“Buen don Guido, ya eres ido
y para siempre jamás..
Alguien dirá: ¿Qué dejaste?
Yo pregunto: ¿Qué llevaste
al mundo donde hoy estás?”
Antonio Machado.
HAY QUE VIVIR CON ARMONIA CON LAS LEYES BIOLOGICAS
Todos recibimos al nacer cierta cantidad de energía de adaptación, determinada por el factor genético individual. Se puede ir gastando esa riqueza durante una existencia larga, pero monótona, o bien dilapidarla pródigamente en el curso de una vida rica en experiencias. En cualquier caso, la energía está determinada y nosotros somos quienes debemos administrarla convenientemente. Teniendo en cuenta que la ausencia total de estrés es la muerte, tan angustiosa resulta la falta de estímulo como la exposición temeraria a una excesiva cantidad de ellos.
El estrés se convierte en enfermedad cuando las influencias del medio ambiente o el modo de responder del organismo son desproporcionados y hacen que el individuo perciba la situación como peligrosa o desagradable.
La persona angustiada por el estrés siente verdadero temor a perder el control de sí misma. Su reflejo somático se aparece en forma de falta de aire, sequedad de boca, taquicardia, trastornos gástricos, contracciones en la nuca, espasmos en la pierna, palpitaciones y sudoración excesiva. Pero tampoco lo pasan mejor los supercontrolados que todo se lo tragan, sufren en silencio y no exteriorizan ninguna emoción. Efectivamente el que mucho aguanta hace que su organismo reaccione produciendo excesiva cantidad de cortisona, disminuyendo las defensas inmunitarias y creciendo la predisposición a alergias, enfermedades reumáticas y depresiones.
De modo que cuando el estrés se ha convertido en enfermedad, hay que tomarlo en serio y consultar al médico.
Un tipo de vida relativamente ordenada, con sus buenas dosis de placer y tiempo libre, cuidado de las horas de sueño, trabajo apropiado, conocimiento de las propias capacidades, metas profesionales y buen humor es condición imprescindible para combatir el estrés.
Para ello hemos de adoptar las siguientes precauciones: Descubrir el nivel del estrés personal, es decir, es conocer las metas propuestas y la urgencia por alcanzarlas, y procurar que ambas no sean una imposición social. La famosa Ágatha-Crhistie , tenía de niña en su habitación una placa colgada con la siguiente frase: “Si no puedes conducir la locomotora, dedícate a engrasar los ejes”. Y no hay mejor lema para ir por la vida, o mejor dicho para vivir la vida. Y también se debe recordar que la felicidad es una meta imposible por lo menos como estado perpetuo. Tenía razón Jean Paul Sartre al afirmar: “Ser feliz es llevar adelante el propio proyecto personal sabiendo de antemano que nunca se conseguirá”.
No es posible conseguir un código que sirva para todos, pero cuando mejor conozcamos nuestra naturaleza y vivamos en armonía con las leyes biológicas, menos será nuestro estrés. No en vano, dijo el poeta: “Por no querer perder tiempo / pierdes el tiempo y el alma. / Estás perdiendo la vida / de tanto querer ganarla”.
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Demócratas piden que EEUU emprenda la retirada antes de 6 meses
Varios líderes del Partido Demócrata estadounidense pidieron hoy que el Gobierno comience a retirar sus tropas de Irak en un plazo de 'entre cuatro y seis meses', pero la Casa Blanca se negó a poner fecha al repliegue.
En estos tiempos de esperanza, poemas por la paz.
Vendría la paz
Si todos los políticos
se hicieran poetas,
vendría la paz.
Si todos los políticos
se hicieran pacifistas,
vendría la paz.
Si todos los injustos
se hicieran el harakiri,
vendría la paz.
Las bombas no tienen ojos
Las bombas no tienen ojos
y caen en la guardería.
Los niños no tienen susto
tienen muerte, mil heridas.
Las bombas no tienen ojos,
caen infestando la vida.
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LOS ENEMIGOS DEL FERROCARRIL POR FRANCISCO ARIAS SOLIS
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LOS ENEMIGOS DEL FERROCARRIL
“Tren, camina, silba, humea,
acarrea
tu ejército de vagones,
ajetrea
maletas y corazones.”
Antonio Machado.
EL PRINCIPAL ENEMIGO DEL FERROCARRIL ES EL CONFORMISMO
Los sistemas de transportes actuales tienen un denominador común; su eficacia y especialización. Es evidente que la especialización conlleva una mejora de métodos y una mejora de costes. Así, se puede comprobar la distinta eficacia de los medios terrestres, aéreos o marítimos frente a la demanda del mercado y, de ahí, la evolución de las distintas y múltiples empresas de transportes.
Frente a ese mundo dinámico, el ferrocarril es un medio único con una oferta única y, en la mayoría de los casos escasamente competitiva que debe como el ave Fénix, resurgir de sus cenizas si quiere mantener un espacio. .
Difícilmente se podrá justificar ningún kilómetro de explotación si ésta no alcanza el umbral mínimo que quiere asumir la sociedad para su funcionamiento. Una de las dificultades mayores que está soportando el ferrocarril es la falta de competitividad con respecto a los transportes alternativos, y ello se debería obviar si se pretende que el ferrocarril sea un medio de transporte y no una reliquia de museo.
El principal enemigo del ferrocarril es el conformismo. Pasar de una posición de monopolio en el mercado y de fuerza en lo social a una posición de competencia en el mercado y de conformismo en lo social hace difícil que el conjunto empresarial sea competitivo.
Es evidente que cada medio de transporte tiene sus aliados y sus contrincantes que, en ocasiones puntuales puede llegar a ser sus detractores. Y así como en la época dorada del ferrocarril las empresas mineras eran las aliadas naturales, en la actualidad todo el sector petrolero apoya el transporte por carretera. La carretera con todos sus aliados naturales, que permiten establecer que un 20 por ciento del sector productivo esté ligado al transporte por carretera, es en la actualidad el más poderoso de los medios de transporte.
Otro enemigo no menos cualificado de ferrocarril es el planteamiento urbanístico. La reclasificación de los terrenos con la actual legislación permite unas actuaciones, que si bien en materia urbanística puede ser beneficiosa, la eliminación de determinadas instalaciones puede resultar enormemente perjudicial para el ferrocarril.
Desde luego el ferrocarril tiene futuro, lo difícil va a ser determinar las líneas de la red que tienen futuro, ya que para ello será necesario saber los criterios políticos que van a seguirse.
El ferrocarril ha dejado de ser un elemento de transporte en régimen de monopolio para pasar a un sistema alternativo de transporte, lo que representa un cambio sustancia, pero de la misma forma que en el transporte por carretera hay medios ya sean económicos como políticos como de mercado para poder establecer la jerarquización del uso y, a través de él la potenciación o regresión, es necesario que en nuestro país el ferrocarril dé un paso más, creando los mecanismos necesarios para permitir que cada línea o conjunto de líneas alcance a establecer por sí misma el “ranking” de utilización y, a través del mismo, poder fijar el grado de utilización.
Demostrado que el centralismo dirigido no permite el libre crecimiento, habrá que buscar otros criterios de control centralizado que sí permitan el funcionamiento del ferrocarril en régimen de libre mercado. Y es que como dijo el poeta: “Por el camino que voy / mirando mi sombra vi: / que ayer maravilla fui / y hoy sombra mía no soy”.
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LAS ALARMANTES CONDICIONES ECOLOGICAS POR FRANCISCO ARIAS SOLIS
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LAS ALARMANTES CONDICIONES ECOLÓGICAS
“¿Si la esperanza se apaga
y la Babel se comienza,
qué antorcha iluminará
los caminos en la Tierra?”
Federico García Lorca..
UN NUEVO TIPO DE SOCIEDAD
Si quienes profetizan eco-catástrofes para un futuro relativamente próximo tienen razón, parece que lo más importante sea dar a los problemas ecológicos prioridad absoluta.
“Todo el mundo habla del tiempo que hace, pero nadie hace nada por remediarlo”, reza un dicho inglés. Análogamente, todo el mundo habla de ecología y de equilibrio entre el hombre y su medio, pero aquí no ha pasado nada, o por lo menos nada digno de nota, que permita sospechar un viraje radical en el presente curso de la humanidad hacia un cataclismo. En vista de ello, muchas gentes sinceramente preocupadas por el asunto proponen que cada uno de nosotros haga algo; algo modesto si se quiere, pero efectivo cuando se multiplica por millones.
El frenesí automovilístico de las principales ciudades carga la atmósfera y los nervios; los conductores de los vehículos se pasan el tiempo tratando de encontrar un estacionamiento, y como generalmente no dan con él, circulan sin pausa, pero con prisa. ¿Por qué no echar mano siempre que se pueda de medios de transporte públicos? Con el fin de satisfacer nuestros apetitos de consumo, permitimos que se multipliquen industrias que contaminan nuestras aguas y que cercan nuestras ciudades con sus asfixiantes entornos. Preguntarse por qué se consumen tantas cosas inútiles y se engendran tantos desperdicios, es hacerse cuestión de un tipo de sociedad que ha supervalorado el consumo en detrimento de otras actividades.
Por desgracia, nada de eso, por sí mismo, puede ir muy lejos. La solución de los problemas ecológicos no se consigue con medidas puramente individuales. Estas corren el peligro de funcionar como las Damas de la Caridad, muy dispuestas a eliminar la pobreza, pero no sus causas. Abstenerse de matar animales cuya extinción causa desequilibrios ecológicos es cosa excelente, pero no basta con conservar y preservar; hay que alterar las condiciones que impiden la conservación y la preservación.
Bien, se dirá, esto es precisamente lo que todo el mundo propone. Políticos de todas las cuerdas, directores de empresas, economistas, ingenieros, etc., están de acuerdo en que hay que hacer algo para mejorar las relaciones entre el hombre y su medio. Se toman medidas, se aprueban leyes y se castigan infracciones. Siempre que todo el mundo esté dispuesto a dar prioridad a las cuestiones ecológicas habrá esperanza.
Este consuelo es magro tan pronto como se descubre que se funda en una falacia. Dar prioridad absoluta a las cuestiones ecológicas es suponer que se han resuelto en principio muchos de los problemas raciales, nacionales, económicos, políticos, sociales, etc. Ahora bien no sólo estos problemas no están resueltos, sino que son justa y precisamente los que determinan las alarmantes condiciones ecológicas actuales. Por lo pronto las empresas que proponen tomar medidas para evitar el deterioro progresivo del medio natural han contribuido y siguen contribuyendo a aquel.
Hay razón para sospechar que el desequilibrio ecológico es, en buena parte, político y social. Por tanto, parece obvio que cualquier solución tendrá que ser muy radical.
Las recomendaciones de “retornar a la tierra” y las protestas contra la sociedad de consumo, que tenían un aire tan ingenuo, puede adquirir de este modo un nuevo sentido. En su fondo late el deseo de que los hombres cambien a fondo, rectificando fundamentalmente su trayectoria histórica.
Un tipo enteramente nuevo de sociedad es una verdadera revolución cultural y para que ésta tenga sentido ha de consistir, en una dimensión esencial, en reconocer que no sólo el hombre tiene derecho a existir. El hombre no es moralmente viable a menos de permitir que lo no humano –la tierra, el aire, el agua, y el fuego, y las innumerables especies animales y vegetales- exista y prospere. Vivir consiste asimismo en convivir y en dejar vivir. En dejar vivir a nuestra madre, la tierra. Y como dijo el poeta: “Tierra tan sólo. Tierra. / Tierra para los manteles estremecidos, / para la pupila viciosa de nube, / para las heridas recientes y el húmedo pensamiento. / Tierra para todo lo que huye de la tierra”.
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LISTAS DE NOVELAS QUE PUEDEN SER GRABADAS EN DVD Y VHS (Sistemas para todos los paises)
LIST OF SOAP OPERAS WHICH COULD BE RECORDED IN DVD AND VHS (for all the countries)..
1. ABIGAIL
2. ABRAZAME MUY FUERTE
3. ACAPULCO CUERPO Y ALMA
4. AGUAS MANSAS (LAS)
5. ALAS PODER Y PASION
6. ALBORADA
7. ALEJANDRA
8. ALEN LUZ DE LUNA
9. ALGUNA VEZ TENDREMOS ALAS
10. EL ALMA HERIDA
11. EL ALMA NO TIENE COLOR
12. ALMA REBELDE
13. ALONDRA
14. AMANDOTE
15. AMANTES DE LUNA LLENA
16. AMAR EN TIEMPOS REVUELTOS I Y 2 (GRABANDO)
17. AMAR OTRA VEZ
18. AMARTE ASI FRIJOLITO
19. AMARTE ES MI PECADO
20. AMIGAS Y RIVALES
21. AMOR EN CUSTODIA
22. AMOR GITANO
23. EL AMOR LAS VUELVE LOCAS
24. AMOR REAL
25. AMOR SAGRADO
26. ANGEL REBELDE
27. ANITA NO TE RAJES
28. ANTONELLA
29. ANTORCHA ENCENDIDA
30. APUESTA POR UN AMOR
31. ASI SON ELLAS (GRABANDO)
32. ATREVETE
33. BAJO LA MISMA PIEL
34. BARRERA DE AMOR (GRABANDO)
35. BODAS DE ODIO
36. CAFE CON AROMA DE MUJER
37. CALYPSO
38. CAMILA
39. CAÑAVERAL DE PASIONES
40. LA CAPONERA
41. CARISSIMA
42. CARITA DE ANGEL
43. CATALINA Y SEBASTIAN
44. CELESTE
45. CELESTE SIEMPRE CELESTE
46. CLASE 406
47. CLAP
48. EL CLON
49. EL COLOR DEL PECADO
50. COMPLICES AL RESCATE
51. CONTRA VIENTO Y MAREA
52. CORAZON PARTIDO (GRABANDO INT)
53. CORAZON SALVAJE
54. CORAZONES AL LIMITE
55. COSAS DEL AMOR
56. COSITA RICA (GRABANDO)
57. LA COSTEÑA Y EL CACHACO
58. CRISTAL
59. LA CUAIMA
60. CUANDO SEAS MIA CON FINAL MEXICANO
61. EL CUERPO DEL DESEO
62. LA CULPA
63. LA DAMA DE ROSA (RESUMEN)
64. DE PURA SANGRE
65. DEJATE QUERER
66. EL DERECHO DE NACER
67. EL DESEO
68. DESTINO DE MUJER
69. LA DUDA
70. LA DUEÑA
71. DULCE DESAFIO
72. ECOMODA
73. ENAMORADA
74. ENTRE EL AMOR Y EL ODIO
75. ESMERALDA
76. LA ESPOSA VIRGEN
77. ESTRAMBOTICA ANASTACIA
78. LA EXTRAÑA DAMA
79. LA FEA MAS BELLA (GRABANDO)
80. FLORICIENTA (GRABANDO)
81. GATA SALVAJE
82. GEMINIS
83. GENTE BIEN
84. GIRASOLES PARA LUCIA
85. GITANAS
86. LAS GONZALEZ
87. GUADALUPE
88. GUAJIRA
89. GUERRA DE MUJERES
90. HIJA DEL JARDINERO (LA)
91. HOMBRES DE HONOR
92. HURACAN
93. INES DUARTE SECRETARIA
94. INFIERNO EN EL PARAISO
95. INTRUSA (LA)
96. EL INUTIL
97. LA INVASORA
98. ISABELLA MUJER ENAMORADA
99. LA JAULA DE ORO
100. JESUS EL HEREDERO
101. JUANA LA VIRGEN
102. LAS JUANAS
103. EL JUEGO DE LA VIDA (GRABANDO)
104. KAINA
105. KASSANDRA
106. LABERINTO SIN LEY
107. LAZOS DE AMOR
108. LEONELA (LAS DOS VERSIONES)
109. LO QUE ME QUEDA POR VIVIR (CUBANA)
110. LUCIANA Y NICOLAS
111. LUNA LA HEREDERA
112. LUNA NEGRA
113. LUZ CLARITA
114. LUZ MARIA
115. MACHOS
116. LA MADRASTRA
117. MADRES EGOISTAS
118. MAMBO Y CANELA
119. EL MANANTIAL
120. MANUELA
121. MARIA EMILIA
122. MARIA ISABEL
123. MARIA JOSE
124. MARIA LA DEL BARRIO
125. MARIA MERCEDES
126. MARIANA DE LA NOCHE
127. MARIELENA
128. MARIMAR
129. LA MENTIRA
130. MI DESTINO ERES TU
131. MI GORDA BELLA
132. MICAELA
133. MIL MILLONES
134. MIRADA DE MUJER
135. MORIR DOS VECES
136. MUNDO DE FIERAS
137. MUJER EN EL ESPEJO (LA)
138. LA MUJER DE MADERA
139. MUÑECA BRAVA (GRABANDO)
140. MUÑECA DE TRAPO
141. NANO
142. NEGRA CONSENTIDA
143. NIÑA AMADA MIA
144. EL NIÑO QUE VINO DEL MAR
145. NUNCA TE OLVIDARE
146. OBSESION
147. OLVIDARTE JAMAS
148. LA OTRA
149. EL PAIS DE LAS MUJERES
150. EL PAJARO ESPINO
151. PALOMA
152. EL PARAISO
153. PASION DE GAVILANES
154. PASIONARIA
155. EL PATRON DE LA VEREDA
156. PEREGRINA
157. LA PICARA SOÑADORA
158. PERLA NEGRA
159. PERRO AMOR
160. LOS PLATEADOS
161. POBRE DIABLA (DOS VERSIONES)
162. DE POCAS POCAS PULGAS (GRABANDO)
163. POR TU AMOR
164. PORQUE DIABLOS
165. EL PRECIO DE TU AMOR
166. PRECIOSA
167. PRIMER AMOR A MIL POR HORAS
168. PRINCESA
169. PRISIONERA
170. PRISIONERA DE AMOR
171. EL PRIVILEGIO DE AMAR
172. PROVOCAME
173. PUEBLO CHICO INFIERNO GRANDE
174. PURA SANGRE
175. QUE BUENA SE PUSO LOLA
176. QUINCEAÑERA
177. RAMONA
178. RAUZAN
179. REBECA
180. REBELDE
181. REBELDE WAY
182. LA REVANCHA
183. ROSALINDA
184. RUBI
185. SALOME
186. SECRETO DE AMOR
187. EL SECRETO
188. SHEIK
189. SIEMPRE TE AMARE
190. SIN PECADO CONCEBIDO
191. SI DIOS ME QUITA LA VIDA
192. SOLEDAD (RESUMEN)
193. SOLTERITA Y A LA ORDEN
194. SOÑADORAS
195. SOÑAR NO CUESTA NADA (GRABANDO)
196. SOS MI VIDA (GRABANDO)
197. SUEÑOS Y CARAMELOS
198. SUEÑO DE AMOR
199. TERRA NOSTRA
200. TE SIGO AMANDO
201. TE VOY A ENSEÑAR A QUERER
202. TIERRA DE PASIONES (GRABANDO)
203. TODO POR TU AMOR
204. TORMENTA (LA) – GRABANDO
205. TRES MUJERES
206. TU O NADIE
207. USURPADORA (LA)
208. VALENTINA
209. VALERIA Y MAXIMILIANO
210. VENGANZA (LA)
211. VERDAD DE LAURA (LA)
212. LA VERDAD OCULTA (GRABANDO)
213. VIDAS PRESTADAS
214. VIUDA DE BLANCO
215. LA VIUDA DE LA MAFIA
216. VIVAN LOS NIÑOS
217. VIVIANA
218. VIVO POR ELENA
219. YAGO PASION MORENA
220. YO AMO A PAQUITA GALLEGO
221. YO SOY BETTY LA FEA
222. YO VENDO UNOS OJOS NEGROS
Y MUCHAS MAS, SI EL TITULO QUE BUSCAN NO ESTA AQUÍ, PIDAN LA LISTA COMPLETA – AND MANY MORE, ASK FOR A COMPLETE LIST
“Todo necio
confunde valor y precio.”
Antonio Machado.
LA ESTIMACIÓN DE LA VIDA HUMANA
Aunque la muerte, por ser inevitable para todos y la terminación de la vida, parecería un elemento constante e invariable, sucede todo lo contrario: es difícil hallar una realidad respecto a la cual varíen más hondamente las interpretaciones y que condicione con mayor medida las perspectiva en que se presentan las demás. Son varias las razones de que la muerte sea previvida de diferentes maneras. Una de ellas su frecuencia, es decir, aquella con que aparece en torno nuestro. En ciertas formas de vida, siempre es inminente, se cuenta con la muerte como algo que puede sobrevenir en cualquier instante, que nos puede alcanzar cuando menos lo pensemos, a nosotros o a las personas que nos importan; en otras situaciones, a la inversa, la muerte parece más lejana; podríamos decir que es segura, pero en cada caso y en cada momento improbable, cierta e inevitable, pero en concreto inverosímil. La determinación del grado de probabilidad con que es la muerte en cada sociedad es un requisito imprescindible para entender esa forma de vida y toda una serie de comportamientos humanos.
La elevada mortalidad infantil, la desaparición de millares de personas por hambre, epidemias, guerras, inundaciones y cualquier género de desastres; la facilidad del fallecimiento “inexplicado”, por vagas enfermedades que no se localizan, son factores que llevan a una fácil aceptación colectiva de la muerte como algo que pertenece a la condición misma de la vida en su detalle, por tanto, dentro de su trama cotidiana, no como un telón de fondo que la limita en el futuro.
En otras formas de vida, en cambio, la muerte está más o menos “localizada”; se la contiene dentro de ciertas fronteras; las grandes calamidades parecen descartadas; se cuenta con que no habrá nunca hambre, ni peste, ni terremoto, ni –en algunas fases de la historia-guerra. La muerte se racionaliza, se reduce a medida; las compañías de seguro la prevén y calculan estadísticamente; y hasta para cada individuo aforan su probabilidad: una estipulación de su edad y un reconocimiento médico fijan el importe de la póliza que hay que pagar, es decir, la verosimilitud de la muerte. Cada defunción se explica, se sabe –o se pretende saber, al menos- por qué ha muerto cada hombre; del vago “dolor del costado” que acababa con tantas vidas hace medio milenio. Cada vida es defendida increíblemente más, se lucha con la muerte como si en principio fuese posible vencerla; donde antes se dejaba operar la guadaña, ahora se intentan remedios extraordinarios: operaciones, transfusiones, trasplante de órganos; los médicos vuelan en aviones hasta remotos pacientes; estos acuden de continente a continente en busca de hospitales famosos; los “pulmones de acero” van y vienen aceleradamente, compitiendo en velocidad con la muerte. Y a consecuencia de ello parece siempre, cada ve más, accidental y violenta, en vez de ser inevitable y natural. Todavía no podemos medir la transformación que esto va a producir en la sensibilidad vital, en el modo de sentirse instalado en la vida. Los hombres que vivimos hoy, al menos los que ya somos adultos, no nos sentimos demasiado afectados, porque estamos sometidos a las vigencias anteriores; dentro de pocos decenios, si otros factores no alteran esta situación, se verá la enorme transformación operada. Y hago esta restricción porque la amenaza de guerra y, sobre todo, de las armas atómicas está introduciendo en las mentes la noción de la probabilidad de muerte con una fuerza desconocida en Occidente desde hace siglos.
