su hermana Vanesa Bell, en el barrio de Bloomsbury, convirtiéndose años más tarde su casa en el centro de llamado “Bloomsbury Set” compuesto por un grupo de intelectuales que dominó la vida cultural inglesa a lo largo de tres décadas, y del que Virginia Woolf fue uno de los miembros más destacados. En 1912 se casó con Leonard Woolf, historiador, economista, ensayista y miembro también del grupo, con quien cinco años después, funda la editorial The Hogarth Press, que editó las obras de importantes escritores coetáneos (T.S. Eliot, Katherine Mansfield, Edward Morgan Forster, y la propia Virginia Woolf ). Sus desequilibrios nerviosos que le acompañaron durante toda su vida le llevaron al suicidio mediante ahogamiento en el río Ouse, cerca de su casa.
Sus primeras novelas Viaje de ida (1915) y Noche y día (1919), pasaron prácticamente inadvertidas, y sólo con la publicación de El cuarto de Jacob (1922), La señora Dalloway (1925) y Al faro (1927) comenzó a ser elogiada por la crítica por su originalidad literaria . Sus novelas posteriores (Orlando, 1928; Las olas, 1931; Entre actos, 1941) la consagraron finalmente como una de las figuras más representativas de la novelística inglesa experimental y de la narrativa mundial moderna. En ellas, la autora exhibe un magnífico dominio de la técnica del monólogo interior o “flujo de conciencia” e introduce su preocupación por la temporalidad humana. Influida por Marcel Proust y comparada con James Joyce, Woolf consiguió establecer un lenguaje narrativo en el que se equilibran perfectamente los universos racional e irracional.
En sus ensayos prevalece una temática centrada en la condición de la mujer, en la que destacan la opresión sexual, la construcción social de la identidad femenina y el papel de la mujer escritora, como se pone de manifiesto en Una habitación propia (1929), libro emblemático para la crítica feminista actual, y Tres guineas (1938). Mantuvo una estrecha amistad con la escritora Vita Sackville-West a quien dedicó su novela Orlando, y en quien se basó para construir la protagonista de la misma. Y como dijo la novelista inglesa: “La vida es un halo luminoso, una envoltura semitransparente que nos envuelve desde que tenemos conciencia hasta el final”.
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“Para ser poetas, hay que tener mucho tiempo:
horas y horas de soledad son el único modo
para que se forme algo, que es fuerza, abandono,
vicio, libertad, para dar estilo al caos.
Yo, ahora tengo poco tiempo: por culpa de la muerte
que se viene encima, en el ocaso de la juventud.
Pero por culpa también de este nuestro mundo humano
que quita el pan a los pobres, y a los poetas la paz.”
Pier Paolo Pasolini.
LA VOZ VILMENTE SILENCIADA
La obra de Pasolini se caracteriza por una actitud dialéctica y crítica hacia la realidad social, asumiendo la transferencia del centro de interés temático desde el héroe individual a la colectividad o al personaje representativo de una determinada clase social.
Considerado una de las personalidades más controvertidas, fascinantes, provocadoras y complejas del siglo XX, denunció con vehemencia en su obra los mecanismos destructores de las sociedades industrializadas, tratando de conjugar marxismo, cristianismo y las teorías freudianas y de revalorizar las formas de expresión popular utilizando el lenguaje dialectal. Su fascinación por la marginación y el mundo del subproletariado, así como su tratamiento de la sexualidad provocaron el escándalo de los sectores más conservadores de la sociedad italiana.
El escritor, filólogo, ensayista, guionista y director de cine italiano Pier Paolo Pasolini nació en Bolonia el 5 de marzo de 1922 y murió asesinado en Ostia el 2 de noviembre de 1975. Al terminar los estudios de bachillerato accede, con diecisiete años, a la facultad de Letras de la Universidad de Bolonia. Durante la segunda guerra mundial fue llamado a filas por el ejército italiano en 1943, capturado por los alemanes, logró escapar. Terminada la guerra se afilió al Partido Comunista Italiano, del que fue expulsado por su homosexualidad. En 1950 se traslada a Roma, donde ejerce de profesor en una escuela privada. Posteriormente, viajó por diversos países extranjeros: Sudán, Kenia, Ghana, Nigeria, Guinea, Israel, Jordania, Estados Unidos, Uganda y Tanzania. En 1973 inicia sus colaboraciones en el Corriere della sera. En la mañana del 2 de noviembre de 1975, en un descampado de la ciudad de Ostia, se encuentra el cadáver de Pier Paolo Pasolini, quien había sido brutalmente apaleado hasta su muerte, víctima de una conspiración política.
