Habla aqui de la nueva comedia de situacion Mi Pequeña Mamá con Lorna Paz y Natalia Ramirez. No se la pierdan muy pronto por Telemundo.
Manuel José Quintana por Francisco Arias Solís
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MANUEL JOSÉ QUINTANA
(1772-1857
A aquella airosa andaluza
que en las riberas de Cádiz
es, por lo negra y hermosa ,
la esposa de los cantares.
Manuel José Quintana.
LA VOZ DE UN POETA LIBERAL
Pocos escritores pueden ofrecernos el interés de una biografía tan rica y tan implicada en la turbulenta vida política de la España de la época como la de Manuel José Quintana, que representa con su poesía los gustos literarios de la transición del XVIII al romanticismo. Inserto en la atmósfera ilustrada, defiende un ideal de utilidad moral de la literatura y un concepto de poesía como medio de perfección humana. De ahí su adscripción a los grandes objetivos del progresismo ilustrado: humanitarismo filantrópico y beneficencia, conciencia de la fraternidad universal, exaltación de las artes y del progreso... A caballo entre dos siglos y dos modos opuestos de entender la poesía, supo encerrar un fervor casi romántico en una forma perfectamente clásica. Pero Quintana es también un genuino ejemplar del poeta-político, es decir, del hombre que entiende el quehacer literario como un servicio a una ética social insobornable, gracias a su visión liberal de la vida y de la política y a su alto sentido del patriotismo.
Manuel José Quintana nace en Madrid el 11 de abril de 1772. Sus primeras lecciones de latín las recibió en Córdoba. A su vuelta a Madrid, con quince años, se revela como poeta en algunos actos públicos. En 1787 ingresa en la Universidad de Salamanca, donde cursó retórica y filosofía y derecho civil y canónico. Entre sus profesores destacan Meléndez Valdés y Jovellanos. Con sólo dieciséis años, Quintana publica en 1788 su primer libro de poesías. En los años que siguen de la etapa salmantina Quintana desarrolla una intensa actividad literaria. En 1800 Quintana contrajo matrimonio con María Antonia Florencia una señora de Zaragoza, de familia distinguida, y que según fama de aquellos tiempos era una de las mujeres más hermosas de entonces.
A lo largo de la última década del siglo dirige una tertulia que se hizo famosa en Madrid. Funda una revista Variedades de Ciencias, Literatura y Artes. Se introduce en el mundo del teatro con El duque de Viseo y El Pelayo. En 1805 publica su oda Al combate de Trafalgar que le acarrea un primer tropiezo con la Inquisición.
El año 1808, con el levantamiento popular contra el invasor francés, es una fecha clave en la vida de Quintana, que abraza desde un principio la causa nacional en nombre de la libertad. En agosto de ese año publica sus Odas con el título general de España libre, y en octubre del mismo año, las Poesías patrióticas. Un mes antes había fundado el Semanario Patriótico, periódico portavoz de la ideas liberales de su tertulia y órgano de la Junta Central.
Quintana ha de abandonar Madrid por la entrada de las tropas francesas y tras recorrer varias ciudades logra llegar a Sevilla, donde es nombrado, en enero de 1809, Oficial Mayor de la Junta Central. En esta ciudad sigue dirigiendo el Semanario.
En enero de 1810, Quintana, ya en Cádiz, fue nombrado Secretario de Interpretación de las Lenguas. En noviembre del mismo año vuelve a publicarse en Cádiz el Semanario Patriótico. Tras la firma de la Constitución de 1812, Quintana interviene activamente en la Junta de Instrucción Pública y en la Dirección General de Estudios. En 1813 publica sus Poesías. En 1814 Quintana ingresa en la Real Academia Española y en la de San Fernando.