Un tema muy próximo, pero que habría que tomar independientemente y no en estricto paralelismo, es el valor que tiene la vida humana en cada sociedad, por tanto, la resistencia que ella provoca la acción violenta, sobre todo cuando tiene carácter individual, como el crimen; más aún cuando no es algo azaroso y accidental, sino simplemente deliberado y voluntario, como la pena de muerte. En grandes periodos de la historia accidental –para no buscar ejemplos lejanos- esta no ha tenido importancia; se ha aplicado con cierta liberalidad, pero, sobre todo, con perfecta naturalidad, como algo que está dentro del orden y acerca de lo cual no hay que hacer demasiadas alharacas.
¿Cuál es en cada sociedad la estimación de la vida? ¿Con cuánta imaginación o con qué mecánico automatismo se piensa en la muerte? Eso es probablemente lo decisivo, no una mera cuestión de la “crueldad” o “ternura” . Y como dijo el poeta: “¿Por qué todo el mundo se muere? / Es una pregunta tan tonta / que no hay sabio que se la plantee. / Ni hay Dios que la responda”.
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“Porque me voy separando
hasta de la soledad
en que me estaba quedando”.
José Bergamín.
A LOS NIÑOS SE LES AISLA CON ORDENADORES Y TELEVISIORES
La televisión y el ordenador de juegos han pasado a ser los compañeros inseparables de muchos niños. Esta distracción exige mantener una inmovilidad postural y un silencio absoluto. La consecuencia inmediata es un bloqueo de la visión y la audición. La automatización del niño y una inmadurez cerebral.
El niño actual pasa en su casa periodos prolongados de aislamiento rodeado de múltiples elementos de “compañía” o distracción. La televisión y el ordenador de juegos empiezan a transformarse en los verdaderos acompañantes de parte de la población infantil.
Pero tanto el televisor como el ordenador, cuando se utilizan diaria y continuadamente, facilitan la aparición en los niños de numerosos trastornos psicológicos y cambios de conductas que pueden llegar a transformarse en graves problemas psicopatológicos.
Las pantallas de televisores y ordenadores no sólo constituyen elementos de radiación de pequeña intensidad, sino que obligan al niño a mantener durante largos periodos de tiempo una especial inmovilidad y postura, a la vez que bloquean los analizadores perceptivos que impide la recepción de otros estímulos exteriores. En numerosos casos, como consecuencia de esta postura, se han producido situaciones de pre-hipnosis o sueño paradójico que llegan a modificar los trazados electroencefalográficos. Por otra parte, el ordenador infantil que suele utilizar programas de juegos competitivos, en realidad instiga a una competición entre la máquina programada y el niño, obligando a una permanente alertación, inmovilidad y rapidez progresiva de respuestas para algo que no contiene enseñanza alguna (no olvidemos que la enseñanza es meditación). Constituye, tan sólo un ejercicio de automatización estímulo-respuesta rígido, inmeditable (el pensamiento operacional se bloquea por innecesario), “antidialógico” e irreal. Al mismo tiempo se fuerza a una permanente rigidez postural ya que practican tan sólo, mínimos movimientos de dedos, mientras se mantiene silencio. Por otra parte, la mayoría de programas utilizados exigen respuestas bélicas agresivas, donde prima la destrucción y las normas éticas o solidarias no existen.
Un contingente en aumento de la población infantil es satisfecha, por no decir aislada de las relaciones familiares, mediante la facilitación de televisores y ordenadores de juegos. Durante diarios y prolongados espacios de tiempo, el niño solo, aislado en una habitación contempla incesantemente televisión o maneja juegos de ordenadores. Muchos de ellos comen o duermen con estos artefactos. Pero simultáneamente a esta educación electrónica el niño empieza a mostrar desviaciones de la conducta. Hablan poco, realmente también lloran poco, salvo cuando se le quiere suprimir su “compañero”, lo que les produce violentas reacciones agresivas que tienden al juego ritualizado y a una polarización afectiva fuera del campo de la relación social. Se muestran reservados, rígidos, poco afectuosos, enemigos de caricias y besos, silenciosos, con escaso interés por el mundo animado.
En realidad, la sustitución de los contactos e intercambios personales humanos por estas máquinas, parece favorecer una desorganización de los receptores sensoriales y cerebrales los cuales acaban solo filtrando y elaborando las estimulaciones sensoriales de fuentes electrónicas.
La sustitución o disminución del empleo de televisores y ordenadores en los niños con tendencias “electronicoadictivas” constituye la base para evitar parte de estos trastornos. La relación familiar, el juego y los contactos sociales junto a la actividad física y el conocimiento real del mundo determinan los fundamentos de la maduración infantil equilibrada. Y es que, como dijo el poeta: “Igual que cuando éramos niños / y jugábamos a perdernos / por largos pasillos y alcobas / de un enorme caserón viejo”.
Siempre podemos hacer algo por la paz y la libertad.
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“Estos que en sus poesías se apartaron
de la inventiva son historiadores
y poetas aquellos que inventaron.”
Juan de la Cueva.
LA VOZ DEL PRIMER DON JUAN
Tanto en poesía como en teatro, Juan de la Cueva representa el cruce de diversas corrientes propias del siglo XVI. Donde realmente encontramos al autor sevillano como figura esencial es el campo de la escena., si bien, en su teatro Cueva es un ejemplo más de la incertidumbre de aquella etapa, que intuía ya la nuevas formas escénicas, pero no acertaba a liberarse aún del lastre clásico. Su obra de mayor fama por motivos extrínsecos a ella misma es El infamador: en torno a su protagonista, presunto antecesor del Tenorio de Tirso y de Zorrilla, con la actuación final de Némesis, la diosa de la venganza, en vez de la estatua del comendador.
Nacido en Sevilla hacia el 1543 en el seno de una familia acomodada que procedía de la casa Albuquerque, según cuenta en Historia de la Cueva, este dramaturgo que nacionalizaría el teatro español pasó a México en 1574. Tres años más tarde regresaba a Sevilla, ciudad que con nostalgia cantará en los poemas escritos en tierra americana, para dedicarse a las letras. Vivió también en Canarias y Cuenca. Poco más se sabe de su vida pese a que gozó de gran fama: en el movedizo terreno de la leyenda se ha hablado de unos amores con Brígida Lucía de Belmonte, cuya muerte estuvo a punto de sumir al poeta en la locura. Murió hacia el 1610
En sus inicios Juan de la Cueva compone poemas petrarquistas de corte estoico; en metros tradicionales expresa mejor sus sentimientos amorosos, domésticos y literarios. Al abandonar en 1581 el teatro –entre 1579 y esa fecha compuso todas sus piezas- se lanzó muy decidido a la poesía con el Coro febeo de romances historiales (1588), donde se encuentran algunos dignos de Lope o Quevedo, la Conquista de la Bética (1603) sobre la liberación de Sevilla de Fernando III, la Historia de la Cueva, El viaje de Sannio, Los amores de Marta, Llanto de Venus en la muerte de Adonis y La Muracinda o Batalla entre ranas y ratones. De toda su obra poética lo más interesante hoy es el Exemplar poético.
Su producción dramática fue breve (14 piezas) y escrita en un lapso de tiempo muy corto: comenzó imitando a los clásicos con asuntos históricos o mitológicos como Tragedia de Ayaz Telamón, Tragedia de la muerte de Virginia y Comedia de la libertad de Roma por Mucio Escévola . Quizá el único mérito de estas piezas, además de insertar romances y ponerlos en boca de sus personajes, radique en haber tratado con gran libertad temas ya definidos y estructurados, en haberse desprendido de la imposición argumental. Al evolucionar, Cueva deja de orientarse hacia el mundo clásico para fijarse en la realidad más cercana de la historia nacional y sus crónicas, así inicia la apertura hacia un mundo nuevo en Tragedia de los siete infantes de Lara, Comedia de la libertad de España por Bernardo el Carpio, Tragedia de la muerte del rey don Sancho, Comedia del saco de Roma...; en estas piezas incrustó romances que el pueblo y espectador mismo conocía y cantaba con frecuencia. De ahí esa participación, ese contacto emotivo entre escenario y espectador, entre autor y auditorio. Cultivó también la comedia del tipo novelesco o de libre invención como La constancia de Arcelina, El viejo enamorado y El infamador.
Una obra de especial importancia de Juan de la Cueva es el Exemplar poético (1606) escrito en tercetos con la intención de hacer una preceptiva literaria en tres epístolas: la primera versa sobre el poeta, la segunda sobre los versos y la tercera sobre los géneros. Globalmente considerado, el Exemplar poético supone el primer manifiesto lopista; olvidando sus primeras obras, Cueva apuntaba teóricamente los caracteres del nuevo teatro, alabando los enredos, su carácter nacional, su independencia de las normas clásicas, la riqueza temática de las tramas y su variedad expositiva, la gracia de sus burlas, etcétera. Nos hallamos ante la preceptiva del siglo siguiente, la que hará triunfar Lope; muchos de los consejos que Cueva da, habían sido incumplidos por él, y si como autor no logró alzar a las tablas ideas tan hábiles, al menos como crítico pudo configurar todo un conjunto de reglas y cánones que habrían de ser obedecidas por los dramaturgos posteriores. Y como dijo nuestro poeta: “Cuando haya comedias, ve sujeto / al arte, y no al autor que la recita / no pueda el interés más que el sujeto. / Con el cuidado que es posible evita / que no sea siempre el fin de casamiento, / ni muerte, si es comedia, lo permita”.
Siempre podemos hacer algo por la paz y la libertad.
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“Ahora me vienes diciendo
que el tiempo pierdo contigo,
¿cómo se puede perder
lo que nunca se ha tenido?”.
Augusto Ferrán..
ES IMPORTANTE SABER SELECCIONAR NUESTRO TIEMPO
El tiempo es un recurso escaso, limitado e irreversible, testigo implacable de nuestras obras. Hablar de su gestión y de su empleo es tratar de nuestra vida.
El tiempo mal utilizado es el principal causante de la insatisfacción, la angustia y la depresión; lo que origina un comportamiento de huida que provoca el activismo (múltiples y variables actividades improductivas).
Nuestra sociedad se caracteriza por una impresión generalizada de falta de tiempo. El fenómeno es relativamente reciente y somos la primera generación en acusar ese problema. Con la aceleración del tiempo se crea una situación social de estrés negativo, cuya consecuencia inmediata es una sensible disminución de la calidad de vida.
La abundancia de información –ordenadores, telecomunicaciones- nos crea nuevas necesidades que nos somete a trabajar sin poder discernir las prioridades y nos produce un estancamiento general debido a la aceleración del ritmo de trabajo.
La reciente encuesta realizada por el Institut de l’Expansión, especialista europeo en la gestión del tiempo, nos muestra que un directivo es interrumpido cada siete minutos en su trabajo. Al vivir en esta dispersión y atomización del tiempo, en una cronología de instantes (activismo), perdemos el sentido de la acción. Saber lo que hemos hecho es una cuestión de sentido, de imagen global.
Cuando vivimos día tras día este tipo de situaciones, por la noche solemos tener la sensación de haber hecho muchas cosas, pero sin sentido real, acompañado de una sensación de vacío.
Frente a este fenómeno, y para poder enfocar cualquier situación, es necesario desarrollar la capacidad de poder estructurar nuestro empleo del tiempo, no solamente en eficacia, sino también en disponibilidad.
También es importante saber seleccionar nuestro tiempo y dar prioridad a determinadas cosas. No es la función, ni la presión, ni el puesto de trabajo lo que define la estructura del tiempo; sino el enfoque que cada uno tiene de su puesto y la función y la forma en la que concibe su papel.
Hoy, ser eficaz es gestionar el flujo del trabajo con más inteligencia que los demás, sabiendo elegir entre aquellas acciones que producen mayor impacto.
Debemos reapropiarnos de nuestro tiempo y dirigirlo en función de lo que queremos ser y realizar.
Hay que pasar de esta situación de tensión penosa a un estado de serenidad y, a la vez, de mayor eficacia. La presión del tiempo reduce el horizonte temporal y nos hace sentir impotentes incluso en las cosas importantes.
La buena gestión del tiempo es un ejercicio de determinación, reflexión y creatividad. Para ello, hay que saber distribuir los tiempos de los que disponemos: los necesarios, que son las preparaciones de reuniones, expedientes para los clientes, etc., y el tiempo de creación, que suele ser el que más nos gusta y es en este tipo de tiempo donde el inventor inventa, el vendedor vende, etc.. Este suele representar el 30% del tiempo total del trabajo; el secreto para conseguirlo consiste en generar tiempo de creación, transformando lo obligado en creativo para ser el creador de nuestro tiempo y de nuestra vida. Y como dijo el poeta: “El tiempo no es lo que importa: / lo que importa es que la vida / con el tiempo se te acorta”.
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“-Al cinema al aire libre,
hijo, nunca has de volver,
que la mar en el cinema
no es la mar y la mar es.”
Rafael Alberti.
LOS QUE HACEN EL CINE
Cuando se habla del cine como industria proveedora del “entretenimiento” se piensa siempre, o casi siempre, en Hollywood. En algún sentido, pues, Hollywood ha sido la Meca del cine. Pero, a diferencia de la Meca musulmana, ha habido, y hay, numerosas Mecas cinematográficas, incluyendo algunas que, dentro de muy otros mareos económicos y sociales, ha impuesto, e impone su sello y su poder a todos los que aspiran hacer cine y a hacerlo accesible a un público, por “distinguido” que éste sea.
La situación de la producción cinematográfica es de vez en cuando algo más favorable para los cineastas que aspiran a crear obras de arte, pero no es comparable a la de los cultivadores de otras artes. Aunque en más de un sentido Hollywood – y ello vale para los diversos Hollywood más o menos enmascarados que aún colean- practica la casi ya tradicional política de surtir el mercado con los productos más en demanda, incluyendo muchos que antaño parecían sospechosos, o, en el sentido literal de este término, contraproducentes. Por si fuera poco, los grandes empresarios siguen gozando de salud espléndida; los llamados “productores independientes” se han multiplicado y han demostrado que se pueden hacer películas sin echar la casa por la ventana, pero aun entonces se encuentran inermes sin espaldarazos económicos y sin el apoyo de algún sistema de distribución falto del cual los esfuerzos del cineasta son penas de amor perdidas.
Y es que, por barata que cueste une película resulta siempre cara, y es excepcional que una sola persona, que sea, además, la que puede emprenderla, consiga financiarla.
Nada de ello quiere decir que no se pueden hacer películas sin concesiones, o que no quepa hacer exactamente lo contrario de dar gato por liebre: dar liebre por gato. Esto se ha hecho repetidamente y hasta con éxito, o cuando menos no fracaso, económico. Sin embargo, el cine ha sido hasta el presente más frecuentemente mediatizado que otras artes –mediatizado, no sólo como ocurre con todas las artes, condicionado por, e imbricado con, factores extraartísticos-. En la gran mayoría de los casos, hacer cine es hacer frente a una serie inacabable de barreras que no sirven ni siquiera para estimular a un talento creador.
Ahora bien, suponiendo que todas estas dificultades se resolviesen y suponiendo que los llamados “productores” en el cine –fuesen personas, empresas comerciales, instituciones estatales o cooperativas- se limitasen a proporcionar las bases económicas para la producción de películas y hacer menos selváticas y errabunda su distribución todavía no quedaría bien claro quién hace las películas.
Responder el “cineasta”, o el director, sería respuesta discreta si no se supiera cuántas cosas, en el mejor de los casos, no hace –ni, en puridad, puede hacer-. Por supuesto que se puede concebir a un “director ideal” que lo hiciera todo: escribir el guión, elegir el escenario, dirigir a los actores, manejar la cámara, grabar y sincronizar el sonido, montar la cinta, etc. Pero aparte de que fuera así no lo haría tampoco “todo” –pues no hay duda de que los actores, aun muy estrechamente vigilados o controlados hacen algo-, sería insensato exigir semejante director “ideal”.
Por otro lado, responder a la susodicha pregunta diciendo que una película la han hecho todos y cada uno de los que figuran en las fichas técnica y artística (amén de otros que pueden figurar en ellas) no es suficiente, primero porque aun entonces, si bien sabemos quién ha hecho qué, no sabemos todavía qué ha hecho en función de la obra resultante; no todo lo que hacen cada uno de los que colaboran en una película está en ella. Afirmar que una obra de arte ha sido producida por un “equipo” sin dirección alguna es suponer que ha surgido por una especie de generación espontánea.
En virtud de todo lo cual empezamos a sospechar que la pregunta “¿Quién hace el cine?” no tiene respuesta definida o definitiva. ¿Para qué preguntar, pues, quien hace las películas? A lo sumo cabe preguntar quién y, sobre todo, quiénes han hecho tal o cual película y no esperar que no se dé en cada caso una respuesta general, aplicable a todo. Y es que cómo dijo el poeta: “Mi hacer y tu hacer / son dos haceres en uno / y siempre estamos riñendo / por si es mío o por si es tuyo”.
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“Encinas,
en campo bravío.
Olivos,
en campo sumiso.”
José María Hinojosa.
UN PAISAJE CONSUSTANCIAL A ANDALUCIA
La dehesa es un tipo de explotación creada por la transformación del monte originario con una producción mixta, forestal, agrícola y ganadera. Definidoras en buena parte del paisaje andaluz. Las dehesas ocupan en Andalucía una superficie de unas 780.000 hectáreas. La mayor parte de ellas se extiende por Sierra Morena y las serranías gaditanas, aunque también aparece de forma esporádica en otras zonas de las sierras Subbéticas e incluso en la campiña.
Las dehesas se encuentran desde el nivel del mar hasta los 1.000 metros de altitud, con un óptimo entre los 300 y 500 metros. La pluviometría anual varía entre los 400 y los 800 milímetros. Ocupan fundamentalmente áreas pizarrosas y graníticas, con suelos pocos profundos y ácidos, debido en gran medida a que las áreas más fértiles de sedimentos terciarios y aluviales han sido dedicadas a producciones agrícolas.
El arbolado de la dehesa está constituido fundamentalmente por la encina y el alcornoque, bien como masas monoespecíficas o bien mezclados; pero se pueden encontrar otras especies con una menor representación: el quejigo, en zonas de mayor pluviometría; el castaño, característico de determinadas dehesas de la sierra de Aracena y Ronda; el acebuche que constituye en Cádiz y en la Sierra de Antequera un modelo único de dehesa de alto valor ecológico.
La densidad de arbolado oscila entre los 20 y los 50 pies por hectáreas, variando con la edad y la pendiente del terreno, pero siempre protegiendo el suelo de la erosión y garantizando un máximo de productos y utilidades.
El sotobosque de la dehesa varía con el destino final de la producción y el estado silvícola en el que en que se encuentra. En las dehesas con cultivo agrícola, el matorral es eliminado por laboreo. En otras, el matorral más representativo está compuesto por jaras, retamas y aulagas que llegan a invadir el pastizal por abandono del pastoreo: un proceso, llamado de matorralización muy común a partir de la crisis de las actividades tradicionales y que amenazan con destruir este ecosistema.
El ganado que pastorea las dehesas está formado por razas que han evolucionado de forma paralela a la del arbolado, adaptándose a dicho medio.
El vacuno está representado por las razas retinta, avileña y morucha, que normalmente se cruzan con especies de mayor producción cárnica para la obtención de terneros. La raza ovina característica fue la merina hasta el hundimiento del mercado de la lana. El caprino está representado por las razas verata, retinta y serrana, con producción mixta leche-carne.
Pero el aprovechamiento más eficiente y tradicional de la dehesa es el realizado por el cerdo ibérico que experimentó una importante disminución como consecuencia de la aparición, en 1960, de la peste porcina.
Gran parte del futuro mantenimiento de estos espacios forestales dependerá de la definitiva recuperación de este uso tradicional.
Por otra parte, la dehesa tiene una serie de producciones múltiples asociadas que la convierten en un sistema agro-forestal único en Europa: leña, carbón vegetal, corcho, productos agrícolas, hongos... Abundan asimismo las especies de carácter cinegético como el ciervo, el jabalí, el conejo o la perdiz, cuya caza supone no pocos ingresos, que superan a veces los obtenidos por el aprovechamiento ganadero.
Los tiempos más recientes han visto como gran parte de los recursos tradicionales de la dehesa han entrado en crisis. Esta decadencia, sin embargo, no es inevitable; la dehesa no ha sido nunca un sistema inmóvil y ahora también puede favorecerse de la introducción de mejores tecnologías en muchos de sus aprovechamientos, para alcanzar un sistema más productivo aún que el tradicional pero donde sigan en equilibrio estable las funciones de explotación de los recursos y su conservación. Y como dijo el poeta: “No hay árbol de esta dehesa / que no recuerde tu voz / cuando lloraba de pena. / No hay una hojita siquiera / que no tiemble al recordarlo / como tiemblan las estrellas”.
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“¿Cuándo ha de ser que la muerte no tema?
Eso será cuando en tu amor me inflame.
Previo es tener en muy poco a la vida
y que por Ti la menosprecie entera.”
Ausiàs March.
LA VOZ EMOCIONADA DE UN GRAN TROVADOR
Ausiàs March nace en Gandía , en el reino de Valencia, hacia 1397 y muere en Valencia el 4 de noviembre de 1459. Pertenecía a la rama valenciana de una familia catalana, los March, de fuerte tradición literaria. Además nuestro poeta se casó con Isabel Martorell, hermana de otro gran autor valenciano, Joanot, quien escribió la novela de caballería Tirant lo Blanch, pero el matrimonio duró apenas tres años por muerte de la esposa; muerte que motivó un pleito contra March por parte de uno de sus cuñados.