Entre su obra narrativa y poética hay que destacar Poesía dialéctica del siglo XX (1952), La mejor juventud (1954), Muchachos de la calle (1955), Las cenizas de Gramsci (1957), quizás lo mejor de su poesía, Una vida violenta (1959), Poesías en forma de rosa (1964) y Amado mío , publicado en 1982; en el campo cinematográfico, los guiones de La mujer del río, Las noches de Cabiria y Jóvenes maridos, y la dirección de las películas Accatone (1961), Mamma Roma (1962), El evangelio según san Mateo (1964), Edipo rey (1967), Teorema (1968), El decamerón (1971), Los cuentos de Canterbury (1972), Las mil y una noches (1974) y Saló o los 120 días de Sodoma (1975), que se estrenó tras su fallecimiento. Es autor también de tragedias como Orgía (1968) y Calderón (1973), y de los ensayos Empirismo herético (1971) y Escritos corsarios (1975), publicado a título póstumo. Y como dijo el poeta italiano, en su poema “Muerte” : “Ahora me das miedo de verdad, / porque estás de verdad, cerca, incluida / en mi estado de rabia, de oscura / hambre, de ansia casi de criatura nueva”.
Será vano el intento de humanizar las guerras. Lo humano es evitarlas.
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“Las lágrimas transmiten con mayor elocuencia
que mil estrofas juntas, un mensaje de dolor indecible,
de profundo arrepentimiento o de amor inefable.”
Washington Irving.
LA VOZ DE UNO DE LOS PADRES
DE LAS LETRAS ESTADOUNIDENSES
El escritor e hispanita Washington Irving es el primer novelista norteamericano que logró crearse una reputación europea. Gran viajero, contribuyó a introducir la cultura europea en la incipiente literatura estadounidense. Se puede decir que es con Fenimore Cooper y especialmente junto a Edgar Allan Poe el iniciador de la literatura estadounidense. A pesar de que en su país no se dieran las condicionamientos necesarios para que cundiera y se asimilara la ideología romántica, sin embargo, a través de una u otra forma se relaciona con las corrientes europeas. Por otro lado, Irving vive mucho tiempo y en muy diversos sitios de Europa. Otro aspecto importante de su obra es haber sabido plasmar el llamado espíritu “Knickerbocker”, referente a la vida alegre y mundana de la sociedad neoyorquina del ochocientos; el autor satiriza los defectos y vicios de una sociedad burguesa y mercantilista.
Washington Irving nació en Nueva York el 3 de abril de 1783 y falleció en Sunnyside, Nueva York, el 28 de noviembre de 1849. Educado por su padre en un estricto ambiente calvinista, se inicia como periodista en varias publicaciones de su ciudad natal. En 1802 publicó en The Morning Chronicle una serie cartas firmadas con el seudónimo “Jonathan Oldstile”, a la manera de Addison y Steele. Viajero incansable, reside durante varios años en Europa, principalmente en España, a la que había llegado para investigar los documentos del Escorial relativos al descubrimiento de América. En 1842 desempeña el cargo de Embajador de los Estados Unidos en España. Su permanencia en tierras españolas le proporciona un profundo conocimiento de la historia y la literatura del país y le lleva a convertirse en un gran hispanista. “Por mi parte he viajado lo suficiente por España –escribía Washington Irving- como para haber llegado a la conclusión de que, después de todo, una cama no es un artículo de indispensable necesidad”.
En 1809 vio la luz su primer libro: La historia de Nueva York de Dietrich Knickerbocker, sátira contra los colonizadores holandeses de Nueva Ámsterdam. Desde 1815 hasta 1822 estuvo en Europa y allí publicó El libro de apuntes de Geoffrey Crayon (1819-1820), que, además de unos bocetos sobre la vida inglesa, contenía La leyenda de Sleepy Hollow y Rip van Winkle. En 1822 publicó otro estudio sobre la vida inglesa, y en 1824 Cuentos de un viajero. Frutos importantes de su estancia en España son los siguientes libros: Vida y viajes de Cristóbal Colón (1828), Crónica de la conquista de Granada (1829), Viajes y descubrimientos de los compañeros de Colón (1831), Leyendas de la conquista de España (1835) y, sobre todo, Cuentos de la Alhambra (1832), su obra más popular, bellos relatos en los que vierte sus conocimientos de la España musulmana y de las leyendas hispanoárabes. Al final de su vida escribió interesantes biografías sobre Godsmith (1849) y sobre Washington (1855-1859) y dos obras históricas sobre Mahoma. A Irving se le considera uno de los “padres” de las letras estadounidenses, en especial de la novela breve. Y como dijo el escritor norteamericano: “Cuando una persona le dice a otra que se ve muy joven, debe tener la certeza de que se está envejeciendo”.