Aunque su prestigio como prosista es grande por sus Vidas de españoles célebres (1807), Quintana es ante todo un poeta cívico. En prosa también hay que destacar sus Cartas a Lord Holland, que no se publicaron hasta 1852. En ellas hace una descripción de la situación en España durante la segunda época constitucional y expone sus propias ideas sobre la administración pública.
Fue Quintana el poeta que más influyó en el Bolívar de Madrid, para la independencia americana. Y junto a la proclamación de la independencia de nuestras antiguas colonias, también Quintana pide la libertad de los negros: Bárbara Europa que a África / llevó la sed del oro / peste fatal: su violencia.
Con la vuelta de Fernando VII, el 10 de mayo de 1814, Quintana fue detenido y trasladado a la ciudadela de Pamplona, acusado de ser el principal, inspirador y propagador de las ideas liberales. En Pamplona permaneció hasta la sublevación de Riego. Blanco-White dijo que Quintana era uno de los españoles más distinguidos y honestos que he conocido en mi vida.
Tras la muerte de Fernando VII formó parte del Parlamento como senador vitalicio. En 1855 recibió el raro honor de ser coronado como poeta por la propia reina. Manuel José Quintana moría en Madrid el 11 de marzo de 1857. Su poesía siempre estuvo al servicio de unos ideales patrióticos y cívicos. Y como dijo el poeta: Mil grandiosas esperanzas / eran mi existencia toda, / que el ánimo me exaltaban / entre ilusiones hermosas.
Francisco Arias Solís
Por esa libertad bella como la vida.
XIII Festival Poético por la Paz y la Libertad dedicado a Benedetti.
Alvaro Cubillo de Aragón por Francisco Arias Solís
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ALVARO CUBILLO DE ARAGON
(1596?-1661)
Mas la comedia búscala graciosa,
entretenida , alegre, caprichosa...
y breve, que no es bien, faltando el tiempo
que gaste mucho tiempo el pasatiempo...
Alvaro Cubillo de Aragón.
LA VOZ DE LA ORFEBRERÍA GRANADINA
Lo que en sus comedias más representativas interesa a Cubillo es el juego escénico, la gracia menuda, la pincelada suave, la certera metáfora, que el autor organiza y dispone para lograr un ingenioso pasatiempo, y siempre como dice Valbuena Prat- con labor de orfebre y no de arquitecto. Es ese sentido de la comedia lo que le sitúa en un plano artístico muy moderno para su época, puesto que anticipa primores y delicadezas de la centuria inmediata.
El estilo de Cubillo participa de la imagen de Góngora y de la construcción de Calderón; pero sin la dureza marmórea del primero ni la rigurosa estructura del segundo, antes bien con una minúscula complacencia en los detalles, en la que se advierte la peculiar sensibilidad de su ingenio granadino.
Alvaro Cubillo de Aragón nace en Granada hacia 1596. De familia modesta pero no carente de recursos, pudo Cubillo cursar estudios de jurisprudencia, aunque parece que no llegó a recibirse de abogado. Ocupado en oscuras profesiones vivió temporalmente a más de su ciudad natal, en Córdoba y en Sevilla, donde fue adquiriendo reputación de escritor y sobre todo de poeta dramático. Vélez de Guevara lo califica como excelente cómico y gran versificador, con aquel fuego andaluz que todos los que nacen en aquel clima tienen.
En 1641 Cubillo adquirió por compra un cargo de escribano en Madrid, y allí se inscribió como tal en la Sala de Alcaldes de Casa y Corte. Cubillo había casado en Granada con doña Inés de la Mar, de la que tuvo once hijos, y el sostener tan dilatada prole fue la tragedia de su vida. Ni su cargo ni sus comedias le daban para vivir, y sus apuros económicos fueron tan continuados como acuciantes. Muchas de sus composiciones adulatorias, con expresas demandas de dinero a los magnates o al propio rey, fueron incluidas por el propio Cubillo en el volumen antológico de su producción, poética y dramática, que publicó en Madrid en 1654 bajo el título de El enano de las musas.