March mantuvo por largos años el título de halconero mayor de Alfonso el Magnánimo. Título algo más que honorífico porque parece que gustó intensamente de este deporte nobiliario. Se casó cuarentón tuvo unos cuantos hijos naturales y amó, no sabemos con qué constancia a una o varias amadas imposibles. De una de ellas conservó el sabor de ceniza, el gusto de la muerte. De otra, la decepción de encontrarla demasiado viva. La verdadera amada, fue, probablemente la invención.
March es el mejor poeta de la literatura catalana antigua. Su obra poética, formada por 128 cants, la abonan tres influencias: la de los trovadores, cuyos versos había encontrado en la biblioteca de su padre Pere March; la aristotélica y escolástica y la de la poesía trascendentista italiana. Cuando March contempla el amor, la mujer no es el ideal aquel de los trovadores, sino algo humano, real, que tiene contactos con el mundo y la religión; de ese acercamiento nace la distinción entre el amor verdadero y el falso, entre la sensualidad y la sensatez, o dama “plena de seny”. Los Cants d’amor en que celebra a Teresa Bou, a quien como Petrarca a Laura conoció en una iglesia el día de Viernes Santo, aúnan amor y religiosidad. En los Cants de mort la muerte es aludida como una amenaza o peligro, pero luego surge el temor por motivos derivados de su platonismo erótico, ya que al morir, morirá el dolor en que el enamorado se satisface: canto de amor, dolor y muerte, cuando fallece la amada; en vez de resolverse en cólera.
Actualmente se conserva un corpus de poesía marquiana de unos diez mil versos. La gran edición de Amedée Pagés, Les obres d’Auziàs March, (1912), consiguió enumerar todos los poemas y eliminar la clasificación temática que se venía utilizando desde el Renacimiento.
Entre los poetas de indudable influencia marquiana se encuentran: Boscán, Garcilaso, Fray Luis de León, Gutierre de Cetina, y Fernando de Herrera. Honorato Juan, Obispo de Osma, hacía leer las poesías de March al príncipe Don Carlos, hijo de Felipe II.
March es más poeta de autoanálisis emocional que de elogio de su amada o amadas. “Poesía de hueso vivo”, se ha dicho que era su poesía. Sus versos son mucho más que poemas de amor. March dedicó la mayor parte de su esfuerzo poético al intento de comprender sus pasiones. Su obra rezuma elucubración aristotelizante y senequista, si bien, se nota la influencia poética de Dante y Petrarca, amén de los trovadores provenzales que representan la vena principal de la que se nutre su poesía. Dentro de la literatura en catalán hay que mencionar la influencia de Ramón Llull y quizá también la del predicador valenciano San Vicente Ferrer cuyas prédicas, March había oído cuando mozo.
Menéndez Pelayo calificó a March de gran poeta, pero poeta incompleto. Lo encontraba demasiado unilateral en su voluntad analista. Pero también reconoció el polígrafo santanderino que era un poeta romántico avant la lettre dada la intensidad emocional de sus imágenes.
Un aspecto importantísimo de la obra de March es nada menos que el de sus relaciones con las mujeres. La transformación de una poesía lírica más o menos emocional en una poesía tan intensamente psicológica y analítica no ha sido explicada suficientemente. Hay que esperar que ahora que el feminismo ha abierto para la crítica nuevas avenidas se considere esa poesía sin pudores ni prejuicios.
March empezó a poetizar utilizando el catalán y fue después de Llull el primer poeta que abandonó la lengua de sus maestros: ese provenzal que se mantenía gracias al esnobismo de nobles y burgueses y gracias a los esfuerzos titánicos de maestrillos, autores de Trejimanes y reglas de trovar, e ilustres miembros del Consistorio de la “Gaia Ciencia”. Sin base popular, el andamiaje provenzal cayó por su peso. Es lógico creer que la causa fue la inanidad de que se cultive una poesía en una lengua que ya no se habla, aunque ello no implique negarle a March el mérito de haber sido quien le dio el golpe de gracia.
March es uno de los poetas más vibrantes y complejos de nuestro país, en sus versos suele hallarse un abstruso y sutil filósofo, un gran psicólogo, de raigambre tomística. Por eso ha dicho el profesor Pagés que “su poesía, para ser comprendida del todo, exige una verdadera iniciación”, algo por el estilo de lo que ocurre con Dante si es lícita la comparación. Y como dijo el poeta valenciano. “Se le conoce a Amor por sus efectos. / Su cantidad no es demasiado exacta: / gran amador, para tal otro es chico / y toma Amor poder según dónde entre”.
Siempre podemos hacer algo por la paz y la libertad.
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LA SOCIEDAD DEL TIEMPO LIBERADO POR FRANCISCO ARIAS SOLIS
by
LA SOCIEDAD DEL TIEMPO LIBERADO
“El tiempo que ibas contando
por años, meses y días,
por horas y por minutos,
era el tiempo que perdías.”
José Bergamín.
LA CULTURA DEL TIEMPO DISPONIBLE
Desde el comienzo de la sociedad moderna, no ha dejado de plantearse una misma cuestión en las sociedades occidentales: ¿en qué medida es compatible la racionalidad económica con el mínimo de cohesión económica que una sociedad necesita para sobrevivir? Hoy se plantea este mismo problema bajo nuevos aspectos, con una actualidad y agudeza crecientes.
En el conjunto de los países de la Unión Europea se producen hoy tres o cuatro veces más riquezas que hace cincuenta años. Sin embargo, tal producción más que triplicada no precisa tres veces más horas de trabajo. Exige una cantidad de trabajo mucho más reducida.
En Alemania el volumen total por año de trabajo ha disminuido un 35 por ciento. En Francia lo ha hecho en un 20 por ciento en cuarenta años y un 10 por ciento en los seis últimos años. De aquí en adelante, se nos dice, que los franceses mayores de 15 años pasarán menos tiempo en el trabajo de lo que pasan viendo la televisión.
El sentido de tales cifras –sentido al que nuestra civilización y nuestros representantes políticos prefieren no enfrentarse- implica que ya no vivimos en una sociedad de productores, en una civilización del trabajo. Este no es ya el principal cimiento social, ni el principal factor de socialización, ni la ocupación principal de cada uno, ni la principal fuente de riquezas y bienestar, ni tampoco el sentido y centro de nuestras vidas. Salimos de esto de espaldas y de espaldas nos adentramos en una civilización de tiempo liberado, incapaces de verla y de quererla, e incapaces entonces de civilizar el tiempo liberado que no has tocado, incapaces de fundar una cultura del tiempo disponible y una cultura de las actividades elegidas para reemplazar y completar las culturas técnicas y profesionales que dominan la escena. En nuestro discurso, todo continúa dominado por la eficiencia..., la preocupación, en definitiva, de obtener el mayor resultado posible con el mínimo trabajo en el mínimo de tiempo. Y parecemos decididos a ignorar que nuestros esfuerzos de eficacia, de racionalización económica, tienen como consecuencia principal un resultado que dicha racionalidad económica no podrá evaluar ni dotar de sentido: la liberación del trabajo, la liberación de nuestro tiempo y la liberación del reinado de la propia racionalidad económica.
Esta incapacidad de nuestras sociedades de fundar una sociedad del tiempo liberado tiene como consecuencia una distribución completamente absurda y escandalosamente injusta del trabajo, del tiempo disponible y de las riquezas. Nuestra mayor atención recae sobre las nuevas vías que abre la revolución microelectrónica y sobre las transformaciones fundamentales que suponen en la naturaleza del trabajo industrial y, sobre todo, en las condiciones de los trabajadores. Se nos dice que las tareas repetitivas y de pura ejecución tienden a desaparecer de la industria; que el trabajo industrial tiende a convertirse en un trabajo interesante, responsable, auto-organizado, diversificado, que exige individuos autónomos capaces de iniciativa y capaces de comunicar, de aprender y de manejar una variedad de disciplina intelectuales y manuales. Un nuevo artesanado, se nos dice, está tomando el relevo de la antigua clase trabajadora y realizando su viejo sueño: los productores tienen el poder sobre los departamentos de producción y en ellos organizan soberanamente, su trabajo.
Y si preguntamos. ¿Qué proporción de asalariados accede entonces a esta nueva condición? Se nos responde así: hoy en día, se trata tan sólo de un 5 a un 10 por ciento de trabajadores de la industria, pero mañana serán más del 25 por ciento, porcentaje que en las industrias metalúrgicas alcanzará del 40 al 50 por ciento.
Muy bien. Pero ¿qué sucederá con el 75 por ciento de los empleados de la industria, el 50 o 60 por ciento de la metalurgia, que no accederá a esta envidiable situación que acabamos de describir? ¿Qué sucede con aquellos y aquellas que no trabajan en la industria? ¿No son éstos cada vez más numerosos? ¿No despide la industria mano de obra, no reduce, a medio y largo plazo sus efectivos? ¿No ha descendido la proporción de la población activa empleada en la industria alrededor de un 40 por ciento hace veinte años, alrededor del 30 por ciento actualmente y no se prevé que representará menos del 18 por ciento en una decena de años? ¿Qué sucede entonces con esta mano de obra que la industria “libera” , si puede decirse así, para no conservar sino estos preciados profesionales polivalentes a los que, para mantenerlos, se les ofrece un tratamiento y una situación privilegiados?
Conocemos las respuestas a estas preguntas, pero preferimos no ver el significado doloroso, desolador. En efecto, para casi la mitad de la población activa, la ideología del trabajo es una maldita farsa, la identificación con el trabajo algo imposible, pues el sistema económico no tiene necesidad, o tiene una necesidad esporádica, de su capacidad de trabajo. La realidad que nos ocultan la exaltación de los “recursos humanos” y la exaltación del trabajo de los nuevos profesionales es que el empleo estable, de jornada completa, durante todo el año y toda la vida activa, se convierte en el privilegio de una minoría, y que para casi la mitad de la población activa el trabajo ha dejado de ser un instrumento que les integra en una comunidad productiva y define su puesto en la sociedad. Y como dijo el poeta: “¿Qué quieres que yo te diga / que no sea un mal decir / de tu suerte y de la mía?”.
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“Tu mayor felicidad es la tentación;
y así cuando más te apretase, has de alegrarte con paz...
Finalmente has de saber que la mayor tentación
es estar sin tentación.”
Miguel de Molinos.
LA VOZ DEL ULTIMO GRAN MISTICO ESPAÑOL
En medio de un siglo eminentemente retórico como es el siglo XVII sorprende el surgimiento de esta adalid de silencio que es Miguel de Molinos, y quizá ahí hay que buscar la causa de que tradicionalmente se la haya considerado un solitario que, en mitad de una sociedad por excelencia habladora, se dedicó a predicar la paz, la quietud interior y la nada.
Miguel de Molinos nació en Muniesa, provincia de Teruel, en 1628, y murió en Roma el 28 de diciembre de1696. Fue bautizado el 29 de junio de 1628. Hasta 1646 en que obtiene un beneficio en la iglesia de San Andrés de Valencia, nada se sabe de él. A partir de ese año estudiará con los jesuitas en el colegio de San Pablo de aquella ciudad, ordenándose sacerdote en 1652, pero sin que apenas se conozca nada tampoco de sus actividades en Valencia. Súbitamente, y sin que se sepan las razones, en 1663 es designado procurador en Roma de los tres Estados de Valencia, con el fin de promover el proceso de beatificación del sacerdote valenciano Francisco Jerónimo Simón de Rojas.
El viaje a Roma y su estancia en aquella ciudad van a convertirse en algo decisivo en su vida. Sabemos que perteneció a la cofradía española de la Escuela de Cristo, donde tendrá influencia extraordinaria; su prestigio en los medios romanos se verá rapidísimamente aumentando hasta alcanzar la confianza o la admiración de gentes como el cardenal d’Estrées. Su actividad en esos años se centra en la dirección espiritual, en la predicación y en el diálogo. Cuando en 1675 Molinos publica su Guía espiritual, su fama ya extraordinaria, irá en creciente aumento hasta 1685 en que, inesperadamente, es prendido por el Tribunal de la Inquisición y se le somete a proceso; dura éste dos años, dictándose sentencia condenatoria en 1687. Sobre la base de haberse encontrado en sus escritos 68 proposiciones heréticas, sacadas de su correspondencia –hoy perdida- y no de sus libros. Las proposiciones citadas está en la Constitución Coelistis Pastor del mismo año, y en ella se dice que se las condena por “heréticas, sospechosas, erróneas, escandalosas, blasfemas, ofensivas a los piadosos oídos, temerarias, rebajadoras de la disciplina cristiana, subversivas y sediciosas”. Una condenación tan brutal obligó al reo a abjurar de sus doctrinas, en un acto solemne que tuvo lugar en Santa María Sopra Minerva. A partir de entonces –y durante los años que todavía le quedaban hasta su muerte-, su vida se fue extinguiendo en las cárceles de la Inquisición romana, mientras su fama y su doctrina se extendía por toda Europa.
Su Guía espiritual enuncia el quietismo, doctrina heterodoxa según la Iglesia. Molinos defiende la despreocupación total del ser, que ha de entregarse sin más cuidado a la meditación, a la contemplación simple y pura de Dios; el alma debe permanecer quieta, solamente quieta, porque Dios hará lo demás. Aunque el quietismo influyó poco en España, en Francia gozó de extraordinario eco y fue motivo para más de una polémica célebre como la que enfrentó a Fénelon y a Bossuet.
La obra de Molinos no es muy extensa . Aparte de la Guía espiritual, que es sin duda su obra fundamental, el mismo año publica un Breve tratado de la comunión cotidiana. Es autor también de las Cartas a un caballero español desengañado para animarle a tener oración mental y de una Defensa de la contemplación, inédita hasta hace unos años.
El objetivo central de la Guía espiritual es una defensa de la oración de quietud como medio para alcanzar la unión mística. Para Molinos, la mística es ciencia de experiencia y de sentimiento que “no entra en el alma por los oídos, ni por la continua lección de los libros, sino por la liberal infusión del espíritu divino, cuya gracia se comunica con regaladísima intimidad a los sencillos y pequeños”.
A la paz y a la quietud interior sólo se llega mediante la total y perfecta abnegación de sí mismo, para lo cual nada más provechoso que las angustias y tormentos espirituales para los cuales el alma no debe buscar consuelos sensibles, sino “encerrarse y sumergirse en la nada”. Molinos culmina su obra con una continua poética exaltación de la nada, en los siguientes términos: “El camino para llegar a aquel alto estado del ánimo reformado, por donde inmediatamente se llega al sumo bien, a nuestro primer origen y suma paz, es la nada...Últimamente no mires nada, no desees nada, no quieras nada, no solicites saber nada, y en todo vivirá tu alma con quietud y gozo descansada. Este es el camino para alcanzar la pureza del alma, la perfecta contemplación y la interior paz”.
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FORO LIBRE
ASOCIACION CULTURAL, ARTISTICA Y LITERARIA
Francisco Arias Solís - Presidente ~ Plaza San Severiano, 2 ~ 11007 – CADIZ
e-mail: pazylibertad@arrakis.es
URL: http://www.arrakis.es/~aarias
“¡El tiempo esa distancia de la vida
que es la misma existencia que se va!...
La distancia, ese tiempo del espacio...
¡Terrible dualidad!”
Blanca de los Ríos.
HOMENAJE DE FORO LIBRE A BLANCA DE LOS RIOS
El próximo lunes, día 9, a las 20.30 horas, en la cafetería-restaurante El Cantábrico (Avda. Cayetano del Toro, 21, Cádiz), la Asociación Cultural, Artística y Literaria FORO LIBRE celebrará un encuentro literario sobre la vida y la obra de la poetisa, escritora y crítica literaria sevillana Blanca de los Ríos (1862-1956), con motivo del 50º aniversario de su muerte.
A Blanca de los Ríos hay que acudir cuando se trata de explicar el teatro de Tirso de Molina, porque “las mujeres de Tirso”, vestidas de hombre, son heroínas de Fray Gabriel Téllez y creaciones, que fueron desenmascaradas, casi diríamos desnudadas por la poetisa Blanca de los Ríos, a las que volvió a dar vida.
A los diecisiete años Blanca escribe un Romancero de Don Jaime el Conquistador. Son veintiún romances pero la erudición ya es la gran vocación de la joven poetisa y a los romances acompañan notas eruditas sobre personajes y objetos. En su Nuevo Teatro Crítico Emilia Pardo Bazán elogia el estilo literario de la autora del Romancero. Son los años en que Blanca de los Ríos cultiva la novela y el cuento: Melita Palma, La niña de Sanabria, La Rondeña. Y publica además del Romancero otros volúmenes de versos: La novia del marinero, Esperanzas y recuerdos. Colabora en varias revistas y periódicos: El Correo de la Moda, Madrid Cómico, La Ilustración Española y Americana, Blanco y Negro, La Enseñanza Moderna son algunas de las revistas, y El Imparcial, La Epoca y El Nuevo Mundo, las cabeceras de los periódicos en los que podían leerse sus artículos. Creó en 1918 y dirigió hasta su desaparición en 1930 la revista Raza Española y dentro de la escuela de un Menéndez Pelayo, ella es el nombre de mujer a situar junto a Rodríguez Marín, Asín, Menéndez y Pidal, Serrano y Sanz y tanto otros.
En 1941, un grupo de admiradoras de la ya entonces prestigiada y conocida mujer intelectual –periodista, conferenciante, crítica y editora, novelista y poetisa-, da a la estampa un volumen de poesías olvidadas que no fueron incorporadas a los tomos de sus Obras Completas, bajo el título no muy afortunado de ¿Vida o sueño? Rimas. En este libro poético destaca “Carta a Florencia”. Es su poema de más amplias resonancias literarias: “Patria del pensamiento y la armonía / por madre te escogiera, ¡oh mi Florencia! / si no fuera Sevilla madre mía”.
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“¿Qué hacemus, Pepe?
Lu que te dé la gana.
Daremus una vuelta a la manzana.”
Ricardo de la Vega
UN SAINETE LIRICO CON UN ÉXITO SIN PRECEDENTE
Los finales del siglo XIX suponen un cambio de vida, un paso hacia las ideas llamadas modernistas, en las letras y las artes, y también en las costumbres.
En las postrimerías de ese siglo no se concebía que un madrileño no hubiese asistido a alguna representación en el famoso teatro Apolo, sobre todo, a la función llamada “cuarta de Apolo”. Función que solía empezar cerca de la una de la madrugada y venía constituir como la apoteosis del género chico.
El calificativo de chico procede de la brevedad de las obras teatrales que se representaban en un teatro por sesiones, teatro que se hizo grande por su calidad Estas obras de tipo popular con aire costumbrista eran un fiel reflejo de su propia época, de su estilo de vida peculiar y característico.
La Verbena de la Paloma es un sainete lírico en un acto y tres cuadros. El libro es de Ricardo de la Vega y la música del maestro Tomás Bretón. Se estrenó en Madrid, en el teatro Apolo, catedral del género chico, en la noche del 17 de febrero de 1894.
La obra fue representada por magníficos artistas: Irene y Leocadia Alba hicieron los personajes de Casta y Rita; Emilio Mesejo hizo el personaje de Julián; el de don Hilarión, Manuel Rodríguez y Susana, Luisa Campos.
La obra de Ricardo de la Vega fue abundante, aunque desigual, destacando entre sus obras A casarse tocan, El señor Luis el tumbón, Pepa la frescachona, De Getafe al Paraíso, pero de todas las que dio la inmortalidad fue La Verbena. La acción de los personajes de La Verbena, envuelta o mezclada con la música expresiva y deliciosa del maestro Bretón, llegaba a la entraña del pueblo. El estreno fue un clamoroso éxito popular.
Es el momento en el que afloran a la sociedad, acompañadas de un hálito de esperanza, la ciencia y la técnica. Aquello de. “¡Julián, que tiés madre!, hoy las ciencias adelantan que es una barbaridad”, era del repertorio popular. También se hizo muy popular el diálogo de los dos guardias que se iniciaba con la pregunta: “¿Qué hacemus, Pepe? “.
La Verbena de la Paloma tuvo un éxito inesperado y sin precedente en su tiempo, porque supo llegar a lo más profundo del corazón humano. Es la eterna historia a través de la gracia de unas chulapas y de unos tipos inolvidables que pasaron a la posteridad.
El maestro Bretón estudió con amor e interés el sainete. El día del estreno, Bretón, hombre tímido y modesto, no las tenía todas consigo y en el momento de tomar la batuta para comenzar la representación exclamó tristemente:: “Me parece que en esta ocasión me he equivocado”.
El maestro Bretón, al que tanto le acompañaba la cabellera para dirigir la orquesta, lo hizo con una entrega total. Los aplausos sonaron atronadores en toda la sala del teatro Apolo toda la noche.
Después de 112 años La Verbena de la Paloma sigue deleitando a muchísimos españoles aficionados al género chico, de aquel Madrid, también chico, del que diría el poeta: “Madrid grande de España te han nombrado. / A mí más me gustaba cuando chico: / que ahora con presunción de nuevo rico, / me parece más pobre que agrandado”.
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MARGINADOS POR LA ENFERMEDAD POR FRANCISCO ARIAS SOLIS
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MARGINADOS POR LA ENFERMEDAD
“El corazón es puerta
que se abre y se cierra.”
Miguel Hernández.
UN FENÓMENO PROVOCADO NUEVAMENTE POR LA APARICION DEL SIDA
Debemos asumir de una vez por toda que la infección por el VIH (virus de la inmunodeficiencia humana) y el conjunto de síntomas que puede provocar, conocido como SIDA (Síndrome de Inmunodeficiencia Adquirida), no ha de ser exclusiva preocupación para los llamados grupos de riesgo, más o menos promiscuos en sus “relaciones sexuales” o más o menos “enganchados” a ciertos tipos de drogas de administración intravenosa. Se ha llegado a un punto en el cual todos y cada uno de nosotros se siente o se sentirá, sin duda, influido por el virus del SIDA en sus relaciones personales, profesionales o, simplemente, en su inquietud por sentirse informado en el mundo en el que vive.
La aparición de SIDA ha provocado un fenómeno que parecía estar erradicado, la marginación y el rechazo social por padecer una enfermedad. Este fenómeno no tendría que existir una vez que se haya comprendido que estamos conviviendo con el VIH en múltiples esferas de nuestra vida, y aprendamos a evitar el contagio de una forma sencilla y sin tragedia, del mismo modo que lo hemos hecho con otras muchas enfermedades.