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buenas amigo mexicano si lo eres claro esta ..soy peruano y a mi lo que me urge es la cancionde isabella pero no la de la chica qeu canta sino la de cada final de cada capitulo de esa telenovela de la cual la canta marcos llunas un cantante español que hace tiempo eh querido tenerla a ver... en lo que respecta a mi , puedo llamar a alguien a qeu averigue si en los puestos de lima venden claro esta pirateado mas barato el dvd de esta telenovela vale... bueno un gusto adios
“¡Ay, no quedan esperanzas!
Mi alma está triste.
Ni padre, ni madre,
ni hermano, ni amigo.
Mi miseria impertinente.
Ah, si no obstante se supiera
cuán tierno y contrito
me ha hecho la desventura.”
Max Jacob.
LA VOZ DEL ARTISTA CUBISTA
El cubismo fue la cuna de Guillaume Apollinaire, Max Jacob, Cendrars, Cocteau, Reverdy, Salmon y otros poetas franceses que, tras iniciarse en el cubismo, dieron lugar a nuevos movimientos, como Paul Eluard, Aragón y André Bretón, sólo por citar algunos de los más conocidos y también para poner de manifiesto el origen eminentemente lírico de todos los nuevos movimientos literarios que tanto proliferaron en el pasado siglo.
Max Jacob nació en Quimper, Bretaña, el 12 de julio de 1876. Deja sus estudios para seguir a los cubistas que se instalaron en Montmartre, Parìs. Distinguido entre los representantes más característicos de la entonces novísima escuela literaria, ejerció variadas y extrañas profesiones y cultivó la poesía, la novela, el teatro y la pintura. El artista cubista Max Jacob hubo de vivir una negra bohemia, vendiendo acuarelas y dibujos realizados por él, hasta que se convirtió al catolicismo en 1915 (su padrino fue Picasso), tras abjurar de sus orígenes judíos, y vivió como lego en el monasterio de Saint-Benoit sur Loire. Max Jacob hizo diversas incursiones en el neoimpresionismo en la pintura, y el surrealismo y el dadaísmo en la literatura. En febrero de 1944, apresado por los nazis en Saint-Benoit, fue deportado al Campo de concentración de Drancy, donde murió el 5 de marzo de 1944.
La poesía de Max Jacob se caracteriza, dentro del orden cubista, por la regularidad de su verso y el virtuosismo de su rima, animada siempre por el humor del que hace gala a través de su obra, en duro contraste con sus circunstancias personales. Su producción alcanza cuarenta volúmenes en los que se observa una singular y estética amalgama de realismo y fantasía, fervor religioso y satanismo.
Citamos entre sus obras: San Martorel (1911), que constituye su primera gran aportación literaria en el campo de la novela mística, El sitio de Jerusalén (1914), su obra más importante, que coincide con su conversión al catolicismo, El cubilete de los dados (1917), poemas en prosa, su obra más conocida, precursora del surrealismo, La defensa de Tartufo (1919), escrita tras su conversión, no varía en nada el sentido de su humor optimista, y la subtitula: Éxtasis, remordimientos, visiones, plegarias y meditaciones de un judío converso, en la que expone sus ideas filosóficas y religiosas, El laboratorio central (1920), libro de poemas. Max Jacob da a sus personajes-marionetas de origen burgués un relieve extraordinario. En este aspecto sobresale L’homme de chair et L’homme reflet en el que compone un gran fresco social del ambiente inmediato a la primera gran posguerra. El humorismo de Max Jacob se parangonó, en literatura, al de Chaplin, particularmente en lo que respecta a su poesía y novelas de prosa lírica. Y como dijo el artista cubista: “Si soy demasiado pesado para ir hacia Dios, camilleros cárguenme, y si no tienen camilla fabriquen una con mis sufrimientos entrelazados”.
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“-¿Quieres decirme, por favor, qué camino
debo tomar para salir de aquí?-
-Eso depende mucho de a dónde quieres ir-
respondió el Gato.
-Poco me preocupa a dónde ir- dijo Alicia.
-Entonces, poco importa el camino que tomes-
replicó el Gato.”
Lewis Carroll
LA VOZ DE ALICIA EN EL PAIS DE LAS MARAVILLAS
Lewis Carroll, es el seudónimo con el que el escritor británico Charles Lutwidge Dodgson escribió los cuentos para niños que le han dado enorme fama literaria. Era un hombre excéntrico y reservado con inclinación por los enigmas matemáticos, que sólo se encontraba a gusto entre los niños. Para sus pequeñas amigas escribió varios y famosísimos cuentos en los que cultiva el juego lógico y el absurdo, así como la paradoja y la sátira, todo lo cual los hace ser muy estimados por los lectores adultos.