En un primer momento, Cubillo sigue de cerca las huellas de Lope y de su escuela. A él pertenecen Ganar por la mano el juego, comedia de santos y bandoleros; El vencedor de sí mismo y El amor cómo ha de ser.
En un segundo periodo sobresalen especialmente las comedias heroicas. El conde de Saldaña también llamada El bastardo de Castilla- con su segunda parte Hechos de Bernardo del Carpio, en las que ya está patente la interpretación del momento calderoniano con su reducción a unidad. Notables son también las comedias El rayo de Andalucía y Genízaro de España. Sin embargo, la forma más perfecta del teatro de Cubillo, la más personal y la que justifica, por lo tanto, el puesto que ha de otorgársele en la dramática de su tiempo, está representado por las comedias de costumbres y sobre todo por cuatro de ellas: La perfecta casada, Perderse por no perderse, El señor de Noches-Buenas, y, especialmente, Las muñecas de Marcela, delicada miniatura, que observa con cariño los detalles y las cosas nimias de lo cotidiano, dejando a un lado el enredo típico de al comedia de capa y espada.
Cuando el duque de Gramont llegó a Madrid como embajador extraordinario de Francia para firmar la paz de los Pirineos, Cubillo fue encargado de escribir la relación de su entrada y de las fiestas que se le hicieron. Falleció el poeta en Madrid el 21 de octubre de 1661. En un romance biográfico, que puso al frente de El enano de las musas afirma haber escrito cien comedias. Y como dijo el poeta granadino: Si a la comedia fueres inclinado / y dejares tu casa estimulado / de tus propios dolores, / nunca vayas a ver en ella horrores.
Francisco Arias Solís
Si quieres la paz, trabaja por la justicia.
XIII Festival Poético por la Paz y la Libertad dedicado a Benedetti.
En los recodos amarillos de lirios, verdes de paz,
siento, como si me siguiera, tu palpitar suave.
Y escucho tu agua temblorosa y amiga,
de la fuente a la mar, nuestra patria antigua.
Màrius Torres.
LA VOZ DE UN EXILIADO INTERIOR
El poeta catalán Màrius Torres, dejó un libro poético único y póstumo: Poesíes (México,1947), publicado por su amigo Joan Sales, exiliado en México y por el grupo Quaderns del l'exili que tomaron al poeta como una bandera de combate. Torres fue sin duda, lo que se ha definido como un exiliado interior. La tuberculosis, que acabó con una obra ya madura, le recluyó ya desde la guerra en la habitación de un sanatorio. Vivió, pues, la guerra y supo del exilio de su padre, hermanos y amigos. Su obra es la de un ensimismado, que se asoma al paisaje y la gente. En la ventana / de mi añoranza / los nomeolvides / se marchitan al ver / siempre el mismo paisaje.
En la poesía de Torres hay un culto a la muerte, tan familiar para él, y un lirismo, sobrecargado de misterio y de una musicalidad a veces inefable, que revelan un devoto de la música clásica. Alude a la tragedia de su patria pero no es trágico.
Màrius Torres i Pereña nació en Lleida el 30 de agosto de 1990 y falleció en el sanatorio de Puig d'Olena el 30 de agosto de 1942. Su padre, el doctor Humbert Torres ocupó diversos cargos políticos, fue el primer alcalde de Lleida por elección popular, vicepresidente del Parlamento de Catalunya y diputado de las Cortes Generales por ERC. El poeta realizó sus estudios primarios en un Liceo escolar de Lleida y el bachillerato en el Instituto general y técnico de la misma ciudad. Estudia Medicina en la Universidad de Barcelona y se doctora en Madrid. A su regreso a la ciudad natal ejerce como especialista de enfermedades del aparato digestivo. Escribe algunos artículos sobre los conciertos de la filarmónica de Lleida en el semanario La Jornada. En 1935 se manifiesta la enfermedad que le acompañará hasta la muerte, ingresa en el sanatorio antituberculoso de Puig d'Olena. Allí escribe sus poemas colabora con artículos políticos en el periódico de la Juventud Republicana de Lleida, L'Ideal, en el que firma sus publicaciones con el seudónimo de Gregori Sastre, y escribe una farsa teatral inédita Una fantasma como n'hi ha poques (1935). En 1939 se le aplica la Ley de Responsabilidades Políticas por sus colaboraciones en L'Ideal y es sancionado. Su casa familiar había sido saqueada y confiscada, su padre y hermanos se habían exiliado al sur de Francia. Sólo Nuria, su hermana más pequeña, pudo cruzar clandestinamente la frontera para visitarle en el sanatorio. Màrius Torres muere a finales de 1942.