Existen unas formas evidentes de transmisión del VIH: compartir agujas con seropositivos (personas que han estado en contacto con el VIH, tengan o no el SIDA); de la madre al hijo en el momento del parto; por transfusiones de sangre y derivados que estén contaminados; en trasplantes de órganos de personas infectadas; y por determinadas prácticas sexuales con una persona, de nuestro mismo sexo o del contrario, que esté infectada. Asimismo, no existe la evidencia de transmisión por picaduras de insectos; por compartir objetos o utensilios en reuniones o comidas; por contactos casuales y afectivos en las relaciones sociales cotidianas; por la saliva; o por los alimentos.
Las normas de higiene no tienen por qué ser más estrictas cuando se convive provisional o continuamente con una persona seropositiva que cuando se vive con alguien que padece hepatitis, tuberculosis o gripe.
En cuanto a las personas infectadas con el VIH deberían plantearse, desde el momento que se enteren, una vida sana, pero como esto no es fácil debemos decir que no está demostrado que dejar de fumar influya en la evolución de la enfermedad. Asimismo, no se cree que el consumo moderado de alcohol empeore el proceso o provoque la aparición de síntomas. Debe ser el médico quien considere si debe suprimirse totalmente el alcohol por si fuera incompatible con el fármaco que puede tomar o por otros motivos que él considere. No es preciso indicar que debe suprimirse todo tipo de drogas por vía intravenosa y evitar todo lo que se pueda su consumo por otras vías.
Por otra parte, no hay motivo para que los seropositivos sean rechazados en sus centros de estudios o de trabajo: El rendimiento laboral de un seropositivo no afecta tanto como el de quien tiene un catarro. El riesgo de contagio en los centros de trabajo y en los colegios es prácticamente nulo. Una educación sanitaria rigurosa impedirá en muchos casos la aparición de temores infundados que normalmente desembocan en situaciones morbosas de marginación y odio. Y como dijo el poeta: “Quita el querer, y verás / como solo encuentras / odio en todo lo demás”.
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EMETERIO GUTIERREZ ALBELO POR FRANCISCO ARIAS SOLIS
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EMETERIO GUTIERREZ ALBELO
(1905-1969)
“Me encontraba escribiendo
una carta angustiosa.
Sin dirección y sin destino ciertos.
Una carta sin nombre
y –acaso-
sin texto.”
Emeterio Gutiérrez Albelo.
LA VOZ SURREALISTA
“Me encontraba escribiendo” es el poema antepenúltimo de Enigma del invitado (1936), en este libro de Gutiérrez Albelo se dan todos los elementos que favorecen la creación del clima surrealista. El poema citado resume en cierto sentido las tensas situaciones del absurdo en que el personaje poético del Enigma del invitado, se encuentra a lo largo de todo el libro. Se halla, así, finalmente en un “encierro” angustioso, a oscuras, en el que escribe un texto imposible: una carta sin dirección, sin destino cierto y tal vez sin texto siquiera; una carta escrita no con tinta, sino con silencio (“... los chorros / profundos del silencio”). La belleza de este poema lleno de paradojas y absurdos parece constituirse como una especie de metáfora de la poesía misma, concebida como “absoluto” espiritual y moral.
Emeterio Gutiérrez Albelo nace en Icod de los Vinos, Tenerife, el 17 de agosto de 1904. Hijo de Emeterio Gutierrez López, director del periódico La Comarca, en el que el poeta canario publicaría sus primeros poemas. Estudia el Bachillerato y Magisterio en La Laguna y ejerce su labor docente, como maestro de escuela, en diversos lugares de la isla.
Lo mejor de la obra de Emeterio Gutiérrez Albelo se encuentra en la primera etapa de su poesía, marcada por la radicalidad surrealista y por la extraordinaria calidad de sus textos. En torno al núcleo de la revista Hésperides se encontró ya con los que habría de ser sus compañeros de generación, ligados al desarrollo de las vanguardias históricas en las Islas (Agustín Espinosa, Pedro García Cabrera, el inolvidable Domingo López Torres...), a los que llamó Espinosa “la generación que amanece en Canarias con La Rosa de los Vientos”, generación cuya obra colectiva más significativa fue la revista Gaceta de Arte, dirigida por Eduardo Westerdahl , de la que Gutiérrez Albelo fue redactor y en cuyas ediciones paralelas vieron la luz sus dos obras mayores, Romanticismo y cuenta nueva (1933) y Enigma del invitado (1936).
Emeterio Gutiérrez Albelo publica, en 1930, su primera obra Campanario de la primavera en la que la voluntad lúdica, se alía a ecos postmodernistas y a un creacionismo más de sentimientos que de la forma. Obra ya enteramente madura es, sin embargo, la citada Romanticismo y cuenta nueva. Mayor violencia aún, conceptual y poética, hay en Enigma del invitado, uno de los libros más relevantes del surrealismo hispánico.
En fechas recientes han aparecido otras recopilaciones de textos de Gutiérrez Albelo, correspondientes al periodo anterior a la sublevación militar de 1936, entre los que figuran Poemas surrealistas y otros textos dispersos (1929-1936) (1988) y Dos poemas surrealistas (1992)
.La sublevación militar en 1936 acabó con Gaceta de Arte, algunos de sus redactores fueron encarcelados, otros deportados y otros, como Domingo López Torres, arrojados al mar, enfundados en sacos. Emeterio Gutiérrez Albelo, tras ocho años de silencio, dio a conocer diferentes libros de acento existencial-religioso que se hayan muy por debajo de sus grandes logros surrealistas de los años 30. El mismo poeta reseña que este cambio es el resultado “de un reencuentro religioso, que se venía operando en mi espíritu desde largos años antes”. Este cambio en su obra motiva que Gutiérrez Albelo sea uno de los poetas canarios del pasado siglo XX más maltratados por la crítica. La obra de Gutiérrez Albelo está muy influenciada por la pintura y la música. Fue redactor de la revista Mensaje (1945-1946) y, desde 1953, fue director de la revista Gánigo, hasta su muerte, ocurrida el 6 de agosto de 1969, en Santa Cruz de Tenerife. Entre los libros de esta segunda etapa figuran: Cristo de Tacoronte (1944), Los blancos pies en tierra (1951), Los milagros (1959), Geocanción de España (1964), Apuntes para una vida de Cristo (1969), así como sus libros póstumos, Antología poética (1969), Poesía última (1970), El rincón de la amistad (1971), Tenerife y el mar (1973), Las alas del tiempo (1974).
“Ni la poesía, ni la vida –escribía su amigo el poeta canario Domingo Pérez Minik-, ni la trascendente actitud de Emeterio Gutiérrez Albelo son fáciles de exponer, explicar y entender. Fue un poeta y derecho, a veces malparado, en otras ocasiones de pobre manera comprendido, con su conversión a cuesta”. Pero, como dijo nuestro poeta: “Sí, que broten mis poemas / como un chorro / de agua fresca. / (Y que lleven un poco de alegría / a los pocos amigos que me lean..)” .
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“Quiero acordarme de una ciudad deshecha
junto a sus dos ríos sedientos;
quiero acordarme de la muerte de los jardines, del
agua verde que beben las palomas...”
Ricardo Molinari. Casida de la bailarina (A Federico García Lorca)
LA VOZ ESENCIALMENTE LIRICA
En el clima borgiano la Argentina experimenta la afirmación de otros poetas de particular relieve, entre los que podemos contar a Ricardo Molinari, Eduardo González Lanuza, Francisco Luis Bernárdez, Leopoldo Marechal y Luis Cané. Es un gran momento para la poesía argentina y todos estos poetas, al igual que Borges, pertenecieron al grupo ultraísta y estuvo integrado en torno a las revistas Martín Fierro, Inicial y Cuadernos del plata.
Molinari es un gran poeta esencialmente lítico. Notable por la pureza de su lenguaje. Molinari, como hemos dicho, pertenece al grupo ultraísta, cuyo empeño de valorización del paisaje continúa; su verso se nutre de vastas lecturas de los clásicos españoles y de los poetas franceses, y revela insistentes preocupaciones formales. La temática limitada, la insistencia sobre determinados símbolos, no han encontrado, sin embargo, toda la resonancia que esta poesía merecía.
Ricardo Eufemio Molinari nace en Buenos Aires el 23 de marzo de 1898 y muere el 31 de julio de 1996. Huérfano a los cinco años se crió con su abuela materna, uruguaya, que le prodigó una esmerada educación. Hacia 1933, viaja a España donde conoce a los poetas españoles de la generación del 27, Lorca, Albeti, Altolaguirre, Prados, Cernuda, Gerardo Diego, uno de sus descubridores. Una vez casado ingresó como empleado en el Congreso de la Nación, ocupación que desempeñó hasta jubilarse. Premio Nacional de Poesía en 1958 ingresó en 1968 en la Academia Argentina de las Letras. Sus “Obras completas” fueron destruidas por la dictadura militar del Proceso: “Me contaron que un muchacho –escribía Molinari-, un soldadito, un conscripto, cuando quemaron los libros míos fue a pedirle a un oficial que le dieran un ejemplar y lo metieron en el calabozo. Son las cosas “agradables” de la Argentina, que se ven toda la vida”.
La obra poética de Ricardo E. Molinari es muy abundante: El imaginero (1927), El pez y la manzana (1929), Panegírico de Nuestra Señora de Luján (1933), Hostería de la rosa y el clavel (1933), La muerte en la llanura (1937), Elegía de las altas torres (1937), Cuaderno de la madrugada (1939), Mundos de la madrugada (1943), El huésped y la melancolía (1946), Sonetos a una camelia cortada (1949), Inscripciones y sonetos (1954), Inscripciones (1955), Oda a la pampa (1956), Unida noche (1957), El cielo de las alondras y las gaviotas (1963), Una sombra antigua canta (1966), La escudilla (1973), La hoguera transparente (1973) y La cornisa (1977).
Esta extensa obra poética para las jóvenes generaciones argentinas ha sido enseñanza provechosa, modelo de compostura y seriedad de intenciones. La elevada conciencia de la poesía y de la vida brota de Molinari de una íntima adhesión al paisaje, del que interpreta la nota espiritual y la tristeza interior, con mesurados acentos como se observa en “Oda a una larga tristeza”: “Quisiera cantar una larga tristeza que no olvido / una dura lengua. Cuantas veces. / En mi país el otoño nace de una flor seca, / de algunos pájaros; a veces creo que de mi nuca abandonada / o del vaho penetrante de ciertos ríos de la llanura, / cansados de sol, de la gente que a sus orillas / goza una vida sin majestad”.
La visión del mundo no es en ningún momento optimista; la vida es para Molinari “una isla sin un clavel”, rodeada de “repugnante soledad”; lo cual induce al deseo de climas otoñales, donde la muerte se vuelve consuelo último. Conceptos que no son nuevos, pero que el poeta expresa en formas originales de extremada modernidad, sin acentos retóricos. Y como dijo el poeta argentino: “Cuando se llega para vivir entre unos sacos de carbón y se siente que la piel / se enseñorea de hastío, / de repugnante soledad, que el ser es una isla sin clavel, / se desea el otoño, el viento que coge a las hojas / igual que a las almas; el viento / que inclina sin pesadez las embriagadas hierbas, / para envolverlas en el consuelo de la muerte”.
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FORO LIBRE
ASOCIACION CULTURAL, ARTISTICA Y LITERARIA
Francisco Arias Solís - Presidente ~ Plaza San Severiano, 2 ~ 11007 – CADIZ
e-mail: pazylibertad@arrakis.es
URL: http://www.arrakis.es/~aarias
“Meditando en lo que he sido,
mi triste vida mantengo,
y nunca esta letra olvido:
Tuve hogar y lo he perdido,
tuve patria y no la tengo.”
José Joaquín de Mora.
HOMENAJE DE FORO LIBRE A JOSE JOAQUIN DE MORA
El próximo lunes, día 2, a las 20.30 horas, en la cafetería-restaurante El Cantábrico (Avda. Cayetano del Toro, 21, Cádiz), la Asociación Cultural, Artística y Literaria FORO LIBRE celebrará un encuentro literario sobre la vida y la obra del poeta, escritor, periodista, educador y político gaditano José Joaquín de Mora (1783-1864), con motivo del 142º aniversario de su muerte. .
El soneto El estío de este poeta gaditano figura entre "Las cien mejores poesías líricas de la lengua castellana", escogidas por Menéndez Pelayo, entre lo mejor de la literatura española antigua y moderna.
José Joaquín de Mora nace en Cádiz el 10 de enero de 1783. Estudió leyes y muy joven aún fue profesor de Filosofía en la Universidad de Granada, donde tuvo como alumno a Martínez de la Rosa. Al producirse el levantamiento contra Napoleón se incorporó al ejército y combatió en Bailén, pero hecho prisionero en 1809, vivió internado en Francia. Al concluir la guerra regresó a Cádiz.
En Cádiz y en Chiclana, Mora había tenido amistad con los Böhl de Faber. La amistad se rompió, sin embargo, en fecha y por causas que se desconocen, lo que ha dado pie para suponer razones personales en la famosa "querella calderoniana" entre Böhl de Faber y Mora, y que está considerada como la primera llamada del romanticismo a la puerta de nuestro país.
El restablecimiento del poder absoluto, hizo que en 1823, Mora se viera obligado a emigrar refugiándose en Londres. Ackermann había introducido en Inglaterra el almanaque literario alemán, tan en boga en la época romántica, con el nombre Forget me not, colección de breves composiciones en prosa y verso de autores contemporáneos, que se ofrecía como regalo de Navidad y Año Nuevo. El activo editor pensó hacer una adaptación para los países hispanoamericanos, y así nacieron los No me olvides españoles, de los que se publicaron seis volúmenes, de 1824 a 1829; los cuatro primeros debido a Mora, y los dos últimos a Pablo Mendíbil.
El incansable Mora, además de traducciones y obras originales, tuvo tiempo todavía para ser director y redactor único de dos periódicos. el Museo Universal de Ciencias y Artes y el Correo Literario y Político de Londres.
A fines de 1826, Mora salió para Buenos Aires, a requerimiento el presidente Rivadavia, fundando en seguida un periódico, La Crónica Política y Literaria de Buenos Aires. De la Argentina pasó a Chile, cuya Constitución de 1828 redactó, y fundó los periódicos El Mercurio Chileno y El Constituyente. En este país dio a la escena las comedias El marido ambicioso y El embrollón. En 1831 creó en el Perú, el Ateneo. La muerte de Fernando VII le animó a regresar a España, pero llamado por el general Santa Cruz, presidente de Bolivia, marchó a la Paz, de cuya Universidad fue catedrático de Literatura en 1834. En 1848 ingresó en la Academia de la Lengua. José Joaquín de Mora murió en Madrid el 3 de octubre de 1864.
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“La Psicología viene a ser la introducción
o primer capítulo de toda filosofía.”
Urbano González Serrano.
LA VOZ DEL PRIMER PSICÓLOGO
Clarín describe a González Serrano en los siguientes términos: “En el sillón de catedrático estaba un joven de poco más de veinte años, moreno, de aventajada estatura a juzgar por el busto. Hablaba con rapidez y con gesto y acento apasionados, movía mucho los brazos extendidos, y tenía cierta expresión de misterio en la mirada, en las inclinaciones de la cabeza y en el venir de las manos, que a veces tomaban movimientos de alas. Parecía un moro vestido de levita. Lo que decía también tenía para mí algo de árabe, a lo menos por lo incomprensible: yo entendía las palabras todas o casi todas, pero se me escapaban el sentido de muchas frases y por completo el de los raciocinios... Lo que tenía enfrente era la Metafísica krausista explicada por el sustituto de Salmerón, el que hoy es mi queridísimo amigo y siempre maestro (desde aquel día) Urbano González Serrano.
Dentro de la tradición de psicología científica inaugurada por Giner, nadie tan importante como Urbano González Serrano, nacido en Navalmoral de la Mata, provincia de Cáceres, el 25 de mayo de 1848, a quien podemos considerar como pionero del nuevo movimiento; lo que le hace acreedor del título de “primer psicólogo” que hemos empleado. Había iniciado los estudios de bachillerato en Talavera de la Reina, trasladándose en 1861 a Madrid , donde termina los estudios de bachillerato y obtiene el título de bachiller en Derecho en 1869 y doctor en Filosofía y Letras en 1871. Desde muy pronto hizo amistad con Nicolás Salmerón, quien le nombró auxiliar de su cátedra de Metafísica y a quien tuvo que sustituir en las largas temporadas en que éste se dedicó a la política.
En 1875 obtiene por oposición la cátedra de “Psicología , Lógica y Filosofía Moral “ del Instituto de San Isidro de Madrid, que ocupará hasta su muerte, ocurrida en Madrid el 13 de enero de 1904. Intervino en política dentro del Partido Republicano centralista, llegando a ser elegido diputado por Navalmoral en 1881.
Por lo que se refiere a su obra escrita fue ésta abundantísima. He aquí algunos títulos: La asociación como ley general de la educación, Ensayos de Crítica y Filosofía, Cuestiones contemporáneos, Elementos de la Lógica, En pro y en contra. Críticas, Estudios críticos, Estudios psicológicos, Estudios de Moral y Filosofía, Goethe. Ensayos críticos, Psicología del amor, La psicología contemporánea, La psicología fisiológica, La sociología científica.
En esta polifacética y abrumadora obra, donde se mezclan la literatura con la crítica y la filosofía con la psicología o la metafísica, realmente la que más abunda es el tema psicológico, tratado siempre dentro de las coordenadas krausopositivistas. Para el profesor cacereño la psicología es la disciplina fundamental. En cierto modo la definición que nos da de dicha disciplina viene a justificar la anterior afirmación; dice así: “La Psicología (de psique y logos) es la ciencia del alma como ser o elemento interior que preside toda nuestra vida desde los actos más rudimentarios y simples hasta los superiores más sublimes, y cuya realidad se manifiesta en hechos de conocimiento y voluntad”.
En su obra Psicología del amor, hace un análisis psicológico de todas las manifestaciones del mismo: amor conyugal, amistad, amor patrio, amor del prójimo, amor divino, con una serie de reflexiones y disquisiciones muy amplias. Valera, que dedicó un amplio artículo a este libro, dice de él: “Está bien escrito; contiene observaciones muy atinadas del autor y divulga opiniones y doctrinas de otros autores. No creemos que pueda haber persona de buen gusto que no goce leyendo este libro, ni sujeto reflexivo que no acepte muchas de las verdades que encierra, y que no sienta el prurito de investigar otras verdades que se dejan entrever, y de aclarar mil cuestiones que se plantean y no se resuelven”.
González Serrano se nos presenta como un ejemplo de la importancia del krausismo en el despertar de la cultura española durante la segunda mitad del XIX; como él mismo dice: “El krausismo ha presentado a la cultura patria el inestimable servicio de despertarla del sueño dogmático y de la indiferente inercia en que vegetara antes de la obra iniciada por Sanz del Río”.
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me impresiona todo lo que escribes y me llama la atención que lo publiques aquí. ¿Nos habremos conocido de otra vida?
¿Tú estás en Barcelona? Cuéntame un poco cómo empezó todo esto y si puedes déjame tu mail escrito. Va un cariño: Ana.
me alegra que haya muchas personas que lean tus escritos aquí.¿Te escriben? me interesa este tipo de comunicación. ya no puedo dedicarle tanto tiempo como antes pero sigue pareciendome muy interesante. saludos y ya también cuando vengo leo...cariños . Ana
Las personas que llegan por aquí, algunas de ellas, leen mis escritos, lo que les agradezco y también hay otras que me escriben para opinar de los mismos. Además, ya hay varias, que gracias a este medio son miembros de Internautas por la Paz y la Libertad.
“Se me ha extraviado el bastón.
Es muy triste pensarlo solo por el mundo.
¡Mi bastón!
Mi sombrero, mis puños,
mis guantes, mis zapatos.”
Rafael Alberti.
CHARLOT ES EL SÍMBOLO DEL HOMBRE APRESADO POR EL SISTEMA
En cualquier suceso humano, sobre todo político y social, un mínimo de personas decide por sí y un máximo rutinariamente dentro del sistema. El sistema desde hace siglos exige armarse; y el sistema exige igualmente utilizar las armas. Todas las que engendraron el conflicto e intentaron resolverse en el campo de batalla. Pero el “sistema”, nos tiene a todos metidos en una lógica sin lógica que nos conduce inexorablemente a nuestra propia perdición.
Charlot es el símbolo máximo, casi con trascendencia quijotesca y shakesperiana, del hombre apresado por el sistema mecánico y técnico. Con su bastón y su sombrero, lleno de bondad y dignidad, trata de oponerse a unos patronos o rivales amorosos siempre musculosos y grandes; a la máquina, a los millonarios, a los políticos. Es la encarnación misma de las desventuras, atropellado cien veces por la apisonadora de las sociedades más sistemáticas del mundo que son las sajonas. Charlot es el desquite humorístico de las penas y desventuras de Lord Byron, Oscar Wilde, Dickens o Walt Whitman. Charlot es la expresión viva del perseguido, el huidizo, el excéntrico sin esperanza. Lo que en Charlot es gag y venganza humorística, hubiera sido “cante jondo” en Andalucía: pena penita del oprimido, del perseguido y fuera de la ley: del jornalero, del gitano, del inmigrante sin papeles en regla. En el mundo sajón, tan dura la víctima como sus perseguidores, todo se resuelve en amarga ironía. En el mundo latino se hubiera resuelto en piedad misericordiosa como la que engendra Don Quijote o, a escala menor, Cantinflas: el “roto” despiadadamente maltratado por el sistema.
Todo el mundo ha conocido en sus líneas más amplias, el gran duelo del “sistema” contra Chaplin: acusado de comunista cuando era realmente un puro liberal inconformista. Un diputado de Mississippi proclamaba que la expulsión de Chaplin evitaría que la “juventud fuera influida por sus degradantes películas”. Antes que se levantara contra él la excomunión de su “comunismo” se había levantado la de su divorcio. Nadie sabe la cantidad de Puebla de las Mujeres que puede haber en una ciudad americana cuando se decide a hacer moral. Se movilizaron contra él las “ligas de mujeres norteamericanas”, una de las piezas más formidables del “sistema”. Y allí al lado del escándalo hacho sistema, Charlot resultó inmoral porque se atrevía al escándalo de no ser sistemático.