El pastor anglicano, matemático, fotógrafo y escritor Charles Lutwidge Dodson nació en Daresbury, Cheshire, el 27 de enero de 1832 y falleció en Guildford, Surrey, el 14 de enero de 1898. Hijo de un clérigo, realiza sus estudios de enseñanza secundaria en el colegio de Richmond. En 1851 ingresa en el colegio de Christ Church de la Universidad de Oxford, destacando por sus estudios de matemáticas. Fue diácono de la iglesia de Inglaterra, aunque nunca ejerció; profesor de matemáticas en la Universidad de Oxford y fotógrafo.
En 1856 conoce a Alicia Liddell, su pequeña musa, que entonces contaba tres años de edad. También ve en el teatro a la actriz infantil Ellen Terry, de ocho años de edad. El 4 de julio de 1862 realiza la memorable excursión en barca por el Támesis con Alicia Liddell y sus hermanas, en la que contó por primera vez su famoso cuento, que en un principio se denominó Las aventuras de Alicia bajo tierra.
Gran amante de las niñas, debe su fama al relato que escribió para una de sus amigas: Alicia en el país de las maravillas (1865), uno de los clásicos de la literatura infantil, en la que el sentido lógico y el amor al absurdo se entrelazan con sutil humorismo y el sinsentido (el nonsense), en el que alcanzó gran maestría. Otro de los cuentos más conocidos y traducidos en todos los idiomas fue Alicia a través del espejo (1871), continuación del anterior. Ambos se publicaron con ilustraciones de Sir John Tenniel, de las que son hoy inseparables. También escribió Carroll un largo poema nonsense, o del absurdo, basado en la motivación onomatopéyica, en el cual las palabras están utilizadas por sus asociaciones sonoras, para las que tenía Dodgson una gran sensibilidad. Su nombre es La caza del Snark (1876). En 1889 y 1893, respectivamente, Carroll publicó los dos volúmenes de su última obra, Silvia y Bruno. Publicó también, El juego de la lógica, así como numerosas obras sobre matemáticas, entre las que citamos, Fórmulas de trigonometría plana (1861) y Euclides y sus rivales modernos (1879). Y como dijo el escritor inglés: “Si así fue, así pudo ser, si así fuera, así podría ser; pero como no es, no es. Es cuestión de lógica”.
La libertad no la tienen los que no tienen su sed.
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“Pocos son los hombres que crean la realidad
y menos aún los que, después de haberla creado,
tienen la constancia y la tenacidad de conservarla
e impedir que perezca.”
Luigi Pirandello.
LAVOZ DEL TEATRO DISFRAZADO DE TEATRO
Pirandello fue el primer dramaturgo italiano del periodo de entreguerras, su obra Seis personajes en busca de un autor, obtuvo en todas partes un excelente éxito. Pirandello, que comenzó su carrera literaria como narrador, cae en la cuenta más tarde de la mayor riqueza de matices del género dramático, en el que creó escuela por la especial construcción de sus piezas teatrales, su teatro disfrazado de teatro, el teatro que se hace teatral, sus trucos escénicos, la complejidad de los personajes y la originalidad de las tramas y los problemas planteados. Una de las ideas fundamentales del tema pirandelliano es la crisis de identidad del ser humano: “El drama del ser y el parecer”. Es significativo que de las 43 obras teatrales estrenadas por Pirandello entre 1910 y 1936, 28 al menos sean adaptaciones dramáticos de relatos anteriores. Si en sus primeras obras teatrales acepta las convenciones heredadas, poco a poco se va desprendiendo de ellas –Esta noche se improvisa (1930)- en su deseo de hacer visible la esencial contradicción de la condición humana, atormentada siempre entre dos deseos distintos. Esto ha llevado a considerar a Pirandello como escritor filosófico, pero él es sobre todo un agudo realista, que descubrió muy pronto el componente absurdo que aparece en toda existencia humana. Su influencia en el teatro posterior ha sido enorme y fue, indudablemente, uno de los autores que mejor interpretó la crisis de valores de la burguesía de entreguerras.