Los poemas de Màriu Torres se hacen eco tanto de su sufrimiento físico, provocado por la tuberculosis, como del sufrimiento colectivo provocado por la rebelión militar del general Franco. Fueron como una especie de diario íntimo de los últimos años de su vida. Su exquisito intimismo lo hace apto para sensibilidades muy diversas, incluso contradictorias. Sus composiciones poéticas nos recuerdan las creaciones del simbolismo francés: Charles Baudelaire, Paul Verlaine y Jean Moréas. Depurado en el idioma y en la forma poética, sin el noucentisme hubiera sido un poeta romántico. Y como dijo el poeta catalán: Entre tantos gritos extraños, que tu voz pura / nos hable. Ya no me queda casi ningún otro consuelo / que el de crecer y esperar la nueva arquitectura / en la que brazos más libres, puedan labrar tu suelo.
Francisco Arias Solís
El futuro se gana, ganando la libertad.
Portal de Internautas por la Paz y la Libertad y de Foro Libre.
Amo al que gime y al que en vigilia vive
y a la gente que se despega de todo.
Y amo, en la fría aurora,
los campos recubiertos de escarcha.
Endre Ady.
LA VOZ DEL BAUDELAIRE HÚNGARO
Llamado por algunos el Baudelaire húngaro, Endre Ady es la figura más relevante de la literatura del siglo XX en su país, uno de los renovadores de la poesía nacional y un poeta fundamental de la literatura europea. Su poesía impregnó en la lengua húngara una gran vitalidad expresiva. Su producción lírica pasó por una primera etapa de carácter individualista y con una deliberada intencionalidad provocativa, para desembocar posteriormente en un atormentado y profundo pesimismo que le condujo a la exploración de un lenguaje de inspiración bíblica y rico en imágenes místicas y apocalípticas.
El escritor y poeta simbolista húngaro Endre Ady de Diósad nació en Ermindszent el 22 de noviembre de1877 y falleció en Budapest el 27 de enero de 1919. Aunque su familia pertenecía a la nobleza campesina, influido por Karl Marx y Charles Darwin, se sintió atraído por los movimientos de izquierda. Sus poemas se han considerados como precursores del comunismo húngaro. En 1904 viajó con Adele Brull (Léda), su amante y musa, a París, donde residió varios años en los que fue corresponsal de prensa. En la capital francesa entró en contacto con las vanguardias europeas occidentales, siendo influido especialmente por Charles Baudelaire y Paul Verlaine y los cánones estéticos del simbolismo francés. Viajó por Italia. De vuelta en su país, fue director y uno de los principales colaboradores de la revista Niugat (Occidente), a través de la cual intentó dar nuevos aires a la, según él, anquilosada realidad cultural y política húngara. Fue contrario a la participación de Hungría en la Primera Guerra Mundial. Tras su ruptura con Léda, en 1912, contrae matrimonio con la joven Berta Boncza. Su compleja enfermedad se va agravando y los 41años muere de pulmonía, sífilis, alcoholismo, nicotina y melancolía.