Para Charlot, el “sistema” es algo todavía más mecánico y fatalista que una construcción lógica mental. El le llama el “ritmo”. El mundo va arrastrado por una cadena de presupuestos y consecuencias que son así porque así fueron. Charlot escribió un cuento titulado Ritmo que podría ser la parábola de nuestra época. Lo coloca en la última guerra civil de España. Un prisionero va a ser fusilado. El pelotón es mandado por un capitán timorato y desconocedor de las concertadas inexorabilidades del “ritmo”. Cuando la víctima está colocada ante el paredón, descubre que es un amigo suyo. Como la víctima no lo ve porque está vendada, el pronuncia con una voz desfigurada: ¡firmes!. El sabe que hay un ritmo, un encadenamiento de palabras previstas, pero se le borran de su memoria. Pronuncia un rumor ininteligible. Pero su ritmo arrastra al pelotón. Entienden que se ha dicho “carguen”, y seis cerrojos de fusiles se montan con un sonido metálico. Un segundo balbuceo y todos entienden: “apunten”. Seis fusiles se apoyan en seis hombros. Pero en aquel momento, unos pasos apresurados se escucharon en la galería contigua. No cabe duda. Era el indulto: el indulto para su amigo: El indeciso capitán reúne todas sus fuerzas pulmonares y grita gozosamente: ¡¡Alto!! Inmediata y sincrónicamente seis fusiles disparan sobre su amigo...
Había funcionado el ritmo. La inercia acústica les había hecho oír “fuego” después del “apunten”. Es inútil dar órdenes enfrentándose con el ritmo establecido. Chaplin, tantas veces apaleado por el mundo convencional, lo sabía... Y es que, como me dijo el poeta: “A mí me está pareciendo / que tú no quieres decirme / eso que me estás diciendo”.
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Hola muchachos como estan...quisiera invitarlos a mi grupo dedicado al hermosisimo actor Christian Meier...por favor visiten mi pagina y dejenme un mensaje, quiero saber si les gustas. Gracias por todo muchachos y perdonen la molestia...espero verlos prontos por mi sitio..... este es el link:
“De noche ya, gritando mis ausencias,
buscaba yo en las playas las formas
que dejaban las chicas en la arena.”
Domingo López Torres.
LA VOZ BRUTALMENTE APAGADA
“¡Cómo atreverse a destacar un nombre de esta inmensa selva de nuestros muertos!”, escribía el enorme poeta Pablo Neruda. Pero es que el nombre que voy a pronunciar está tan atravesado de tantas significaciones que al pronunciarlo se pronuncian los nombres de todos los que cayeron en Canarias defendiendo la materia de sus cantos. Si la barbarie franquista hubiera buscado por todos los rincones de las Islas Canarias a quien sacrificar, como se sacrifica un símbolo, para intentar poner fin a la poesía, como si ello fuera posible, no se hubiera hallado, en nadie ni en nada como en este ser escogido. Estará muerto él, ofrecido como una azucena, bajo el mar en que sus enemigos le arrojaron, pero su voz estará por siempre viva, en la memoria de los hombres.
No sé como precisar su recuerdo, realmente del gran poeta canario Domingo López Torres tenemos muy pocos datos y la mayoría se los debemos al poeta Andrés Sánchez Robayna, pero sus poemas ya empiezan a aparecer en las antologías de la generación del 27. Una vez leído un poema de López Torres, no lo olvidaremos, ni perdonaremos nunca el asesinato de quien consideramos uno de los más altos exponentes del surrealismo español y uno de los escritores españoles más comprometido con las poéticas de las vanguardias. He querido traer ante vosotros el recuerdo del más joven de los vanguardistas canarios, del que dijo su amigo y escritor Eduardo Westerdahl, que era “la ternura de un surrealista al servicio de la revolución”.
Domingo López Torres nace en Santa Cruz de Tenerife en 1910. Sus escasos medios económicos le obligan a dejar sus estudios y tiene que trabajar desde muy joven, primero de orfebre y posteriormente en un servicio consignatario. En 1935 ya disponía de una librería-estanco, llamada “Número Cinco”, donde se celebraba una tertulia política y literaria. A los dieciséis años publica su primeros poemas en la revista Héspérides, en la que también colaboran los que serían sus compañeros de generación Eduardo Westerdahl, Pedro García Cabrera, Domingo Pérez Minik... En el verano de 1929 escribe Diario de un sol de verano , que no sería publicado hasta 1987. En 1930, fue uno de los impulsores de la revista Cartones, de la que se editó solo el primer número, al sufrir López Torres un grave accidente de barca en la bahía de Santa Cruz de Tenerife, en el que perdieron la vida, sus compañeros José Antonio Rojas y Julio Antonio de la Rosa. Colabora en el semanario Altavoz, dirigido por García Cabrera. Con Eduardo Westerdahl contribuye a la aparición de la revista Gaceta de Arte, en 1932. Revista que estuvo dirigida por Westerdahl y de la que López Torres fue un redactor muy activo. Al año siguiente, André Breton y Paul Eluard solicitan la colaboración de López Torres para una encuesta en la famosa revista francesa Minotaure.
El 4 de mayo de 1935, llegaron a Tenerife André Breton, Jacqueline Lamba y Benjamin Péret, invitados por el grupo de la Gaceta de Arte, el día 11, del mismo mes, se inaugura la Exposición Surrealista en la capital tinerfeña. Los surrealistas franceses regresan a París, el día 27, tras una larga actividad artística e intelectual. De esta experiencia nace el Nº 2 del Bulletin International de Surréalisme en el que se incluye el Manifiesto Surrealista firmado por Breton, Domingo López Torres, Agustín Espinosa, Benjamin Péret, Pedro García Cabrera, Eduardo Vesterdahl y Domingo Pérez Minik. López Torres en su artículo “André Breton y Tenerife”, publicado en la Gaceta de Arte, proponía un nuevo mapa “el de los países con una misma preocupación espiritual”. De todos los poetas canarios, López Torres es sin duda el más comprometido con el ideario bretoniano, tanto en lo propiamente poético como en las posiciones ideológicas. López Torres edita, por otra parte, la revista Indice, de la que solo se publica el primer número. López Torres se distinguía en esos momentos tanto por sus actitudes estéticas cuanto por su ideología socialista radical, expresada en diferentes artículos y –muy activamente- en la vida política de Tenerife. Fue un divulgador del socialismo, sindicalismo y surrealismo, dispuesto a “sacrificarlo todo por el éxito de nuestras ideas”.
Cuando se produce la sublevación militar de 1936 es apresado y conducido a la prisión de Fyffes , en la que escribió los poemas de su libro Lo imprevisto (inédito como tal hasta 1981). El escritor exiliado José Antonio Rial, gaditano que vivió desde su niñez en Gran Canaria y que estuvo relacionado con el grupo surrealista de Gaceta de Arte, publicó en Venezuela, en 1969, el libro La prisión de Fyffes en el que se describe con rigor el ambiente sórdido del lugar. “resultaba difícil superar la prueba de lo escatológico humano”, un “vivir en cloacas” en un recinto inadecuado para encerrar en él al elevado número de personas que allí tuvieron que enfrentarse a muy duras condiciones físicas y morales.
En febrero de 1937, Domingo López Torres fue arrojado al mar con otros compañeros enfundados en sacos. No olvidaremos ni perdonaremos tan horribles asesinatos. No podremos olvidar nunca estos crímenes, ni perdonarlos. Nunca. Y como le dijo al mar, su amigo el poeta Pedro García Cabrera “... si quieres quedarte con la verdad de sus sonrisas, / devuélveme su muerte al menos, / su muerte es mía y no te pertenece”.
Siempre podemos hacer algo por la paz y la libertad.
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“Canto y cuento es la poesía,
se canta una viva historia
contando su melodía.”
Antonio Machado
PENSAR ES PARA EL NIÑO JUGAR
El niño no puede empezar a aprender las letras del alfabeto, no puede empezar a leer y escribir hasta que no empieza a tener eso que se llama uso de razón. No es que el niño no tenga razón antes de usarla -no se puede usar lo que no se tiene- es que tienen una razón intacta, una razón pura. La razón del niño es una razón puramente espiritual: poética. El niño aún antes de vocalizar su pensamiento y cuando lo empieza a vocalizar grita. Y empieza a entender de viva voz el nuestro, mucho antes de usar, de utilizar, su razón pura: de impurificarla.
¿Y qué hace el niño con su razón, si no la usa, si no la utiliza? ¿Que qué hace? Pues lo que hace con todo: jugar. Juega.
El pensamiento es todavía en el niño, mientras es niño, un estado de juego. Y el estado de juego es, siempre, en el niño, un estado de gracia.
Si el niño juega porque es niño o es niño porque juega, pensar es para el niño, jugar, poner en juego, graciosamente, las imágenes de su pensamiento: las cosas; poner que es lo que hacen los niños todas las cosas en juego. Toda razón poética o razón puramente espiritual, es una razón que pone, infantilmente, todas las cosas en juego, pero en juego también puro, de racionalidad intacta.
Los pueblos, como los niños, piensan y creen simultáneamente, jugando: porque su nacionalidad es pura o poética, es decir, divina.
La razón pone todas las cosas en juego de palabras. Las palabras son cosas de juego. Poner en poesía las palabras es sencillamente ponerlas en juego, como hace el niño o el pueblo. Por eso, el estado poético es un estado de añoranza infantil o popular: una añoranza paradisíaca del estado del hombre puro. El poeta añora la infancia, la inocencia, es lo que Nicolás de Cusa denominaba una ignorancia docta, una ignorancia doctrinal y así escribió su tratado “De docta ignorancia”, que es una perfecta doctrinal matemática del analfabetismo.
Por orden alfabético no se puede formar la palabra, la palabra viva: porque la vida es por la palabra, pero no la palabra por la vida, como la verdad es por la palabra, y no al contrario.
Un gran maestro del pensamiento puro, don Miguel de Unamuno, dijo que en Andalucía es donde se habla mejor el castellano de toda España. Y es porque el lenguaje popular andaluz es todavía el más puro, el más poético. Por eso el lenguaje popular andaluz es precisamente el más verdadero o verdaderamente el más preciso. En la profunda sombra del cante “hondo” luce de un modo incomprensible la precisión de la verdad; como en la poesía más pura: la verdad que refleja, o en la que resuena -por la palabra, por la voz, por el grito- esa divina espiritualidad popular o infantil de Andalucía. Y es que el cante andaluz está en la palabra, no en la música: como lo está toda poesía, que es por definición de Carlyle cante hondo, pensamiento profundizado hasta el canto.
Cuando el pueblo canta o cuenta lo que se figura, que es lo que simultáneamente piensa y cree, lo hace divinamente. Las cosas que se hacen divinamente son siempre cosas poéticas. Lo que sustenta el juego espiritual del pensamiento es la poesía.
El pensamiento puro y creador de los pueblos es lo que los pueblos tienen de niños, de infancia permanente. Y más en España, donde la historia de la cultura española en sus valores más puros, está formado en el pueblo español, en el espíritu creador de un pueblo: su poesía y su pensamiento. Y es que, como dijo el poeta: “Todo lo que es vida es sueño. / Y lo que es sueño lo es / porque ante fue pensamiento”.
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RAMON DE MESONERO ROMANOS POR FRANCISCO ARIAS SOLIS
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RAMON DE MESONERO ROMANOS
(1803-1882)
“Símbolo de ternura y de amistad,
ellos, señora, al dirigirse a ti ,
de un corazón sensible a tu bondad
la gratitud sensible expresarán por mí.”
Mesonero Romanos.
LA VOZ DEL PINTOR DE MADRID
Es indudable que en la primera mitad del siglo XIX lo más interesante de la prosa española hay que buscarla en los escritores costumbristas. Tres prosistas románticos comienzan a escribir cuadro de costumbres casi al mismo tiempo: Estébanez Calderón, Mesonero Romanos y Larra.
Ramón de Mesonero Romanos, El Curioso Parlante, nace en Madrid el 19 de julio de 1803, de familia acomodada, y fuera de algunas escapadas al extranjero su vida transcurre sin grandes inquietudes en la Corte, donde muere el 30 de abril de 1882. Vivió por lo tanto, un periodo interesantísimo de la historia española, aunque no intervino en la política activa de su tiempo, limitándose a estudiar la vida y la historia madrileña. Elegido concejal en 1846, presentó el mismo año al Ayuntamiento su Proyecto de mejoras generales de Madrid. Fue cronista local y académico de la Real Española de la Lengua. El mismo nos narró parte de su vida en Memorias de un setentón, libro curioso por los datos que aporta para el conocimiento de hechos y personajes de la época, tanto de la historia política como de la literaria.
Mesonero Romanos comenzó a escribir muy joven notas costumbristas. A los diecisiete años compuso unas páginas, muy influido por Victor Joseph Etienne Jouy , con el título de Mis ratos perdidos o ligero bosquejo de Madrid, al mismo tiempo que se dedicaba al estudio de la historia local. Su Guia marileña, publicada en 1831, obtuvo un gran éxito y las ediciones se sucedieron rápidamente.
Sus primeros cuadros costumbristas, reunidos después con el título de Panorama matritense, aparecieron en el periódico Cartas españolas, de Carnerero. Comenzó esta primera serie de escenas con El retrato, en julio de 1831, y terminó su colaboración en 1833. Desde esa fecha a 1835 viajó por Europa y a su vuelta fundó el Semanario Pintoresco, una de las revistas románticas más interesantes. Allí publicó la segunda serie de artículos costumbristas, las Escenas matritenses, en cuyo prólogo Juan Eugenio de Hartzenbusch escribe: “Pintar, pues, las costumbres españolas de nuestra época, llevando el objeto de corregirlas”. Mesonero Romanos colaboró después en Los españoles pintados por sí mismos, con unos artículos de gran viveza y colorido, al mismo tiempo que leía comedias clásicas y editaba en la célebre Biblioteca de Autores Españoles obras de los contemporáneos de Lope de Vega.
En las dos series de artículos hay notables diferencias. En la primera serie, Panorama matritense, los ensayos ofrecen mayor brevedad que en la segunda, pero en cambio el estilo es más dulzón y “cauteloso” según frase de Hartzenbusch y las escenas pecan de superficiales, en algunos casos.
La segunda serie se redacta en época muy distinta a la anterior, En los dos años que Mesonero Romanos pasó en Francia e Inglaterra, ocurren notables cambios en la vida española. En algunos artículos de la segunda serie se ve ya un deseo de comparar lo viejo con lo nuevo, como en El sombrerito y la mantilla. Otras veces señala con cierta profundidad diversos vicios e hipocresías como El duelo se despide en la iglesia o en Una noche en vela. Otros son artículos de punzante ironía contra las nuevas corrientes literarias, como el célebre El romanticismo y los románticos.
“Es uno de nuestros pocos prosistas modernos –escribía Larra-; culto, decoroso, elegante, florido a veces, y casi siempre fluido en su estilo, castizo y puro en su lenguaje y muy a menudo picante y jovial”.
No obstante, no deja de ser una burla que el patriarca del costumbrismo –Mesonero Romanos- fuera uno de los mayores compradores de bienes nacionales y que no vacilara en derruir históricos conventos comprados por él para edificar inmuebles. Entre 1835 a 1855 –época de su apogeo como escritor costumbrista- participó activamente en las reformas urbanísticas efectuadas precisamente a raíz de la desamortización de Mendizábal (1834) y de la acumulación de capitales provocada por la Primera Guerra Carlista. Mientras en la letra escrita Mesonero siente añoranza por el pasado idílico, las viejas posadas y caminos, y ataca al vil metal que corroe las costumbres y convierte en prosaicos los rasgos psicológicos nacionales –hidalguía hombría de bien, espíritu individualista, dignidad en el hambre-, en la realidad, él mismo contribuye a las reformas urbanísticas que aniquilaban el pasado. El Madrid que glorifica por medio de la literatura, lo destruye en la vida cotidiana.
A este respecto, no dejan de ser curiosas las palabras que figuran al frente de las Escenas Matritenses que nos pueden servir para pintar las características literarias y, tal vez, las morales del Curioso Parlante: “Mi pluma... seguirá, como siempre, el impulso de mi carácter, la libertad de mi pensamiento, que consiste en escribir para todos en estilo llano, sin afectación ni desaliño, criticar sin encono; aplaudir sin envidia, y aspirar en fin, no a la gloria de grande ingenio, sino a la reputación de verídico observador”.
Será vano el intento de humanizar las guerras. Lo humano es evitarlas.
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LOS PRIMEROS APRENDIZAJES POR FRANCISCO ARIAS SOLIS
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LOS PRIMEROS APRENDIZAJES
“Desperté de ser niño:
nunca despiertes.
Triste llevo la boca.
ríete siempre. “
Miguel Hernández. .
NUESTRO PASADO COLOREA NUESTRO PRESENTE
Lo más perturbador en la formación de la personalidad de un niño, lo que tal vez más nos choca es el constatar la mecánica extraordinaria que preside la formación de las conductas.
Sin duda que el niño viene al mundo con un cierto número de virtualidades en potencia. Hay lo que algunos llaman el temperamento, otros el carácter y que representa la parte de la herencia. En una misma familia cada niño tiene “su” carácter que la historia personal no llega a explicar. Cada niño utiliza a su manera, según su historia personal, según sus experiencias, según lo que se llama sus vivencias ... sus recursos de base, su potencial inicial explicándose así las diferencias considerables de la personalidad en el seno de una misma familia. Mas no se puede negar la existencia del carácter. No todo es condicionamiento o más exactamente los condicionamientos adquiridos muy pronto se injertan en los datos originales. Sin embargo sus primeros años de vida serán tan determinantes en cuanto a su porvenir que los factores hereditarios (muy difíciles de estimar) son a veces completamente aniquilados, destruidos.
El condicionamiento es una reacción automática aprendida y desencadenada por una señal. La educación es una serie de condicionamientos.
Desde los primeros aprendizajes, los más elementales, el condicionamiento se opera a nivel de la relación con los demás. El niño no solamente aprende a comer solo, a vestirse, a jugar, “aprende” también la rigidez de sus padres, su ansiedad, su despreocupación, su dulzura, su severidad... Este aprendizaje que se sitúa como entretejido con el primero, lo desborda. Ante todo aprende a reaccionar ante las reacciones de los padres. Por ejemplo el niño comienza un juego, un ensamblaje de cubos. Por el hecho, del condicionamiento “sabe” que su madre le ayudará a terminarlo. Esta, en efecto, no puede soportar un “trabajo” que no esté terminado y quiere enseñar a su hijo que se debe llegar siempre hasta el final. Él resultado es casi inmediato. El niño espera a que venga y no termina nunca solo. Realiza numerosas actividades y empieza las siguientes sin terminar las primeras. No comprende por qué su madre se enfada ahora desde el momento que hace (y el también) lo que siempre ha hecho.
La aplicación de un principio educativo rígido que, por el hecho de su rigidez no tiene en cuenta las posibilidades del niño ni las leyes de su desarrollo, conduce así, las más de las veces , a un resultado inverso.
A un nivel más complejo del condicionamiento todos los “protagonistas” están condicionados y la menor señal provoca todo un proceso de conductas. Efectivamente el niño, condicionado al principio a las reacciones de sus padres, desarrolla a su vez conductas-respuestas que se automatizan. Los padres entonces presuponen ciertos comportamientos, provocadores a su vez de nuevas actitudes.
Los condicionamientos tienden cada vez más a automatizarse. Y no se percibe cada situación en lo que tiene de original y de singular sino a través del prisma deformante de las experiencias pasadas y de condicionamientos adquiridos. No quedan ya más que percepciones interpretadas. Nunca estamos “vírgenes” ante una situación, aunque sea nueva. Cada uno la siente a su manera según lo que ha vivido. Nuestro pasado colorea nuestro presente. Sin saber por qué nos sentiremos atraídos o repelidos por una persona hasta entonces desconocida. Luego nos extrañaremos al darnos cuenta que nos recordaba a una persona conocida desde nuestra infancia.
La característica esencial del condicionamiento es su irreversibilidad. Lo que se ha vivido, no se borrará jamás. Las nuevas experiencias solamente pueden añadirse a las antiguas; las bases de la personalidad construidas durante los primeros años prácticamente ya no evolucionarán. Y como dijo el poeta: “Todo pasa y todo queda, / pero lo nuestro es pasar”.
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“Y, después de todo, ¿qué es eso, la vida?...
Cantares...
Cantando la pena, la pena se olvida.”
Manuel Machado.
LA RISA SIRVE PARA CURAR MULTIPLES PATOLÓGIAS
Al fin una noticia concerniente a la alegría de vivir. La risa sirve para algo más que para poner en solfa nuestra propia sombra y la del vecino. La risa sirve para curar múltiples patologías y supone según los expertos, un beneficio para el funcionamiento de ciertas partes del organismo. La “risoterapia” (así se llama la nueva técnica de terapéutica por risa) ha causado furor en Estados Unidos y los hospitales ya tienen personal contratado entre el mundo de los payasos y chistosos y proyectan películas cómicas a determinados enfermos. Como la realidad americana no debe producir mucha hilaridad, de ahí que se busquen profesionales del sector para que la cosa sea lo más científica posible.
Sin embargo, en España, que nos reímos de casi todo, no hemos acabado de entrar en el tema de las virtudes terapéuticas de la risa. La razón del retraso puede residir en el abuso que los canales televisivos hacen del chascarrillo, lo que obliga a los españoles a tener puesta la máscara de la risa hasta en la vida íntima y ello mejora su salud de forma espontánea. Me pregunto, sin embargo, si aparte de los chistes televisivos existen en nuestro país motivos de risa que refuercen esta espontánea terapéutica. A primera vista ninguno. A segunda y tercera, muchos y muy variados.
Nuestra musculatura del aparato respiratorio puede verse mejorada al contemplar, por ejemplo, el enésimo caso de corrupción. Nuestra presión arterial puede relajarse de forma beneficiosa tras el discurso de algunos políticos. Los parados pueden sufrir un ataque de risa cuando ven que después de meses, incluso de años, buscando trabajo les ofrecen un “contrato basura” para un par de días. Los jóvenes que buscan vivienda pueden troncharse del risa cuando les dicen el precio del “pisito”. Los presos se morirán de risa cada vez que sale un corrupto de la cárcel , mientras ellos, permanecen allí de por vida, sin unos buenos amigos que le paguen las fianzas.
Estamos, pues, en condición de afirmar que motivos que induzcan a la risa no nos faltan y que por ellos se justifica que los expertos nacionales en “risoterapia” no pasen de la media docena. Ahora bien si las Comunidades Autónomas se deciden a incluir esta especialidad en sus catálogos de prestaciones sanitarias se abrirá un mercado laboral insospechable para los graciosos de turno.