Luigi Pirandello nace en Agrigento, Sicilia, el 28 de junio de 1867. Estudia en las universidades de Roma y Bonn. Una tesis escrita en alemán sobre los dialectos romances le vale el doctorado de Filosofía y Letras de la Universidad de Bonn. De allí regresa a Roma como profesor. Fue profesor de estilística y de literatura italiana y comenzó su carrera literaria colaborando en diversos periódicos con artículos, poesías, cuentos y novelas. Con los cajones llenos de manuscritos, luchó mucho –más de seis años- para encontrar un editor. En 1894 contrae matrimonio con María Antonietta Portulario, que al poco tiempo se volvió loca. Pirandello sólo aceptó ingresarla en una clínica en 1918, cuando su agresividad la hacía peligrosa para los hijos de ambos. Esta tragedia familiar le proporcinó tema para su obra narrativa, cuya mayor parte estaba escrita en esa fecha. Aparecen libros que pasan desapercibidos hasta que en 1904, se publica El difunto Matías Pascal, la más famosa de sus novelas, y en 1908 su Humorismo. En 1915 le lleva el destino hacia el teatro y estrena La razón de las otras. Sus Seis personajes en busca de un autor será lo que le hará célebre en 1921. Su estreno ya se sabe que fue un escándalo. “Una de las novedades que he aportado al teatro moderno –nos dirá Pirandello- es convertir la inteligencia en pasión, haciendo que el público, que sólo se apasiona en las obras de pasión, se apasionase en las de inteligencia”. Es ya Premio Nobel en 1934, y nos cuenta como nacieron sus obras: “Cosi ès se vi pare nació de un sueño. Había soñado una noche con un patio angosto; veía en una galería, y pendiente de ésta, una cesta fija a una soga y una vieja que se empeña en tirar de ella, como si quisiera sacar un balde de un pozo. Cómo, después de esto, surgió la comedia, no podría decirlo. Lo cierto es que yo siempre parto de una imagen y no de un concepto para crear la obra de arte”. Luigi Pirandello muere en Roma el 10 de diciembre de 1936.
Entre su producción narrativa se cuentan La excluida (1901), El difunto Matías Pascal (1904), Los viejos y los jóvenes (1904), Su marido (1911), ¡Acción! (1915), que volvería a aparecer en 1925 con el título Cuadernos del operador Serafino Gubio y Uno, ninguno y cien mil (1926). Como poeta, publicó Mal jocundo (1891) y Elegías renanas (1895). Entre sus obras teatrales merecen citarse: Así es (si así os parece) (1917), Seis personajes en busca de un autor (1921), Enrique IV (1922), Cada cual a su manera (1924) y Esta noche se improvisa (1930). Y como nos dijo Pirandello: “Es justamente en el trabajo en lo único en donde no encuentro motivos de arrepentimiento”.
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Después de tantos años la casita de cartón sigue en pie, a pesar del vacío y las voces distorsionadas por el tiempo, los bajos de los pantalones roídos por las ratas. La vegetación que todo lo invade. A pesar del cansancio y de los pies doloridos aquí estoy esperando que se haga de noche para invocar de nuevo tu nombre, loca mujer de los abismos.
Susurrante, sudorosa, ovillada en la penumbra. Escondiendo este deseo afilado como un cuchillo, con el alma poseída por una infinita negrura. Ardiente y esquiva al mismo tiempo, incapaz de comprender los inútiles desafíos del tiempo y del espacio. La mediocridad que nos corrompe y nos convierte en esclavos. Te miro con las cuencas vacías de mis ojos sangrantes, los globos oculares devorados en el púlpito de lo profano por las viejas alcahuetas, los falsos profetas y las tetas.
“En la tragedia solo conmueve lo verosímil”.
Jean Racine.
LA VOZ DEL ESPIRITU CLASICO
Veintiocho años tenía Racine cuando obtuvo un triunfo decisivo con la representación de Andrómaca, que pareció una revelación por lo patético de la obra, el modo de pintar las pasiones, y la elegancia del estilo. Estas cualidades serán ya las que le distinguirían en la que se consideran como sus tres obras maestras. Atalía, Fedra y Británico. Atalía es de asunto sagrado, está tomada de la Biblia, y a pesar de ese origen no mereció más que respeto a Voltaire, quien la calificó de maravilla, como también lo era para Boileau. Para Schlegel, no es sólo la obra más perfecta de Racine, sino que, de todas las tragedias francesas, es la que “libre de amaneramientos, más se acerca al gran estilo de la tragedia griega”. Fedra está tomada de Eurípides, pero en tal forma que el asunto queda renovado y el papel de Fedra concentra en él toda la atención, como para que, al representarlo, puedan desarrollar sus más altas facultades las mejores actrices. En Británico, quien la facilita a Racine los materiales es Tácito, el pintor de Nerón, y el severo cuadro histórico que el autor francés nos ofrece es fiel y vigoroso.
Racine tenía la costumbre, que tanto se ha censurado después a un poeta español, Quintana, de escribir primero sus obras en prosa, para verlas así desnudas, sin adornos, y no sentirse, a veces, dominado y desviado por el consonante. “La tengo ya hecha: no me falta más que ponerla en verso”, parece que solía decir. Y, sin embargo por esos versos, que por fuerza habían de resultar más o menos fríos, artificiosos, es por lo que muchos le han puesto en las nubes, aun como poeta lírico, y le han comparado con el mismo Virgilio, para algunos es el primer lírico de Francia, además de ser el más perfecto de sus trágicos. Los tiempos cambian y hoy quizá no obtendría tantos elogios de las independientes generaciones nuevas.