Entre sus colecciones de poemas se cuentan: Nuevos poemas (1906), su obra más famosa, Sangre y oro (1907), En el carro de Elías (1909), Quisiera ser amado (1910), Poemas de todos los misterios (1911), La vida que huye (1912), Nuestro amor (1913), ¿Quién me ha visto? (1914), A la cabeza de los muertos (1917) y Los últimos barcos, publicada póstumamente en 1923. Escribió también novelas cortas, ensayos y artículos, entre los que destacan su excelentes crónicas sobre la belle époque parisina. Y como dijo el poeta húngaro: Yo también, héroe errante, pagano / Don Quijote nuevo, caballero moderno, loco....
Francisco Arias Solís
La violencia siempre ha sido reaccionaria.
XIII Festival Poético por la Paz y la Libertad dedicado a Benedetti.
Las amistades son como los matrimonios: de cada diez, uno se hace por amor.
Edmondo de Amicis.
LA VOZ DE UNO DE LOS ESCRITORES ITALIANOS MÁS POPULARES
El escritor italiano Edmondo de Amicis se halla en la línea de transición del realismo al que podríamos llamar modernismo. Preocupado por la formación de la infancia y de la juventud, publica en 1886 la conocidísima novela Quore (Corazón), en la que dentro de un ambiente sentimental, orienta pedagógicamente a los lectores niños, en un marco también patriótico. La novela supuso un éxito arrollador, en tres años se hicieron cien ediciones, y fue traducida a casi todos los idiomas europeos. De Amicis se convirtió en uno de los escritores más populares de Italia y más conocido en el extranjero.
Edmondo de Amicis nació en Oneglia el 21 de octubre de 1846 y falleció en Bordighera el 11 de marzo de 1908. Tras sus estudios en un liceo de Turín, ingresó muy joven en la Academia Militar, alcanzando el grado de oficial. En 1866 participó en la batalla de Custoza. En 1867 dirigió el diario L'Italia Militare, en el que publicó artículos y bocetos, que reunió en su primera obra La vida militar (1868), que le proporcionó una inmediata popularidad, abandonando pronto la carrera militar para dedicarse al periodismo y la literatura. Como corresponsal de La Natione de Florencia visitó numerosos países, lo que le permitió publicar diversos relatos de viajes: España (1873), Recuerdos de Londres (1874), Holanda (1874), Marruecos (1876), Constantinopla (1878) y Recuerdos de Paris (1879). Alcanzó otro notable éxito con su novela Los amigos (1883). Trató la problemática de la escuela popular y de la necesidad de expansión de la educación en sus obras Novela de un maestro (1890), Amor y gimnasia (1892), en el que su personaje principal es una profesora de gimnasia, y La maestrita de los obreros (1895). Otro éxito fue su obra La carroza de todos (Una novela en tranvía) (1899).
De Amicis dio un paso importante en su vida con su adhesión al Partido Socialista, en cuyo periódico Il Grido de Populo publicó una serie de artículos que reunió en su obra Cuestión social (1894), anteriormente había publicado algunos textos de una gran sensibilidad social como Sobre el océano (1889), en el que trata de la emigración y Primero de mayo, cuyo título evoca la primera celebración del Día Internacional de los Trabajadores, instituido por el Congreso Obrero Socialista de la Segunda Internacional celebrado en París en 1889, si bien este libro no llegó a publicarse hasta 1980.
Su obra más famosa, posteriormente llevada al cine, ya hemos dicho que fue Corazón, diario de un colegial, que fue acusada de un exagerado sentimentalismo idealista y moralizador, la obra presagia sus simpatías socialistas, cristalizadas en1891.
Finalmente hay que señalar que compartió con Alessandro Manzoni su deseo de depurar la lengua italiana, como se pone claramente de manifiesto en su obra El idioma gentil (1905). Y como dijo el escritor italiano: Una casa sin libros es una casa sin dignidad.