Incluso aseguran los expertos que los ataques de risa tienen el mismo efecto que correr la milla urbana, con lo que puede truncarse definitivamente la incipiente inclinación de los españoles por el deporte y quedarnos todos sentados en un sillón a mayor gloria de nuestra salud. Por cierto, que los motivos anteriormente expuestos para la risa sirven también para llorar (de risa, claro). Que la risa mate a la alegría nos parece algo muy fácilmente experimentable. Y no sólo porque su mueca expresiva, con la contracción muscular del rostro, acaba en lágrimas –lágrimas de risa, llorar de risa-, sino porque en su viva expresión más viva la risa nos parece o se nos aparece como mueca dolorosa de muerte (nos morimos de risa). Y como dijo el poeta: “No te asustes compañera / que los hombres como yo, / si lloran, es de alegría, / si ríen, es de dolor”.
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YO SOY DE MEXICO Y APENAS SE COMENZÒ A TRANSMITIR AQUI LA TELENOVELA Y COMENCÈ A VERLA Y ENSEGUIDA ME ATRAPÒ CON SU HISTORIA, EL VESTUARIO ME PARECE HERMOSO Y TODO AMBIENTADO A LA PERFECCIÒN. ME LLAMÒ MUCHO LA ATENCIÒN LA INTERPRETACIÒN DEL TÌTULO DE LA NOVELA Y AUNQUE LA TRMA NO ES NADA NUEVO, PIENSO QUE LA HACEN VER DE FORMA INTERESANTE Y LOS DIÀLOGOS ESTÀN MUY BIEN ESCRITOS.
EN CUANTO A LA ACTUACIÒN CREO QUE TODOS ESTÀN FENOMENALES.
GRACIAS.
“Un día habrá una isla
que no sea silencio amordazado.
Que me entierren en ella,
Donde mi libertad dé sus rumores
a todos lo que pisan sus orillas.”
Pedro García Cabrera.
LA VOZ HACIA LA LIBERTAD
En su vasta obra –muchos de sus libros vieron la luz muchos años después de haber sido escritos- García Cabrera reflejó, con recursos expresivos que van desde las técnicas vanguardistas hasta las recreaciones de la poesía popular, sus diferentes vivencias e inquietudes –la libertad se convierte a lo largo del tiempo en su más preciada ambición-, su creciente solidaridad con los sufrimientos colectivos y sus puntos de vistas, críticos o emocionados –el mar aparece frecuentemente como su interlocutor-, sobre el mundo canario.
Pedro García Cabrera nace en Vallehermoso, La Gomera, el 19 de agosto de 1905. A los siete años marcha a Sevilla, donde había sido trasladado su padre que era maestro. Vuelve a los dos años, estableciéndose con su familia en Santa Cruz de Tenerife, donde vivió la mayor parte de su vida. Allí hace el Bachillerato y, después, estudia Magisterio en La Laguna. En 1922 inicia su actividad literaria en revistas y diarios locales. Colabora en la revista Hésperides, nacida en 1926, y, posteriormente, junto con los demás poetas del núcleo vanguardista, en la revista Gaceta de Arte, dirigida por Eduardo Westerdahl. En Hésperides se publica, en 1928, su primer libro Líquenes. Participa, con Domingo López Torres, en la fundación de la revista Cartones y dirige el semanario Altavoz, en el que denunció la situación de caciquismo que sufría su isla natal. Publica en 1934, en las ediciones de Gaceta de Arte, su libro Transparencias fugadas, lírica abstracta de ecos salinianos, pero también creacionistas, obra a la que seguirán las ya plenamente surrealistas Dársena con despertadores o Entre la guerra y tú, entre otras.
El 4 de mayo de 1935, llegaron a Tenerife André Breton, Jacqueline Lamba y Benjamin Péret, invitados por el grupo de la Gaceta de Arte, el día 11, del mismo mes, se inaugura la Exposición Surrealista en la capital tinerfeña. Los surrealistas franceses regresan a París, el día 27, tras una larga actividad artística e intelectual. De esta experiencia nace el Nº 2 del Bulletin International de Surréalisme en el que se incluye el Manifiesto Surrealista firmado por Breton, Pedro García Cabrera, Domingo López Torres, Agustín Espinosa, Benjamin Péret, Eduardo Vesterdahl y Domingo Pérez Minik.
El 18 de julio de 1936, cuando estalla la sublevación militar, Pedro García Cabrera que había sido concejal republicano, por el Partido Socialista Obrero Español en el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, es detenido juntos a otros políticos y es conducido primeramente a una prisión flotante y luego al campo de concentración de La Isleta (en Gran Canaria). Desde allí, el 19 de agosto, es deportado, en el barco correo Viera Clavijo, al campo de prisioneros de Villa Cisneros (Sahara). En marzo de 1937 logra huir y llegar a Dakar, de donde viaja a Marsella y desde allí, vuelve a España para integrarse en el ejército republicano en el frente de Andalucía. Nuevamente es encarcelado y condenado posteriormente a treinta años de prisión, aunque es puesto en libertad vigilada en 1945. Durante este larga y dramática etapa de su vida, García Cabrera escribe Romancero cautivo (1936-1940), La arena y la intimidad (1940), Hombros de ausencia (1942-1944), libros todos ellos que permanecieron inéditos, hasta que se publicaron sus Obras completas (1987). En 1944 inicia el poemario Viaje interior de tu voz, que como los anteriores permaneció inédito. En 1948 Pedro García Cabrera contrajo matrimonio con Matilde Torres Marchal, su compañera inseparable a quien conoció en Hospital Civil de Jaén, cuando tuvo internado allí, debido a un grave accidente durante la guerra civil. En 1951 publicó Día de alondras, al que siguió Vuelta a la isla (1968) y sobre todo, La esperanza me mantiene (1959), en el que se ha visto con razón, uno de sus logros poéticos mayores, que representa la culminación de un periodo clave en su larga trayectoria poética: el paso del lirismo vanguardista al realismo social. Con posterioridad vieron la luz Entre cuatro paredes (1968), Hora punta del hombre (1970), Las islas en que vivo (1971), Elegías muertas de hambre (1975), Ojos que no ven (1977); A la mar fui a por naranjas (1980) y Hacia la libertad (1980).
Poco antes de su muerte, el Cabildo de Tenerife tuvo tiempo de concederle la Medalla de Oro de la Isla. Pedro García Cabrera, tras una larga enfermedad, fallece en Santa Cruz de Tenerife, el 20 de marzo de 1981.
La obra poética de Pedro García Cabrera se prolongó por más de cincuenta años y atravesó por distintas fases, pero el poeta en ningún momento renunció a una concepción de la palabra poética como aventura espiritual, y, al mismo tiempo, testimonio moral. Y como dijo nuestro poeta al mar, al que le habla del recuerdo de sus amigos (entre ellos, el poeta Domingo López Torres, asesinado por los militares rebeldes a la República, que le arrojaron al mar, enfundado en un saco), y le pide que se los “devuelva”: “Si alguna vez has de morderte el pañuelo del llanto, / si quieres quedarte con la verdad de sus sonrisas, / devuélveme su muerte al menos, / su muerte es mía y no te pertenece”.
Será vano el intento de humanizar las guerras. Lo humano es evitarlas.
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“Es de noche. Se platica
al fondo de una botica.”
Antonio Machado.
SE HACE MENESTER UNA POLÍTICA DE OCIO
La sociedad occidental, y con ella la española, es una sociedad orientada al trabajo y la producción, sin embargo, cada vez resulta más necesario plantearse el tema de ocio.
Entre los sociólogos profesionales hay tendencia a examinar exclusivamente las grandes cuestiones estructurales de nuestra sociedad y marginar por tanto, aquellos aspectos que siendo aparentemente más triviales ocupan una parte no despreciable del tiempo del hombre contemporáneo. El ocio ha ganado en España carta de naturaleza en los últimos años. El desarrollo económico y el incremento del nivel de vida ha generalizado pautas de comportamientos antes minoritarias. La televisión, la radio, la compra y lectura de periódicos y revistas, la escapada a la playa son actividades al alcance de muchos, de la mayoría. La incapacidad crónica de nuestra economía de proveer de trabajo a todos los que lo desean ha dejado a muchos con un tiempo disponible susceptible de usos alternativos. Amas de casa, jóvenes, adultos sin empleo son algunos de los que disponen de un tiempo de ocio para el que están escasamente preparados.
En síntesis, que el ocio, las actividades festivas y lúdicas afectan a todos, a los niños y a los viejos, a los ocupados y a los parados, a los hombres y a las mujeres. Es, en suma, un fenómeno universal. De su generalidad también se benefician la economía y la sociedad española. Cada año, millones de turistas invaden las costas, las autopistas y carreteras en busca de sol, la arena y el mar. De ellos, se obtienen los millones de euros que permiten equilibrar la balanza de pago, generar empleo para muchos, riqueza e industria.
Es posible que la transformación del ocio en industria haya colaborado a la recuperación ideológica de las actividades lúdicas. El ocioso ya no es un parásito, es alguien que contribuye al enriquecimiento colectivo e individual y, por tanto, merecedor de nuestro reconocimiento. Existe además la posibilidad de que el inactivo temporal sea un honrado asalariado, que justifica su cuota de sol y playa con el trabajo retribuido o no disponen de rentas suficientes y que sí disponen de un tiempo de ocio considerable. La transformación del ocio en industria, en mercado, ha generado y generará muchas frustraciones.
Cada vez es más necesaria una política de ocio, una política cultural y deportiva ambiciosa. Ideológica e institucionalmente todo está orientado hacia el trabajo, a la producción, a la generación de riqueza y éstos son bienes escasos y mal redistribuidos. Nadie pone en duda de que el trabajo es muy importante, de que es un factor de producción, de renta, de relaciones sociales, campo de actuación de las políticas gubernamentales, objetivo del sistema educativo, fin y medio a la vez. Pero junto al trabajo, o después de él, aparece el ocio. Y éste, y no sólo como industria sino también como pedagogía, debería atraer nuestra atención. Y como se preguntaba el poeta: “¿Será un crimen pensar que esto es un crimen, / cuando en verdad el verdadero crimen / es no darnos respiro nuestro tiempo / para a diario cometer tal crimen.
Francisco Arias Solis
e-mail: aarias@arrakis.es
URL: http://www.arrakis.es/~aarias
La paz pide una oportunidad.
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EL PRECIO DE LA INDEPENDENCIA POR FRANCISCO ARIAS SOLIS
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EL PRECIO DE LA INDEPENDENCIA
“- Tras estos tiempos vendrán
otros tiempos y otros y otros,
y lo mismo que nosotros
otros se jorobarán .”
Antonio Machado.
EL DEJAR DE TRABAJAR PARA OTROS
En España hay tres millones de personas que trabajan sin jefes y a su propio ritmo y las escasas expectativas de empleo para mujeres y jóvenes empujan a estos colectivos a establecer sus propias empresas. Pero, el trabajador autónomo se haya en una encrucijada de la que será difícil, cuando no imposible, salir por sí mismo. El desarrollo comercial, de producción y de servicio en esta sociedad en la que estamos inmersos, donde desde las prestaciones hasta el consumo, cualquier actividad se realiza a escalas económicas múltiples, hace prácticamente inservibles las ilusiones que aquél pudiera albergar.
Si bien es cierto que, en un pasado no muy lejano, la figura del trabajador autónomo fue ponderada, incentivada socialmente, primada institucionalmente e individualmente ilusionada con el señuelo de un falso independentismo, no es menos cierto que en la práctica, todos estos atributos se han estrellado, desmoronado, hecho trizas ante la realidad actual, ya que la incertidumbre de la debilidad económica y la falta de viabilidad, por la escasez de recursos competitivos, los lleva todo lo más a la parca subsistencia.
La desesperanzada situación de los autónomos en algunos sectores e incluso el descenso de los mismos en talos sectores, tanto en número como en capacidad económica, es especialmente significativo, al no poder hacer frente a las grandes asociaciones comerciales que les invaden, arrinconándoles y apartándoles de las corrientes empresariales.
Los sectores de la alimentación y el comercio, seguido del transporte, son los más afectados por las nuevas formas que imponen la evolución comercial.
Cerca de dos millones de autónomos de los mencionados sectores se encuentran en la gran encrucijada, después de haber tenido un pasado, sin gloria alguna, tener un presente tenebroso y un futuro sin perspectivas, a menos que puedan contar con las aportación y el compromiso de las instituciones nacionales y supranacionales, que asuman, como deben, la ayuda material y humana necesaria para hacer frente a las multinacionales. Necesitan esos medios para agruparse en grandes sociedades laborales y cooperativas.
Los autónomos no han sido los culpables sino las víctimas de los cambios comerciales que se han efectuado y de las grandes operaciones de trasvases económicos y técnicos, habiendo estado alejados de todo centro de toma de decisiones.
En los últimos veinticinco años la reconversión y la deslocalización de empresas ha dejado en la calle a centenares de miles de trabajadores, indemnizados con despidos que sólo le han servido como mínima ayuda para adquirir una pequeña tienda, un camión, un taxi, etc. Muchos de estos autónomos están atravesando una penosa situación y los poderes públicos debieran ser sensibles a sus justas reivindicaciones, evitando con ellos deterioros humanos que conducen inevitablemente a convulsiones sociales, a estados de injusticia y de profunda desigualdad. Y es que, como dijo el poeta: “Una vez que me haya ido / ya nunca más volveré: / porque si vuelvo seré / otro del que antes he sido”.
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“Los árboles que cantan
se tronchan y se secan.”
Federico García Lorca.
LOS JARDINES EVOCADORES DE LA HISTORIA
Al entrar en este viejo jardín, de una ciudad en la que nada envejece porque todo es viejo de nacimiento, nos creemos trasladado a otro mundo. Decimos esto, por explicar la sorpresa que sufrimos al enfrentarnos con estas masas talladas de verdores sobrios y profundos, formas deformadas por la lucha entre el vegetal que busca la libertad de su crecimiento y la mano del jardinero tosco que lo sujeta.
Este jardín casi abandonado con sus paseos llenos de verdín y de hojas secas, llega a desconcertar. Sentimos la inquietud de que las formas negras, fantasmales, de estos cipreses atormentados, tomen vida. Hay en este jardín un dinamismo en sus formas extrañas, que produce una inquietud profunda.
Los jardines evocadores de la Historia, tienen un punto del que no deben pasar, porque entonces se perderían, Quizá este jardín, esté un poco pasado; tal vez expuesto a desaparecer si no hay quien acierte a sujetarlo, a guiarlo, ocultamente, para que aparezca, sin jardinero, bello por sí mismo, recordando aquella pregunta que nos formuló el escultor Rodin: “¿No habéis visto que un jardín sin jardinero es bello por sí mismo?”
En el centro de este jardín hay una estanque donde se eleva un pedestal con un grupo escultórico y otros adornos por los que brota el agua. Los pedestales de los muretes, sustentan vasos de antigua cerámica y en el lado frontero se desarrolla una escalinata ancha de muy bella proporción, también con sus barandas y pedestales, y tanto los de la escalera como los de arriba, de este lado del murete se adornan con vasos y esculturas de mármol.
A una y otra parte de la escalinata y en los espacios que quedan entre el avance de ella y los ángulos de los muros, se encuadran dos estanquitos rústicos con graciosos grupos de figurillas de mármol que conciertan con los que decoran por arriba el barandal, haciendo todo un conjunto bellísimo y alegrado por juegos de agua no sólo en los estanques sino también en los mismos paseos, donde brotan por sorpresa, surtidores finísimos tan delgados como hilos; y toda esta graciosa y delicada composición, destaca sobre las imponentes masas negras de las arcadas de cipreses que la rodean formando un raro contraste.
Un bosque con altísimos árboles, sirve de fondo y término a estos jardines y bajo su fronda hay un gran estanque. Más al fondo, se eleva una montañita artificial con grutas y puentes rústicos, poblada también de grandes árboles y arbustos de formas y tonalidades diversas.
Hay también otro sector que sufrió reformas modernas sin tenerse en cuenta el estilo antiguo. La nueva composición resulta rígida y seca, muy distante de la gracia que ostentan las ordenaciones primitivas de este jardín bellísimo.
Los jardines históricos de España, aparte de lo que cada uno representa tiene el gran interés, de constituir la historia del arte de la jardinería desde los moriscos de la Edad Media hasta la actualidad, y tales ejemplos deben ser más para conservarlos como oro en paño que para ensayar reformas; y las restauraciones sólo son admisibles para reconstituir fielmente lo perdido. Además, sería imposible depurarlos, ya que cada generación ha ido dejando algo en ellos. Así es, que lo más acertado sería respetarlos tal y como han llegado hasta nosotros si son bellos. Y como dijo el poeta: “Como si fuera una sombra / por este jardín sombrío / voy andando, solitario, / sus solitarios caminos”.
Será vano el intento de humanizar las guerras. Lo humano es evitarlas.
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“Este gran don Ramón de las barbas de chivo,
cuya sonrisa es la flor de su figura,
parece un viejo dios altanero y esquivo
que se animase en la frialdad de su escultura.”
Rubén Darío.
UNA BUENA BARBA ABRIA TODAS LAS PUERTAS
Hemos hablado en alguna ocasión de lo que valen las barbas. Hoy valen muy poco, evidentemente, pero no están tan lejanos aquellos tiempos en que una buena barba le abría a su poseedor todas las puertas, y en que al hombre imberbe o lampiño no se le consideraba realmente un hombre. Entonces, cuando alguien quería un cargo, lo primero que necesitaba era una barba a propósito para desempeñarlo. Había barbas de ministro, barbas de gobernador civil, barbas de presidente de la Diputación, barbas de alcalde, etc., etc., y los altos cargos se distribuían entre las grandes barbas con el mayor espíritu de equidad y de justicia. La gente cultivaba sus barbas con toda clase de abonos, desde la fría loción de perfumería a la sopa de fideos o al rico café. Las cultivaba, las peinaba, las rizaba, las ondulaba, las planchaba y, en caso necesario, las mandaba al tinte. El Estado cuidadoso de su propio ornato, decoro y representación, necesitaba muchísimas y variadas barbas y estimulaba con toda clase de recompensas el desarrollo de las mismas.
Por desgracia aquellos tiempos acabaron ya. Hoy no hay público capaz de apreciar artísticamente una buena barba, y sólo en las zonas más frías del planeta, quedan algunos de estos aditamentos capilares a modo de bufandas o prendas de abrigo. La barba, como tal barba, ha pasado definitivamente a la historia.
El día que se haga una historia crítica de las barbas a través de los tiempos, se habrá hecho una historia del hombre y de la civilización tan perfecta como la que más. Por qué en unas épocas determinadas todo el mundo se deja la barba. Por qué en otras épocas se las afeita o las recorta. Por qué hay periodos en que todas las barbas adoptan la misma forma, y otros, como, la segunda mitad del siglo XIX, apogeo del liberalismo, en que cada ciudadano tiende a manifestar su personalidad por medio de su barba. Por qué en ciertos momentos históricos cada profesión tiene sus barbas privativas y un notario no puede usar barbas de almirante ni un juez barbas de farmacéutico... Por qué en el último periodo de nuestra reciente dictadura los ciudadanos delataban sus distintas ideologías por medio de sus barbas, lo que era de sobra conocido por la policía del régimen. Estos serán los principales temas a estudiar y a esclarecer.
Evidentemente, las barbas están en nuestros días enteramente desacreditadas en todas partes, a lo que sin duda alguna, ha contribuido de manera principalísima el uso inmoderado que se hizo de ellas en la política y el posterior acceso de la mujer a los cargos políticos. Ningún prestamista las admite ya . Ningún banco la exige a la hora de solicitar un préstamo hipotecario para la adquisición de una vivienda. Ningún Consejo de Administración las busca ni solicita para presidir sus reuniones, y hasta aquellos que antes la utilizaban como un distintivo han acabado por abandonarlas completamente. Lo que no se sabe es si este abandono será temporal o definitivo. Hay quien cree que, inventadas las máquinas eléctricas de afeitar, los hombres no volverán ya nunca a dejarse la barba, y hay quien, por el contrario, ateniéndose a otro tipo de razones, opinan que este siglo será más barbudo que un puercoespín, es decir, un siglo con toda la barba. Y es que, como dijo el poeta: “Hombre de España; ni el pasado ha muerto, / ni está el mañana -ni el ayer- escrito”.
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FORO LIBRE
ASOCIACION CULTURAL, ARTISTICA Y LITERARIA
Francisco Arias Solís - Presidente ~ Plaza San Severiano, 2 ~ 11007 – CADIZ
e-mail: pazylibertad@arrakis.es
URL: http://www.arrakis.es/~aarias
“¡Que vivan la unidad y la porfía!
Sí, señor. Tiene Chile candidato.
Costó trabajo. Era una fantasía,
Hasta que hoy la lucha se comprende.
Marchar, marchar como la luz del día.
El presidente es Salvador Allende.”
Pablo Neruda.
HOMENAJE DE FORO LIBRE A SALVADOR ALLENDE
El próximo lunes, día 11, a las 20.30 horas, en la cafetería-restaurante El Cantábrico (Avda. Cayetano del Toro, 21, Cádiz), la Asociación Cultural, Artística y Literaria FORO LIBRE celebrará un encuentro literario sobre la vida y la obra del presidente de la República de Chile Salvador Allende (1908-1973), con motivo del 33º aniversario de su muerte..
“Siempre recordaré con emoción –escribía Salvador Allende- cómo el pueblo que escuchaba nuestros discursos políticos escuchaba con emoción y en silencio expectante la lectura que hacía Pablo (Neruda) de sus versos. Qué bueno fue para mí ver la sensibilidad del pueblo, y cómo los versos del poeta caían en el corazón y la conciencia de las multitudes chilenas”.
Poco después de las once de la mañana del martes once de septiembre de 1973, se escuchó nuevamente en Radio Magallanes, la voz de Allende. Algo más ronco, que a las ocho y diez, en un tono más triste. Pero siempre sereno, sin arrebatos dramáticos, ofreciendo su propia muerte a su pueblo pero sin arengarle para no lanzarle a una tremenda y desigual carnicería. “Tal vez es la última vez que oiréis mi voz... “. Dijo una frase sobre su fe en “el hombre libre que construirá una sociedad mejor”. Y habló cada vez más ronco al decir “tengo fe en Chile y su destino”. Se oían disparos cada vez más nutridos cerca de sus palabras.