Nadie ha pintado mejor que él los sentimientos: el amor, sobre todo, con todos sus matices, ternura ingenua, pasión imperiosa, deseo perverso, delirio fatal, con sus celos, arrebatos, sus inquietudes, sus melancolías, sus sacrificios, sus amarguras y sus crímenes. Ha sido Racine el primero que en todas las literaturas haya concedido tanta importancia al amor y que haya hecho ver con tal plenitud y acierto su poderío y estragos.
Lo mejor que creó fueron los caracteres de mujer: en eso todos están conformes. La acción solía ser en sus obras sencilla y era consecuencia de aquellos mismos caracteres, con lo cual se acercaba a lo que ocurre en la vida. A pesar de todo su estudio, sus personajes antiguos resultan hoy cortesanos franceses de su tiempo: inverosímiles por tanto. Por eso cabe decir que, así como Molière, con todo y ser su fondo tan profundamente galo, escribió para la humanidad, Racine escribió para ser un gran clásico francés.
Jean Racine nace en La Ferté –Milon, Aisne, el 21 de diciembre de 1639 y muere en París el 21 de abril de 1699. Huérfano desde temprana edad, estudió humanidades en Beauvais y luego se trasladó a Port-Royal, donde asimiló las doctrinas jansenistas y adquirió un profundo conocimiento de la cultura griega; en 1661 se marchó a Uzès, donde cursó la carrera de teología y ocupó un cargo eclesiástico. Obtuvo la protección de Luis XIV, quien le recompensó económicamente por su oda La ninfa del Sena (1660). Habiendo renunciado a su idea de consagrarse al sacerdocio, se estableció en París, donde conoció a La Fontaine, Boileau y Molière, cuya amistad pronto se vería interrumpida por las serias desavenencias surgidas entre ambos autores.
Racine se inició en la escritura teatral con las tragedias La Tebaida (1664), escenificada, sin demasiado éxito, por la compañía Molière y centrada en la lucha por obtener el trono de Tebas, y Alejandro el Grande (1665), que fue acogida por el público con mucho más entusiasmo. Tras haber roto en 1665 con el círculo de jansenistas de Port-Royal, una honda crisis moral lo llevó en 1677 a reconciliarse con estos, de cuyo pesimismo fundamental nunca se había librado. Las piezas de Racine, lineales y con pocos personajes, se centran en el momento de la explosión de una situación pasional, adaptándose perfectamente a las reglas de la tragedia clásica, cuyo componente fatídico halla en él cierta consonancia con el determinismo jansenista, y poseen una extraordinaria fuerza lírica que ofrece con elevada dignidad la tormenta interior de los protagonistas. Esa simultánea capacidad de exposición de la brutalidad de las pasiones como resorte dramático de la acción y contención elegante y exquisita le convierten en uno de los más importantes trágicos modernos, entre los que también se cuenta a Corneille, con quien se enfrentó en dura competencia a lo largo de su producción. En 1673 sería nombrado miembro de la Academia francesa y más tarde historiógrafo real, pasando los últimos años de su vida alejado del teatro. Fue enterrado en el monasterio de Port-Royal.
Entre las obras de Racine destacan: Andrómaca (1667), que obtuvo un espectacular éxito, Los litigantes (1668), su única comedia, respuesta a los partidarios de Molière, Británico (1669), escrita expresamente para desbancar a Corneille, que era el más famoso autor teatral del momento, Berenice (1670), en la que retoma el asunto del Tito y Berenice de Corneille, Bayaceto (1672), cuyo argumento, de implicaciones claramente políticas, gira en torno al triángulo amoroso formado por Bayaceto, Roxana y Atálida, Mitrídates (1673), Ifigenia (1674), que, centrada en la compleja figura de Agamenón, se inspira en una de las tragedias de Eurípides, Fedra (1677), su obra cumbre y, sin duda, la pieza más característica de su estilo dramático, Esther (1689) y Atalía (1691), ambas de temas bíblico. Escribió también una Historia de Port-Royal que no se publicó hasta 1767. Si bien su teatro no aportó fórmulas nuevas, es la más perfecta expresión del espíritu clásico. Y como dijo el dramaturgo francés: “A menudo es fatal vivir demasiado tiempo”.
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“La muerte es el remedio de todos los males,
pero no debemos echar mano de éste hasta última hora.”
Molière.