Francisco Arias Solís
No se debe admitir la violencia ni siquiera contra la violencia
Portal de Internautas por la Paz y la Libertad y de Foro Libre.
Te digo, amigo,
Que la poesía no es lo que se dice,
Sino lo que se toca como el agua.
Miguel Valdivieso.
LA VOZ DEL POETA OLVIDADO DEL 27
El poeta murciano Miguel Valdivieso apareció incluido en Poetas del 27. Antología comentada: Introducción Víctor García de la Concha (1998), habiendo quedado, anteriormente, a la sombra de los poetas a los que se había consagrado como Generación del 27. Sin embargo, como nos dice Francisco Javier Díez Revenga: Estuvo destinado en Murcia en los años veinte y participó en todas las empresas literarias de la joven literatura del momento. Con Jorge Guillén entabló una entrañable amistad, correspondida por el poeta muchos años después, cuando le prologó la edición de sus poesías completas.
Miguel Valdivieso nació en Mazarrón, Murcia, el 14 de marzo de 1893 (el mismo año en que nació Jorge Guillén) y falleció en Madrid el 21 de septiembre de 1966. Desde muy niño vivió en Cartagena. Funcionario de Correos, fue destinado por cortos periodos de tiempo a Lugo y a Orihuela, desde donde pasó a Murcia. Se mantuvo fiel a la legalidad republicana y finalizada la guerra provocada por la sublevación militar del general Franco, fue deportado a Tarancón en 1940. Nueve años más tarde se afinca en Cuenca, donde residió hasta su jubilación. En 1960 se marcha a vivir a Madrid, ciudad en la que fallece.
Las primeras noticias literarias de Valdivieso están relacionadas con los poetas fundadores de la revista Verso y prosa. Colabora también con sus primos Antonio Oliver y Carmen Conde en la revista Sudeste. En Cuenca, junto a los poetas conquenses Amable Cuenca, Eduardo de la Rica y Andrés Vaca Page, funda la revista El Molino de Papel (1955-1967), una de las revistas poéticas más longevas de la época. También colaboró en la revista literaria Monteagudo de la Universidad de Murcia.
Valdivieso no publicó ningún libro poético durante su vida. Su Obra completa fue publicada póstumamente en 1968, por la modesta editorial El Toro de Barro, fundada por Carlos de la Rica, poeta y párroco de Carboneras de Guadazaón, Cuenca. Libro que fue prologado por Jorge Guillén y que está ordenado a su vez en cinco libros. Si Antonio Machado fue legendariamente bueno -escribe Guillén en el prólogo citado-, también una sólida bondad nutría la raíz de conducta y escritura de nuestro poeta.
Los cinco libros que componen la Obra completa tienen los siguientes títulos: Destrucción de la luz, Sino a quien conmigo va, Números cantan, Los alrededores y Formas de luz. Todos ellos, están marcados por los temas predilectos del poeta: la luz y la existencia del hombre. En sus poemas se observa primeramente una influencia de Rubén Darío y posteriormente de Antonio Machado, de Miguel de Unamuno, de los movimientos vanguardistas, de Miguel Hernández y, particularmente, de su amigo y maestro Jorge Guillén. Y como dijo el poeta murciano: Este epílogo os dejo (es casi nada) / de una vida sin odio y sin espada. / No diréis que no fue suerte la mía.
Francisco Arias Solís
La primera víctima de la guerra es la infancia.
Portal de Internautas por la Paz y la Libertad y de Foro Libre.
El cineasta que lee un libro y que tiene la idea
de hacer una película, tiene que crear,
transformando, ese libro en película.
Si se empecina en ser fiel, esto, generalmente,
le conduce al desastre.
Alain Robbe-Grillet.