En ese momento Radio Magallanes enmudeció. Bajo el cielo triste de Santiago se escucharon las explosiones de los cohetes aire-tierra, el estruendo sordo de los cañones de los tanques, tiros. Un humo espeso se elevaba sobre La Moneda que estaba ardiendo.
Aquella ronca voz entre el humo y los tiros, dura ante la traición, emocionada y cariñosa cuando se dirigía a su pueblo. Hablaba mientras encaraba la muerte y sabiendo el dolor que iba a inundar a su patria. Aquel hombre que se despedía en plena vida afrontando la violencia de la muerte, nos ha dejado su viva voz. Nadie podrá borrar la voz ya escuchada, la voz de Salvador Allende que es la voz de su pueblo. Y como dijo el poeta: “Para matar al hombre que era un pueblo / tuvieron que quedarse sin el pueblo”.
Siempre podemos hacer algo por la paz y la libertad.
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DE LAS VACACIONES A LA ANSIEDAD POR FRANCISCO ARIAS SOLIS
by
DE LAS VACACIONES A LA ANSIEDAD
“Muere la tarde en el mar
y no sé si muero cuando
he de volver a empezar.”
Rafael Alberti.
TRASTORNOS DE ANSIEDAD
En nuestra sociedad, especialmente en las grandes ciudades abundan los procesos ansiosos que pueden ser identificados en muchos casos con lo que se conoce como estrés, término que define un estado de tensión excesiva.
Puede decirse que la ansiedad es una de las consecuencias de aquellos estados caracterizados por tensión emocional y se reconoce por un mayor o menor grado de angustia o intranquilidad y por una sensación de pesadumbre que impiden el sosiego de quien lo padece.
El rasgo esencial de los trastornos más comunes ocasionados por la ansiedad es un miedo irracional hacia algo, que puede ser persistente o aparecer repentinamente.
Estos trastornos son mucho más frecuentes de lo que indican las estadísticas, pues rara vez las personas que los sufren buscan tratamientos, con los que corren el riesgo de que estos problemas se vuelvan crónicos.
Se calcula que del 3 al 5 por ciento de la población española padece trastornos de ansiedad y se puede afirmar que una de cada cuatro personas que acuden a una consulta médica los presentan.
Las mujeres son más vulnerables a estos trastornos que los hombres y la proporción de las que los sufren es casi el doble a la de los varones. No obstante, los datos epidemiológicos se hayan muy influenciados por otros factores: sociales, culturales, ambientales, etc.
Las agresiones que causan procesos ansiosos, son fácilmente identificables en la vida diaria. Unos estímulos afectan al área psicosocial como los conflictos familiares, la calidad de hábitat, conflictos laborales (acoso laboral, exceso de responsabilidad, trabajo en cadena, fatiga, jornadas largas, condiciones de trabajo inseguras, desempleo, etc.), otras agresiones psicofísicas, como los traumatismos, intervenciones quirúrgicas, accidentes y un largo etcétera.
La adaptación de todos estos estímulos supone un esfuerzo que el propio sistema social nos exige en nombre de un supuesto progreso: ruidos, atascos, contaminación, prisas, competitividad, etc.
Cada vez son más los ciudadanos que pasan de un vuelo, de las vacaciones a la ansiedad . Pasan sin sentir que pasan. Vuelan sin saber que vuelan. Tienen miedo de no ser y tienen miedo de ser, y, sobre todo tienen miedo de soñar. “Aprende a ser el que eres”, afirmó Píndaro. Y nuestro Calderón, al paño: aprende a ser el que sueñas. Y es que, como dijo otro poeta: “El sueño de cada día / dánosle hoy, Señor. / Y perdónanos si en sueños / no te soñamos mejor”.
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“Salen las barcas al amanecer.
No se dejan amar
pues suelen no volver
o sólo regresan a descansar.”
José Gorostiza.
LA VOZ MEXICANA DE LA POESIA PURA
México constituye, junto con el Río de la Plata y las Antillas, uno de los centros más importantes de creación poética de la América de lengua castellana.
La poesía de Vanguardia encontró en México terreno propicio; los “ismos” de posguerra se difundieron, encontrando intérpretes valiosos en poetas que conquistaron merecida fama. El grupo más significativo fue el que se reunió en torno a la revista Contemporáneos (1928-1931).
De los poetas que pertenecieron al grupo de los “Contemporáneos” , los más destacados fueron Carlos Pellicer, Xavier Vlllaurrutia y José Gorostiza. Carlos Pellicer fue un brillante colorista. Poeta de la nostalgia de la muerte es Xavier Villaurrutia. José Gorostiza es el representante de la poesía pura.
José Gorostiza nació en Villahermosa , Tabasco, el 10 de noviembre de 1901 y falleció en Ciudad de México el 16 de marzo de 1973. Profesor de Literatura Mexicana en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Nacional Autónoma de México, de Historia Moderna en la Escuela Nacional de Maestros y jefe del Departamento de Bellas Artes de la Secretaría de Educación Pública. Desempeñó funciones diplomáticas en Londres, Copenhague y Roma. Fue asesor del representante de México ante el Consejo de Seguridad de la ONU. Presidente de la Comisión Nacional de Energía Nuclear. En 1954 fue elegido miembro de la Academia Mexicana de la Lengua correspondiente de la española y en 1968 recibió el Premio Nacional de Letras.
La poesía de Gorostiza es diáfana y colorista, constructor de extensos poemas en los que rescata las formas tradicionales. Persigue una perfección que tiene como maestros a Garcilaso, Góngora y Juan Ramón Jiménez, y que se manifiesta en los matices cristalinos, en atmósferas que cortan los contactos con lo finito para fijarlos en regiones donde los elementos anuncian el paso breve hacia las alturas celestes.
Canciones para cantar las barcas (1925) es su primer libro. En él, el poeta llevó a cabo una valiente eliminación, una “liquidación espiritual” como la definió, de su producción juvenil, salvando sólo una veintena de composiciones. La atmósfera es de una extraordinaria fineza, las sensaciones de color son sutiles, el ritmo mesurado, espontáneamente musical; la reflexión lleva al poeta a ver, a través de sentimientos y formas, una realidad única que domina la vida del hombre: la muerte, a la que preside la melancolía de las cosas, la soledad y el silencio. La vida no presenta sonidos frente a la muerte. Gorostiza canta la tristeza del corazón, la belleza del mar y del cielo como acentuación del dolor.
Sus colores son tenues, esfumados, melancólicos. Pero en Muerte sin fin (1939), poema que se ha relacionado justificadamente con el Primero sueño de Sor Juana y con Le cimetière marin de Valéry, construye sutiles andamios metafísicos para expresar una alta región del espíritu. En 1964 publicó Poesía y en 1988 apareció Poesía y poética, que además de algunos poesías dispersos incluye artículos de critica literaria, unas “Estampas mexicanas” , una breve pieza teatral escrita en su juventud y algunos textos de una novela inacabada.
En Muerte sin fin a través de un simbolismo aparentemente oscuro, el poeta celebra el sentido panteísta del eterno morir que es el vivir eterno, y de la vida que es “muerte sin fin”. Y como dijo el poeta: “Sobre esa libertad enardecida / que se agobia de cándidas prisiones”.
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“¿De dónde este volcán que arroja pliegues,
que arruga y desarruga
el fuego, que es capaz de hacer líquido el rayo
y de escorzar la voz de las tinieblas?”
Rafael Alberti. El Greco.
LA VOZ DEL MAESTRO DE TOLEDO
Solía firmar El Greco con caracteres griegos y en ellos escribía: “Doménikos Theotokópoulos, Cretensis, fecit”. Esto ha permitido identificar fácilmente su obra de los primeros tiempos. Y la obra del Greco, en cuanto a cantidad es abrumadora.
Nace El Greco en Candía (Creta) en 1541 y muere en Toledo el 7 de abril de 1614. Cuando llegó El Greco a Venecia, Tiziano lo puso a trabajar en un cuadro de grandes proporciones encargado por Felipe II para el Escorial. El cuadro representaba el martirio de San Lorenzo. Al escribir Tiziano al rey en carta de 2 de diciembre de 1567 le dice que le ha ayudado un joven discípulo de gran mérito. Todos los historiadores creen que habla de El Greco y es más que probable que sea verdad.
Debió llegar El Greco a Roma hacia 1569 y fue al año siguiente cuando pintó el retrato de Giulio Clovio , que causó sensación e hizo que El Greco se convirtiera en una figura de primer orden.
El Greco oía hablar en Roma de las bellezas y grandezas de una España todopoderosa, de la belleza legendaria de Toledo. En 1560 era Toledo la capital de España. Las espadas de Toledo no sólo eran famosas por el temple, sino también por la artesanía y el lujo, que hacía de muchas de ellas verdaderas joyas.
El Greco llega a Toledo en 1577, precedido por una fama considerable. Lo primero que pintó El Greco en Toledo fue una Asunción de la Virgen. Si en esta Asunción imitó a Tiziano, en su Adoración de los pastores, su segunda obra en Toledo, imitó a Correggio.
Cuando El Greco terminó sus encargos en Santo Domingo el Antiguo pudo haberse marchado de Toledo y de España. La vida era costosa, especialmente en la ciudad del Tajo, que albergaba más población de la que se podía acomodar. Pero había una mujer. Una española a quien conoció en Madrid, que era de origen toledano, Doña Jerónima de las Cuevas. Se conocieron, se enamoraron y vivieron juntos el resto de su vida.
El Greco pintó a aquella mujer de mil maneras. Como Virgen María, como Magdalena, como Marta. Como ángel anunciador y como querubín. Después pintó muchas veces al hijo que tuvo de ella. Los dos madre e hijo, son productos estilizados, graves, terriblemente cargados de substancia y de esencia, como suelen ser los toledanos.
Hasta que apareció en 1908 el memorable libro de Don Manuel B. Cossío habían considerado todos a El Greco excéntrico, y más o menos, neurótico Así iban las cosas en el mundo ibérico. La saludable visión de El Greco, más vital que formal, les parecía a ellos enfermedad y locura.
El entierro del conde de Orgaz es el milagro. El mismo Doménikos lo dijo en el curso de un proceso judicial.: “Esa es mi obra sublime”.
La obra sublime nació en una circunstancia bien terrestre: el encargo del párroco de Santo Tomé, que necesitaba en una capilla algo alusivo al patrono de la parroquia, Señor de Orgaz, de quien la leyenda dice que no fue enterrado por los sepultureros, sino por los mismos San Esteban y San Agustín, que bajaron con ese fin del cielo. Un cronista de los tiempos del Greco dice que el milagro ocurrió en presencia de quinces testigos, todos ellos notables de la ciudad.
En este lienzo puso El Greco todo y antes que nada lo mejor de su propia existencia , su hijo Jorge Manuel, vestido de pajecillo, con la vivacidad despreocupada de sus ocho años, mirando al público y señalando con el dedito el prodigio. La figura central el señor o conde de Orgaz, no está idealizada. Es, ni más ni menos, un cuerpo muerto. Ante ese obra de arte se podría estar hablando eternamente porque hay en ellas dimensiones y ecos de universalidad. Y como dijo el poeta: “Tu mejor monumento arde en tu frente. / Te alzas total imperativamente. / A ti soplo y razón de la Pintura”.
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“Y la puesta de sol en la Pradera.
Y el embozado
con su chistera.
Y la gracia y la desgracia.
Y la desgracia de la gracia.
Y la poesía
de la pintura clara
y la sombría.”
Rafael Alberti. Goya.
LA VOZ DEL PINTOR DE LA POESIA
Goya fue desde el primero al último día de su vida un hombre del pueblo. Nació en Fuendetodos, aldea aragonesa, el 30 de marzo de 1746. Estamos ante un aragonés universal, que escribió, con sus pinceles, algunos de los capítulos más dramáticos de la historia de España a caballo entre los dos siglos claves de la moderna historia de Europa. Francisco José de Goya y Lucientes pierde el habla durante una hora el 2 de abril de 1828, catorce días, más tarde, muere.
Goya buscaba el movimiento exterior y el interior en la calle, en el pueblo,. Era para Goya el pueblo y lo popular la fuente inagotable, pero la expresión no era nunca lugar común, ya que éste no se halla en el mundo de las formas exteriores, sino en las transferencias positivas o no de la visión del artista que mira. A fines del siglo XVIII la corte española comenzaba a sentirse atraída por el prestigio de lo popular: las majas, los majos, las manolas, los chisperos, la manera, el vestido y giro de la calle. Goya acentuó la corriente y la consagró en las alturas cortesanas.
Con Goya se produce una escuela de lirismo visual que no es ya “imitación de la naturaleza” de los clásicos, sino la superación de la naturaleza por el efecto inefable cristalizado en la superconciencia del todo inmune a cualquier forma de análisis. Se puede hablar, desde Goya y más tarde Picasso y todas las escuelas modernas de poesía visual, es decir, incongruencia lírica de fuerte resonancia en los sentidos del que contempla.
“El tiempo también pinta”, nos decía Goya. Demos, por buena esta afirmación goyesca, y preguntemos, si el tiempo también pinta, ¿cómo pinta? ¿Pinta como Goya? ¿Pinta como quiere?
Goya empezó en su tiempo, a tratar de pintarle a él; empezó haciendo pintura del tiempo, pintura de historia. En su tiempo era una pintura obligada. Pintura teatral. Un cuadro de historia era naturalmente y por principio un cuadro sin historia; sin historia propia, sin auténtica temporalidad. Una pintura representativa de ese modo, era una abdicación histórica de la pintura; de la voluntad del pintor; de la voluntad de pintar. Una caprichosa negación de la pintura misma.
“La historia y la poesía todo puede ser uno” -había escrito Lope-. La poesía, más verdadera que la historia, ¿convertirá el cuadro de historia en cuadro de poesía?, ¿la pintura de historia en pintura de poesía? O sea, en pintura de verdad. Porque todo puede ser uno, en el tiempo, y aún por el tiempo, para el hombre, por él y para él. Esta humanización del arte de pintar –arte poético y no histórico, esto es, revolucionario y no evolutivo-, es la primera verdad de nuestro Goya; la que caracteriza su pintura como pura voluntariedad; como capricho. Como pura voluntariedad la pintura de Goya es asombrosamente exacta, justa, precisa, creadora; inventiva; fantástica. Monstruosamente genial.
Goya empezó a temporalizar sus historias pintadas humanizándolas de verdad. Esto es lo que se ha llamado, equivocadamente, psicología. Goya, pintor de retratos, o sea pintor del hombre temporal, no es un psicólogo, es todo lo contrario: es un poeta; es decir, un verdadero pintor.
Los monstruos más disparatados y caprichosos de toda la pintura goyesca son probablemente sus retratos (La Chinchón, María Luisa, Las majas).
Las verdades más claras de España son las populares que nos pintó Goya. Tan claramente, por el preciso agravio que a su resplandor pusieron sus márgenes de sombra. No hay pintura más clara para los ojos, como para el entendimiento –para el entendimiento humano de lo español- que la oscura y clara. La negra o roja; blanca o coloreada; del enorme Goya.
Los sueños de la razón goyesca –disparatada, caprichosa- nos entran por los ojos esas imágenes geniales, generadoras de nuestra verdad y nuestra vida: la popular de España. Y como dijo el poeta de la pintura, Rafael Alberti: “Pintor. / En tu inmortalidad llore la Gracia / y sonría el Horror”.
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“De que sirve, decid, hacer alarde,
flores, de vuestros vanos resplandores,
si cuando el sol recuerda, nacéis flores
y no os halla la sombra de la tarde?”
Juan Pérez de Montalbán. . .
LA VOZ DEL DISCÍPULO PREDILECTO DE LOPE
Juan Pérez de Montalbán en sus días gozó de gran popularidad, como lo demuestran las repetidas ediciones de sus obras , y tuvo a la vez numerosos enemigos que le zahirieron con despiadadas burlas. Entre todos aquellos se distinguió Quevedo que le dirigió la sarcástica Carta consolatoria, con motivo de haberle silbado una comedia, le ridiculizó con su Perinola cuando publicó un libro de miscelánea Para todos y compuso aquel gracioso epigrama en que satirizaba loa supuestas pretensiones de hidalguía del dramaturgo madrileño: “E l Doctor tú te lo pones , / el Montalbán no lo tienes, / con que quitándote el don / vienes a quedar Juan Pérez”.
Estos ataques de sus contemporáneos han ocasionado también en buena parte la desestimación literaria de que en nuestros días se le viene haciendo objeto; desestimación, y casi oscurantismo, que como herencia irremediable recibe al cabo de los siglos.
Discípulo predilecto de Lope, Juan Pérez Montalbán nació en Madrid en 1602. Era hijo del librero Alonso Pérez, gran amigo de Lope y editor de muchas de sus obras. Montalbán estudió en Alcalá, donde su padre había tenido anteriormente tienda de libros, se doctoró en Teología y fue ordenado sacerdote en 1625. Fue notario de la Inquisición, y vivió activamente la vida literaria de Madrid. Perdió la razón en los últimos años y murió en Madrid el 25 de junio de 1638.
En 1624 publicó Montalbán el Orfeo en lengua castellana, poema en cuatro cantos, alabado por Lope a quienes algunos contemporáneos se lo atribuyeron. En el mimo año en que apareció el Orfeo hizo imprimir Sucesos y prodigios de amor, colección de ocho novelas, varias veces reeditadas y pronto traducidas al italiano, francés e inglés, que se cuentan entre las más licenciosas de la literatura del Siglo de Oro. La llamada novela cortesana, en particular, gozaba de la apasionada demanda entre un público ocioso, que alternaba este entretenimiento con las comedias. Montalbán, que tenía entonces veintidós años y una desbocada imaginación, satisfizo cumplidamente los gustos de aquellos lectores.
En 1633 publicó Montalbán Para todos. Exemplos morales, humanos y divinos, obra dividida en siete partes, una para cada día de la semana, en la que agrupó novelas, comedias, discursos sobre materias diversas y donde cita hasta trescientos escritores al modo de El laurel de Apolo de Lope. El Para todos se sirve del marco del Decamerón de Bocaccio; el autor imagina que en una quinta a orillas del Manzanares se reúnen los hombres de mayor ingenio y las damas de más belleza y gracia de la corte, y acuerdan que durante los días de una semana tratarán sobre temas de erudición, acabando con la lectura de una comedia o novela.
Los aciertos mayores y permanentes de Montalbán pertenecen al teatro. Fue poco afortunado en los “autos” ; en su Polifemo, incluido en el Para todos, trató sin éxito de llevar el conocido, mito del gigante al simbolismo religioso: “Esto no es alegoría, sino algarabía”, dijo Quevedo. Mucho mejores son algunas de sus comedias de santos o leyendas piadosas, como La gitana de Menfis, Santa María Egipcíaca y El divino portugués, San Antonio de Padua.
Con soltura mucho mayor se mueve en las comedias de intriga o de capa y espada, donde consigue dos bellas obras: La toquera vizcaína y La doncella de labor. En sus comedias sobre la historia de España dramatizó la vida de personajes enérgicos, como El señor don Juan de Austria, Diego García de Paredes y La monja alférez. Pero su obra más notable de esta especie es la Comedia famosa del gran Séneca de España, Felipe II.
Hoy día se recuerda a Montalbán sobre todo por su Fama póstuma en honor de Lope y por sus elogios y recuerdos del Fénix, del cual fue su primer biógrafo.
“Los artificios de sus comedias –dice Mesonero Romanos- son muy ingeniosos y están complicados y desenvueltos con gran destreza”. Y añade: “con excepción de Tirso de Molina y Moreto, acaso de ningún otro autor de nuestro teatro pudieran extractarse tantos trozos bellísimos de elocución, tantos pensamientos elevados, tiernos o satíricos, encerrados en versos correctos inspirados y llenos de la más bella poesía”. Montalbán poseía las dos facultades esenciales en todo dramaturgo: la fantasía creadora y el arte de decir.
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“No he de callar por más que con el dedo
ya tocando la boca o ya la frente
silencio avises o amenaces miedo.”
Quevedo
LA ESPAÑA DESPERTADA DE SUS SUEÑOS DE SIGLOS
La generación del 98, tres siglos después, alza idéntica bandera que Quevedo: decir la verdad. A principios del siglo XX, Machado, Unamuno, Azorín, Baroja, Valle-Inclán, escribirán, los párrafos más crueles y desgarrados que nuestra literatura conoce. Hacia 1902, Antonio Machado escribe versos como estos: “Y es hoy aquel mañana de ayer... Y España toda, / con sucios oropeles de Carnaval vestida / aún la tenemos: pobre y escuálida y beoda”.
Con Quevedo se ha cometido una gran injusticia. Su “denuncia” de la España del siglo XVII, se ha calificado de cruel. Sin embargo, Quevedo lo que se proponía era “despertar” a España, en aquella época de inmovilismo, en que las clases dirigentes del país parecían embriagadas de una grandeza hispánica sin cobertura de una realidad económica.
Quevedo da la consigna para el futuro. “No he de callar por más que con el dedo...” Decir la verdad. Luchar por la verdad . Proclamar la verdad. Las denuncias de Quevedo, dan sus frutos correspondientes y España parece despertar a la realidad en el siglo XVIII. Carlos III inicia la liquidación del feudalismo y acomete una serie de reformas para cambiar las estructuras que no responden a la realidad interna del país. Por primera vez empieza a pensarse en la conveniencia de fomentar las fuentes de riqueza nacional a través de medidas que desarrollen la agricultura, el comercio y la industria.
Se intenta, al mismo tiempo, combatir la incultura colectiva luchando contra la ignorancia y los prejuicios. Diríase que España, después de la inesperada herencia de los caudales de América, que derrochó en locas aventuras imperiales, va a entrar en una sensata madurez que le permita acrecentar los escasos caudales que le quedan.
Pero este avance, este caminar por rutas más reales y menos fantásticas quedará interrumpido a fines del siglo XVIII. Las clases influyentes del país, que recibieron la “apertura” política de Carlos III con rechinar de dientes, se cierran en bandas para recuperar sus antiguos privilegios.
Aquella España que pasó y no ha sido, está dejando paso a la España que quiere ser. A esta España, tenemos ansia de verla, es necesario absolutamente necesario que se haga de nuevo visible al mundo, despertada de sus sueños de siglos.