LA VOZ DEL PADRE DE LA COMEDIA FRANCESA
Los cuatro mayores clásicos del famoso siglo de Luis XIV que ningún francés olvida, son Molière, Racine, La Fontaine y Boileau. Para hablar de Molière, seudónimo de Jean-Baptiste Poquelin, todos los elogios son pálidos ante la verdadera adoración que representan los de los críticos franceses, y aun de otros países. No es raro leer que es el más excepcional genio que ha existido, y que sólo él ha realizado el ideal de lo que debe ser la comedia, además de que fue el más profundo e ingenioso pintor del corazón humano. Es algo por el estilo de lo que ocurre en España con Cervantes y en Inglaterra con Shakespeare. Gran verdad es lo de ser profundísimo e ingenioso pintor del corazón humano; lo de finísimo e intencionado ironista, aunque alguna vez la finura se pierda; versificador de estupenda facilidad, maestría, naturalidad y corrección, no en las primeras obras, sino en otras posteriores, sobre todo en las últimas, pues en ellas los versos brotan de sus pluma, en los diálogos de varias de sus comedias, con tan poco esfuerzo visible como si fueran prosa, y mostrando con frecuencia aquel hermoso relieve de ciertas monedas muy bien acuñadas; en fin, un gran creador de tipos inolvidables por su verdad, y de situaciones cómicas que, aunque no todas estén a parecida altura, suelen distinguirse por lo graciosas e inesperadas. Muchas de las obras del padre de la Comedia Francesa están situadas en la cumbre de la comedia en la literatura universal.
Jean-Baptiste Poquelin nació en Paris, siendo bautizado el 15 de enero de 1622. Hijo de un tapicero adscrito a la casa real. Su madre falleció cuando contaba diez años de edad. Estudió con los jesuitas de Clermont y posteriormente inició la carrera de leyes, que abandonaría para recorrer el sur de Francia con la troupe de cómicos denominada “L’Illustre Théâtre”, junto con su amante Madeleine Béjart. A su regreso a París, en 1659, representó ante la corte, con gran éxito, una obra de Corneille y una suya, Las preciosas ridículas; bajo la protección del duque de Orleáns se instaló en la Salle du Petit-Bourbon. En 1662 Luis XIV le concedió el Théâtre du Palais-Royal, y ese mismo año contrajo matrimonio con Armande Béjart, hermana (o hija) de Madelaine. A partir de entonces su obra sería conocida y aplaudida por el público parisino. El 17 de febrero de 1673; Moliére, que interpretaba el papel del enfermo, en su última obra El enfermo imaginario, murió repentinamente, en la cuarta representación de la misma.
Entre sus piezas destacan: Las preciosas ridículas (1659), sátira de los salones “marivaudistes”, en la que los dos pedantes que aparecen en la comedia están tomados de la realidad, y dicen que uno de ellos, ya muy viejo, murió de disgusto de verse retratado de aquel modo; La escuela de las mujeres (1662), su primera gran obra, en la que critica la falta de estudios de la mujer; Tartufo (1664-1669), sátira contra la beatería e hipocresía, cuya representación fue prohibida durante cuatro años; Don Juan o el convidado de piedra, inspirada en la obra de Tirso de Molina, tema de moda también en la época; El misántropo (1666), en la que ridiculiza a un hombre honesto por la forma de imponer sus principios morales; El médico a palos, inspirado en un fabliau de la Edad Media (El villano médico); El avaro (1668), tomado de Plauto, pero desfigurado, y podríamos decir afrancesado, hasta parecer obra original, es quizá la más cómica de sus piezas; El burgués gentilhombre (1670), comedia–ballet en la que un burgués enriquecido decide adoptar las costumbres de un aristócrata; Las mujeres sabias (1672) es un nuevo ataque a la evolución de la mujer en sociedad; y El enfermo imaginario (1673), también comedia-ballet, en la que se satiriza a la clase médica.
En las obras de Molière aparecen elementos de la farsa, pero los que les dio verdadero valor, haciendo de la comedia un género como la tragedia, fueron la descripción de costumbres de la época, que aparece por primera vez en el teatro, y el análisis psicológico de los personajes. Decía Moliére, en su Crítica de la escuela de las mujeres, que era más difícil escribir buenas comedias que buenas tragedias porque, en éstas, costaba menos el remontarse apoyándose en elevados sentimientos, el desafiar en verso a la suerte, el acusar al hado e injuriar a los dioses, que el ahondar, en aquellas, buenamente, en lo que de ridículo existe en los hombres, y presentar de modo agradable en el teatro los defectos de todos. Al pintar a los héroes hacéis con ello lo que queréis, pintando retratos en los que nadie ha de buscar el parecido; pero cuando lo que pintáis son hombres, es preciso hacerlo teniendo el modelo delante, y la gente exige que el retrato se le parezca, seguía diciendo.
Molière que tenía la manía de hablar mal de los médicos y ridiculizarlos, magistralmente, murió a los 53 años, por no hacer caso de lo que le aconsejaban los médicos, y empeñándose en declamar en escena, estando muy real y gravemente enfermo, aquel Enfermo imaginario que fue su última obra, puede decirse que le mató, como nos había dicho en su epitafio: “Aquí yace Molière, el rey de los actores. En este momento hace de muerto, y de verdad que lo hace bien”.