Queremos que España despierte, porque ya está despierta, queremos... una ética, una moral, un vida para todos. Queremos huir de los delirios, de promesas incumplidas y de las consiguientes frustraciones, queremos encontrar la medida justa, la proporción según la cual la convivencia sea efectiva, de manera que España sea un país habitable para todos.
Los campesinos de Granada, recibían a Fernando de los Ríos, candidato a diputado por aquella circunscripción, con esta aclamación conmovedora: “¡Viva el despertaor de las almas dormidas!” Despertar es renacer cada día . Y como dijo el poeta. “Si vivir es bueno / es mejor soñar / y mejor que todo / madre, despertar”.
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*La actriz y activista social presentará el jueves su primer libro, Entre dos fuegos
*La novela habla de la intimidad y el poder, el cual es fascinante y aterrador, asegura
MONICA MATEOS-VEGA
-Miércoles 23 de agosto de 2006-
Economista de formación, actriz por hobbie, zapatista y activista social por convicción, Ana Colchero afirma que ha sido capaz de pararse frente a uno que otro político para decirle, mirándolo a los ojos y sin pudor: "¡es usted un cerdo!"
Por eso ahora no tiene ni un ápice de miedo de presentar su primera novela, titulada Entre dos fuegos, en la cual, en poco más de 300 páginas, entrelaza una historia acerca del poder, con otra de amor.
Sabe que en el mundo de la cultura pesará su pasado como protagonista de telenovelas como Alondra y Nada personal, y que ese estigma se verá reflejado en las críticas literarias, pero ella está radiante, dispuesta a todo con su libro bajo el brazo.
"Sólo quiero que a las personas comunes y corrientes, no a los especialistas, les guste esta novela sobre la intimidad y el poder, el cual me parece fascinante y aterrador", explica Ana Colchero en entrevista con La Jornada.
''Tenemos todo el derecho de insultarlos''
Entre dos fuegos cuenta la historia de Demetrio Orihuela, presidente de un país latinoamericano ficticio, quien está a punto de concluir su segundo periodo presidencial y trama los acontecimientos para perpetuarse en el poder. Simultáneamente, Jan Oleski establece una profunda relación con Soledad, una muchacha "de ojos tristes y manos suaves" que le cambiará la vida; "los sucios tentáculos de la política invaden el paraíso de los amantes", dice la solapa del libro.
Colchero apunta: "muchas personas encontramos en el poder algo que detona una gran cantidad de cosas a nivel sicológico, eso quise retratar en este relato, el cual convertí en una aventura de intriga y confabulación; de lo contrario, me habría salido un ensayo sobre el poder, pero quedó algo divertido.
"Hice una novela anterior a esta que no me animé a publicar, fue a manera de ejercicio. Ya son varios los años que me he pasado escribiendo, pero no se lo decía a nadie, no tenía sentido. Pero en 2001 me propuse dedicarme de manera formal a la literatura.
"Desafortunadamente mucha gente me conoce en otras cosas, de la televisión, y dirán, bueno, pues una más que quiere ser escritora. Pero quizá en esta narración se encuentre mucho de lo que he vivido en mis actividades de apoyo al movimiento zapatista, pues ahí conocí cómo se manejaban los políticos, cómo son ante el pueblo, cómo manipulan.
"Claro, también hay políticos que funcionan como debe de ser, aunque son los menos. La historia de Entre dos fuegos no sucede en México porque no quise hablar de personajes específicos, aunque hubiera sido muy divertido.
"En realidad mi trato con gente del mundo político ha sido muy poco. Están acostumbrados a que nadie les diga lo que en realidad se piensa de ellos. Cuando me he encontrado con algún político yo le he dicho 'eres un cerdo', o cosas menos suaves, y generalmente no lo pueden entender. Pero tenemos todo el derecho de insultarlos: por qué lo voy a saludar con amabilidad si creo que es un cerdo que a cada momento nos falta al respeto como ciudadanos.
"Sobre todo, me preocupé por plasmar en mi novela personajes de carne y hueso, y tratar de contar una historia entretenida. Son siete protagonistas que traté de que estuvieran lo mejor delineados."
''Antes de criticarme, lean la historia''
La charla con Colchero se desarrolla en su casa, en la cual lo mismo se ven carteles alusivos al EZLN que un librero donde destacan varios libros de Bertolt Brecht, Günter Grass, Vladimir Navokov y Gabriel García Márquez.
La novel escritora asegura que al momento de redactar su historia le costó trabajo abordar las escenas crudas y escabrosas: "porque son un poco fuertecitas, de violencia o sexuales. Muchos me preguntan cómo se me pudo ocurrir todo eso. Da un poco de pudor, porque es como encuerarse por dentro. Pero lo gocé mucho.
"Me sería imposible escribir si fuera una tortura. Desde niña he disfrutado mucho escribir. Cuando empecé a construir esta historia me divertí mucho. Las cosas escabrosas me estremecían, pero luego pasaban casi sin darme cuenta y decía, 'bueno, ya sucedió y así se tiene que quedar'.
"Sé que al dar a conocer este libro me estoy arriesgando mucho, pero es la única manera de superar el temor. Lo hice lo mejor que pude y me tardé todo lo necesario para dar lo mejor. Empecé a escribir Entre dos fuegos en 2004.
"Espero que ahora la gente me acepte como novelista, pues sé que es difícil que en el medio intelectual acepten como escritora a alguien que fue actriz de telenovelas, pero así es la vida y más vale hacerlo que no atreverse nunca.
"Por lo menos espero que antes de criticarme lean la novela. Lo que me importa es que el lector se entretenga, sin más pretensiones, porque no quiero competir literariamente con nadie, pero sí escribir lo mejor posible, que sea legible. Pues pude haberme puesto muy reflexiva y rebuscada, pero sólo quiero compartir esta historia con todos."
La novela Entre dos fuegos de Ana Colchero, de Editorial Planeta, será presentada el jueves 24 de agosto a las 19 horas en la Capilla del Centro Cultural Helénico por el escritor José Agustín. Realizarán una lectura de la obra los actores Gonzalo Vega, Edith González y Alberto Estrella.
Hola amigos como estan me llamo natalie y quisiera invitarlos a mi pagina dedicada a Christian meier, hay fotos, documentos y las ultimas noticias del bellisimo actor... por favor visiten y dejen un mensaje, gracias por todo queridos amigo y disculpen la molestia...
link: http://movies.groups.yahoo.com/group/ChristianMeierClub/
“Si el agua te es placentera,
hay allí fuente tan bella
que, para ser la primera
entre todas, sólo espera
que tú te laves en ella.”
Gaspar Gil Polo.
LA VOZ DE LA SABROSA SENCILLEZ
La Canción de Nerea del poeta valenciano, ha sido calificada por Menéndez Pelayo como “la más linda de todas las églogas piscatorias que se han compuesto desde que Teócrito inventó el género”. Gil Polo suele tener tan sabrosa sencillez y facilidad en su forma poética que parece directo heredero de Garcilaso.
Gaspar Gil Polo nace en Valencia en 1529. Tenemos escasas noticias de la vida de Gil Polo que por eufonía trocó el orden de sus apellidos. Su padre se llamaba Jerónimo Polo. Al poeta valenciano se le ha confundido algún tiempo con un hijo suyo del mismo nombre, jurisconsulto y autor de varios libros de Derecho, y con otro Gil Polo, profesor de griego en Valencia. Del autor de la Diana enamorada apenas se sabe sino que era notario en la misma Valencia por los años 1571 al 1575; que fue asesor de la Bailía y lugarteniente del Maestre Racional de aquel reino. En 1579 renunció a su cargo a favor de un hijo suyo y pasó para asuntos del Patrimonio Real a Barcelona, donde murió en 1591.
El mismo año que su Diana enamorada (1564) aparece, también en Valencia la Segunda parte de la Diana, del médico salmantino Alonso Pérez.
De la calidad literaria de la Diana enamorada baste decir que Menéndez Pelayo la llamó “la pura, la exquisita obra de arte” y dijo de ella que es “una de las pocas novelas pastoriles que pueden leerse íntegramente, no sólo sin fatiga, sino con verdadero deleite”. En el escrutinio de los libros de Don Quijote se salvó este del fuego haciéndole decir Cervantes al cura que “la de Gil Polo se guarde como si fuera del mesmo Apolo”.
A imitación del Canto a Orfeo, de Jorge Montemayor, también aquí se introduce un Canto del Turia en octavas reales, dedicadas a celebrar los nombres de los más preclaros varones valencianos, desde los pontífices como Calixto y Alejandro, hasta los poetas como Ausias March, sin olvidar los guerreros como los Borja y Moncada, o los filósofos, como Vives.
El cuadro novelesco de la Diana enamorada, es más estrecho que el de la Diana de Montemayor. Su acción menos movida. En cambio hay en Gil Polo una visión del paisaje, un sentimiento de la Naturaleza, de la tierra precisamente donde sitúa la acción , que en vano sería buscar en la primera Diana. Las descripciones de la naturaleza de Gil Polo se refieren a Valencia y sólo son aplicables a la ciudad del Turia y sus contornos. Este carácter e localización es la nota más original de la obra.
Se ha llegado a creer que la trama novelesca no fue sino un pretexto para intercalar en ella un buen número de composiciones líricas compuestas de antemano por el autor. Sea o no cierto, estas composiciones son tal vez, dentro del género bucólico, las que más se acercan a Garcilaso.
Ferreres, en su estudio sobre Gil Polo, lo pone a la altura de Boscán y Rubén Darío como innovador de la métrica castellana. Son originales, por ejemplo, sus canciones en eneasílabos y pentasílabos, que imitan a Sannazaro, así como en el verso esdrújulo y su particular tratamiento del alejandrino, combinado con heptasílabos, que acentualmente se aparta de la cuaderna vía..
Dotado Gil Polo de amplia cultura clásica, compenetrado hondamente con el espíritu de la antigüedad, pocos han sabido asimilarse mejor la serenidad virgiliana y la sencillez de Teócrito, que le permiten dar a sus descripciones del campo, del suelo y de la costa valenciana una transparencia cristalina y luminosa. Como se trasluce en estos bellísimos versos: “Corrientes aguas, puras, cristalinas, / hermoseáis la plácida ribera... / que, haciendo todo el año primavera”.
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Ana Colchero presentará su libro al lado de Edith González
by Noticias
Escribe Ana Colchero entre dos fuegos
Ana asegura que no regresará a la televisión
Grupo Reforma www.reforma.com
Ciudad de México (22 agosto 2006).- Ana Colchero ya no se asume como una actriz, ahora piensa en sí misma como una escritora, y aunque en su primera novela, Entre Dos Fuegos, narra la historia de un político, sus preocupaciones son mas bien sociales.
"Siempre he estado muy preocupada (por lo social), jamás participaré en la política formal, realmente no me interesa, ni siquiera voté", cuenta en entrevista en la sala de su casa.
Colchero presenta esta semana el libro con el que da a conocer su nueva faceta: la de escritora, porque dice, la actuación es algo que ha quedado atrás.
"Desde que estaba haciendo Alondra (en 1995) me di cuenta de que la actuación no era para toda la vida, yo tenía mucha preocupación y deseo de vivir el resto de mi vida haciendo lo que me gustaba, sin depender de tantos factores como en lo actoral.
"Dije: 'Si lo que realmente siempre he querido hacer en la vida es escribir, pues arriesguémonos a hacerlo".
Quien fuera la antagonista de Corazón Salvaje está consciente de que quizá le lleve algún tiempo ser aceptada y reconocida, pero a futuro solamente se ve escribiendo.
"Me veo como una escritora, espero que ya nadie me recuerde como actriz... yo quiero apostarle todo a escribir".
Acerca de su novela, Colchero comentó sentirse contenta con el resultado.
"Entre Dos Fuegos surge un poco de repente porque sentí la necesidad de contar una historia, por un lado política, y por otro una historia más íntima. Finalmente acabé contando dos historias que se unen, quería manejar los dos ámbitos y encontré la forma".
Y aunque cree que el poder, tema de su libro, es una opción para ayudar o solucionar, también lo percibe como una muestra de vacío.
"La necesidad de poder es muchas veces producto de una insatisfacción, de una necesidad de llenar tu vida, cuando alguien está realmente contento con su vida, pequeña e íntima, no necesita tanto destacar... muchas veces detrás de esta necesidad de sobresalir hay una ausencia".
Para escribir este libro, Colchero tuvo que investigar acerca del proceso de creación de juguetes en madera, cocina y política, hecho que no le causó ningún problema, porque se define como una maniática de la información y estar enterada es ya algo necesario para ella.
"Por más que a veces queremos escapar del poder no podemos, te alcanza por más que vivas una vida muy privada y muy cerrada. Eso es por lo que yo estoy pendiente políticamente, porque creo que al final somos parte de la sociedad y siempre vamos a estar afectados por ella.
"Creo que las cosas se maquinan, muchas cosas que parecen sucesos espontáneos tienen mucha planeación detrás. Eso es lo que quiero mostrar, que siempre hay una intención y que los sucesos pasan por algo".
Las cuestiones sociales y políticas siempre han estado presentes en su vida, por ser hija de padres españoles exiliados, estas cuestiones fueron tema de todos los días en su casa.
"Desde siempre me definí de izquierda, me metí a la carrera de economía justamente para acercarme más a la comprensión de los fenómenos económicos y sociales.
"Luego aparece el zapatismo y abre una puerta importante para unificar a un montón de gente que estábamos regados... antes no había espacios para hacer pública la postura".
Colchero no sabe si sus posturas sociales le afectaron con los productores de telenovelas, pero eso es algo que ya no le importa,dice, porque no piensa regresar a la televisión.
"A menos que hubiera algo muy específico, por diversión quizá lo haría, pero como carrera no".
Entre Dos Fuegos se presenta el jueves en la capilla del Helénico a las 19:00 horas, la acompañan Gonzalo vega, Edith González, Alberto Estrella, José Agustín, Enrique Serna.
La historia de sus dos fuegos
Son dos historias que suceden al mismo tiempo en la misma ciudad. Una en donde el personaje central es un presidente (Demetrio) que se ve completamente devastado al pensar que en 11 meses va a dejar el poder y que su vida se va a trastocar, por lo que decide que tiene que hacer algo para no irse y empieza a maquinar, junto con su secretario particular (Octavio), un plan para quedarse en el poder y provocar un estado de excepción.
Paralelo a esto está Jan, un inmigrante de Europa del este, que hace juguetes de madera, y conoce a (Soledad) una mujer un poco triste y encerrada en si misma, una cocinera. Ellos dos se conocen y empiezan todo un proceso difícil de encuentro y de amor.
Estas dos historias corren, en el proceso de poder y el proceso del amor, entre dos personajes muy especiales.
Así lo dijo
"Quizás se acerquen al libro porque les llame la atención que una actriz esté escribiendo, y quizá eso sea en algunos casos benéfico y en algunos no.
"Solo quiero decirle (a la gente) que hice todo mi esfuerzo por contar una historia entretenida y que me den la oportunidad de leerme, y ojalá les guste.
"Las mujeres de alguna manera, inocentemente, usamos nuestras características no para obtener maliciosamente lo que queremos, la coquetería es algo muy natural en hombres y mujeres, pero más en mujeres. Todas usamos un poco esta coquetería que puede ser muy divertida".
Ana Colchero,
escritora.
PASEANDO POR EL MUSEO DEL PRADO POR FRANCISCO ARIAS SOLIS
by
PASEANDO POR EL MUSEO DEL PRADO
“Hay un azul Murillo Inmaculada,
precursor del brillante de los cromos.”
Rafael Alberti.
HAY QUE MIRAR LOS LIENZOS DE MURILLO PARA VER PINTURA
- ¿Usted ha venido al Museo del Prado a ver pintura?
- No señor, yo he venido a ver visiones.
No sé, si este diálogo que inicia esta pregunta y su sorprendente respuesta fue escuchado por mí, en efecto una mañana lluviosa, andando por las salas del Museo del Prado, o mi imaginación desdoblando mi dialogar interior me tendió esa trampa. Si sé que este diálogo entre invisibles personajes se prolongó durante mi paseo matinal por las salas del Museo.
- ¿Qué se entiende por ver visiones cuando miramos un lienzo pintado por Goya o por Velázquez, por el Greco, por Tiziano...?
- Ver para creer en los lienzos que tenemos ante los ojos. De estos cuatro jinetes de la apocalipsis pictórica que estamos contemplando; Tiziano, Velázquez, Greco, Goya.
- “Poderoso visionarios” que diría Rubén.
- Los más “valientes pintores”, que diría Miguel Angel.
- Decía que al Museo del Prado vino usted para ver visiones...
- Justamente.
- Supongamos que usted quisiera ahora, como yo le dije, “ver pintura”, como un profesional o un aficionado, un amateur.. ¿A qué pintor o pintores visitaría?
- Mala cosa es esa del profesional o aficionado o amateur para ver pintura; sin embargo, para complacerle y que no crea que eludo su pregunta, le contestaré, que aquí, en este Museo del Prado, para ver pintura, la mejor pintura, sin visión que la comunique singularmente, voy ante todo a mirar, a contemplar los lienzos pasmosos de Murillo...
- ¿Murillo dice usted?
- ¿Eso le extraña? De Murillo –dijo Heine- que robó al cielo los colores más santos, para pintar sus vírgenes más bellas. En tiempos, era este pintor el más admirado y exaltado de los españoles...
- En tiempos románticos...
- Quiere usted decir durante todo el siglo XIX...
- Exacto. Pero también en el XVIII. Los españoles adoraban esta pintura del gran sevillano. Creo que el pueblo lo sigue admirando y prefiriendo. Como en poesía a Bécquer, Y creo que esto se debía y se debe a un gran sentimentalismo...
- Fea palabra dice usted , que además, en este caso, o en estos casos de Murillo y de Bécquer, tan intelectuales, me parece evidentemente inexacta. Lo que a mi juicio predomina en estos dos artistas geniales es la preocupación y cuidado de la forma. Y yo diría que una “rima” o un cuento de Bécquer está escrito con la misma pureza de lenguaje que un lienzo pintado por Murillo.
- Dice usted...
- Que el milagro de la forma expresiva se da en ellos con la más extraordinaria calidad poética o pictórica posible. El lenguaje de la pintura como el de la poesía es encarnación viva, misteriosa, milagrosa encarnación natural y sobrenatural de lo vivo.
- ¿De lo vivo a lo pintado?
- Verdaderamente.
- Vamos a ver los lienzos directamente.
- Sí. No dudo que estamos contemplando gustosamente la mejor pintura que puede verse. Pero hay más. Hay otra suerte de revelación que la que tenemos con aquellos otros “poderosos visionarios” (Velázquez, Greco, Tiziano, Goya). Una como si dijéramos, revelación callada, secreta, más íntima y humilde, como escondida...
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“El gran misterio de las Letras nos da facultad
de hablar con los ausentes, de escuchar ahora ,
a los sabios antepasados las cosas que dijeron.”
Fernán Pérez de Oliva.
LA VOZ DE LA DIGNIDAD DEL HOMBRE
El maestro Pérez de Oliva, como se le suele nombrar, es un típico representante del humanismo renacentista durante el reinado de Carlos V, y de ello es manifestación evidente sus múltiple y variada obra, por la que sobresale en campos muy distintos. Según los documentos de la época, sabemos que era versado en geometría, cosmografía, física , aritmética y arquitectura; como arquitecto contribuyó al arreglo dela Biblioteca de la Universidad salmantina e intervino en las obras del Colegio del Arzobispo.
Fernán Pérez de Oliva nació en Córdoba en 1494 y murió en su ciudad natal en 1533. Por su Córdoba siempre tuvo un inquebrantable cariño, bien patente en su proyecto de hacer navegable el Guadalquivir de Córdoba a Sevilla (Razonamiento sobre la navegación del río Guadalquivir, 1524). Había estudiado en Córdoba y en las universidades de Salamanca y Alcalá; continuó después sus estudios en París y Roma. Al morir el papa Adriano VI, que le había tomado bajo su protección, regresa a España, instalándose en Salamanca, donde explicará Filosofía natural y Filosofía moral; se le concederá definitivamente la cátedra de Durando en 1530. A pesar de su juventud, fue nombrado rector de la Universidad en 1529. Pérez de Oliva no publicó ninguna de sus obras en vida, siendo editadas en 1589 pro su sobrino Ambrosio Morales.
En el campo de la literatura destaca Pérez de Oliva, como autor de varias poesías y de una serie de traducciones libérrimas de los dramaturgos clásicos: El renacimiento de Hércules, La venganza de Agamenón, Hécuba triste; desde un punto de vista autobiográfico y de época, tiene mucho interés el Razonamiento que hizo en Salamanca el día de la Lición de oposición a la cátedra de Philosophia moral. Un aspecto interesante y poco conocido es su labor como historiador de Indias, debido a que las dos obras que nos dejó han permanecido ignoradas hasta muy entrado ya el siglo XX: una de ellas es Algunas cosas de Hernán Cortés y México, y otra, la Historia de la invención de las Indias, publicada por primera vez en 1965.
Aun con haber sobresalido en tantos campos, creemos que el terreno más propio del maestro Oliva es el de la filosofía, en cuyo ámbito participaba de la influencia aristotélica común a la época, si bien amasada con el influjo neoplatónico, tan importante durante el Renacimiento, como puede apreciarse en su estilo literario y en la forma de sus escritos, más próximos a Platón, e incluso a Cicerón, que a Aristóteles. De sus obras filosóficas, sólo se nos han conservado el Discurso de las potencias del alma y del buen uso dellas y el Diálogo de la dignidad del hombre. En ella encontramos el germen de la teoría renacentista de la libertad.
El argumento de Diálogo de Pérez de Oliva gira en torno a esta idea profundamente renacentista, presente ya en su Discurso de las potencias del alma, cuando al definir el libre albedrío lo hace como “aquel por cuyo poderío es el género humano señor de si mismo, y cada hombre tal cual el quisiere hacerse”. El Diálogo viene a ocupar en nuestras letras un lugar parecido a la Oración de la dignidad del hombre de Pico della Mirándola, en las italianas. Si bien, la intención filosófica en el Diálogo es más modesta, aunque, sin género de duda, de lectura más viva e interesante.
La importancia del Diálogo de la dignidad del hombre en nuestra historia de filosófica, siendo el valor fundamental, su significación dentro de la historia de la lengua para una filosofía hecha y escrita en castellano. La mayoría de las obras filosóficas o teológicas del siglo XVI están escritas en latín, el Diálogo es una excepción, y una excepción importante dentro de la lengua castellana como lengua filosófica.
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