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tú que, más que los muertos, sabes lo que es la nada
“Pido a tu lecho el sueño sin sueños ni tormentos
con que duermes después de tu engaño, extenuada,
tras el telón ignoto de los remordimientos ,
tú que, más que los muertos, sabes lo que es la nada”.
Stéphane Mallarmé.
LA VOZ DEL SIMBOLISMO
De 1866 a 1876 publicó el editor Lemerre las tres series del llamado Parnasse contemporain y estas antologías contenían composiciones de Leconte de Lisle, Villiers de l’Isle-Adam, Coppée, Verlaine, Mallarmé, Glatigny, Armand Silvestre... No unía a estos poetas otro lazo que el respeto que les inspiraba el que aparecía como jefe, Leconte de Lisle, y el odio que todos sentían por la vulgar negligencia en el arte de versificar. Como era natural en una agrupación tan compleja, tan heterogénea, aparecieron pronto las divergencias. Los que se consideraron como herederos de Baudelaire, en cuya imitación se habían formado (Villiers de l’Isle-Adam, Verlaine y Mallarmé), siguieron su natural inclinación y se convirtieron, con muy diversos matices en los maestros del simbolismo. La calificación de parnasianos quedó reservada, sin saber por qué razón, para los que sin poseer un programa literario común, permanecieron fieles (aunque tomaron por distintos caminos), a Gautier, Banville y Leconte de Lisle, unidos en una misma sujeción a una belleza que consideraba como obligatoria la exactitud en la forma poética, sin que se perdonara la menor caída o libertad poética, el menor ripio. Tenemos, pues, a los poetas franceses de la mencionada época divididos en parnasistas y en simbolistas.
Mallarmé, que está considerado como uno de los grandes poetas del siglo XIX y el antecedente claro de las vanguardias de los primeros años del XX, produjo una obra no muy voluminosa pero considerada como fundadora de una escuela: el simbolismo. Sus primeras poesías, escritas en el estilo de Charles Baudelaire y que reflejan la influencia del Parnaso, contienen, no obstante, los temas que desarrollaría en su obra madura. Tras la publicación de diez de estas composiciones en el Parnaso contemporáneo (1866), dio comienzo a la creación de una poética nueva con Herodías (1869), donde se propone describir “no la cosa, sino el efecto que esta produce”. En las reuniones de los martes con sus amigos se va constituyendo la nueva escuela, cuya aparición pública se fecha en 1876 con la publicación de La siesta de un fauno (poema que sirvió de inspiración al músico Claude Debussy), y cuyos presupuestos implican alcanzar la poesía pura y el absoluto a través de las relaciones simbólicas, antes que lógicas, lo enigmático y la ensoñación. La obra de Mallarmé que él consideraba como un único “libro” -que a su muerte quedó inconcluso-, que se caracteriza por una exigencia casi ascética para crear un lenguaje y una sintaxis que permitieran ese camino, desembarazando al texto de todo arraigo en lo histórico y dotándolo de una fuerte estructura ontológica. Son característicos en ella la brevedad, la oscuridad, la exquisitez formal, un fondo vagamente insinuado y el experimento tipográfico. Para ser del todo justo con Mallarmé hay que conceder que, en rigor, hay en él dos poetas: uno harto sutil, pero claro, y otro incomprensible, oscuro. Opto por el primero. El segundo ya lo calificó el mismo: “callejón sin salida”.
Stéphane Mallarmé, bautizado con el nombre de Étienne Mallarmé, nace en París el 18 de marzo de 1842 y muere en Valvins el 9 de septiembre de 1898. A la muerte de su madre, cuando contaba con cinco años de edad, fue tutelado por sus abuelos. La muerte de su hermana María le marcó profundamente. En 1862, conoce a María Gerhard, joven alemana, con la que se va a vivir a Londres, para prepararse como profesor de inglés. Se casa con María en agosto de 1863. Profesor de inglés en el liceo Condorcet de Tournon y traductor de Willian Beckford y Edgar Allan Poe. En 1871 se instala en París. El 8 de septiembre de 1898 sufrió un espasmo de laringe. Pidió a su mujer y a su hija que destruyeran sus escritos, diciendo: “No tengo herederos literarios...” Al día siguiente, por la mañana, murió.
Entre su producción destacan: Los dioses antiguos (1880), Poesías (1887), Páginas (1890), Verso y prosa (1892), Divagaciones (1897) y Una tirada de dados nunca abolirá el azar (1897). En 1899 apareció una edición póstuma de sus Poesías completas. Su obra y sus teorías tuvieron gran influencia en dadaístas, futurístas, herméticos y “poetas visuales”. Y como dijo la voz del simbolismo: “ Los versos no se hacen con ideas, sino con palabras”.
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