LA VOZ DEL NOUVEAU ROMAN
El escritor y cineasta francés Alain Robbe-Grillet es el principal representante del nouveau roman, movimiento iniciado en Francia, hacia 1950 en busca de nuevas fórmulas narrativas. Rompe con la técnica novelística tradicional, abandona el análisis de los personajes y se caracteriza por su impersonalidad. Las novelas de Robbe-Grillet representan dentro de esta nueva tendencia, el objetivismo, el experimento puro, consecuencia en parte de su carrera de ingeniería. La publicación de sus obras teóricas Una vía para la novela futura (1956) y Por una nueva novela (1963), el guión de El año pasado en Marienbad (1961), las películas El inmortal (1963), Trans Europa Expres (1966) y El hombre que miente (1967), y las novelas Las gomas (1953), El mirón (1955), En el laberinto (1959), La casa de citas (1965) y Proyecto para una revolución en Nueva York (1970), lo convirtieron en el máximo exponente del nouveau roman o escuela de la mirada, que pretende representar objetivamente la realidad prescindiendo de todo aspecto psicológico y aun significativo. De este movimiento también formaron parte, entre otros, Claude Simon, Marguerite Duras, Nathalie Sarraute, Samuel Beckett, Michel Butor, Robert Pinget, Eugène Ionesco y Arthur Adamov.
Alain Robbe-Grillet nació en Brest el 18 de agosto de 1922 y falleció en Caen el 18 de febrero de 2008. Realizó sus estudios en París, realizando un servicio obligatorio en Nüremberg, de tornero. Después de diplomarse en el Instituto Nacional de Agronomía en 1945, desempeñó varios empleos como ingeniero agrónomo en Marruecos, La Martinica, Guinea y Guadalupe. En 1958 contrajo matrimonio con la escritora y actriz Catherine Rstakian. El propio escritor nos resume su vida: A los 20 años, fui agrónomo; a los 30, novelista; a los 40, cineasta, a los 60, pintor. En 2004 fue elegido miembro de la Academia Francesa de la Lengua, aunque no llegó a tomar posesión de su sillón.
Robbe-Grillet publicó su primera novela en 1953, Las gomas, con una aparente intriga policíaca. En su segunda novela, El mirón (1955), la intriga queda más diluida y las descripciones se hacen más minuciosas. Su tercera novela, publicada en 1957, pertenece ya a un neorealismo. Su título, La jalouise, podría traducirse de dos maneras: Los celos, puesto que es la historia de un marido que vigila a su mujer, al sospechar que le es infiel, o La celosía,ya que el universo que nos narra lo limita el espacio observado tras una celosía. En el laberinto, publicada en 1959, trata de la historia de un soldado errante tras una batalla imaginaria como en una pesadilla. En sus novelas, Robbe-Grillet rompe la noción de tiempo cronológico; presente, pasado y futuro se mezclan y confunden. Su atención se centra en un objeto especialmente significativo para el personaje, que fija en él su mirada como si se tratase de una cámara fotográfica. Realidad y ficción son intercambiables.
En los últimos años ha alternado su labor novelística -Topología de una ciudad fantasma (1976), La bella cautiva (1977), Un regicida (1978), Djinn (1981)- con la dirección de filmes, como Más allá del edén (1971), Deslizamientos progresivos del placer (1974) y La bella cautiva (1982). En 1984 publicó El espejo que vuelve,obra autobiográfica con matices imaginarios, y en 1988, en la misma línea, Angélica o el encantamiento. Finalmente, en 2001 publicó La reprise (Reanudación) y en el año 2007 Un roman sentimental, su última novela. Y como dijo el escritor francés: El ser humano está sobre la Tierra para investigar incesantemente las posibilidades de un sentido nuevo.
Francisco Arias Solís
La guerra es un mal que deshonra al género humano.
EN EL CINCUENTENARIO DE LA MUERTE DE
CARLES RIBA (1893-1959)
¡Qué enfurecidas
oigo correr las aguas
de nuestro amor,
si a ti voy por el débil
puente de una caricia!
Carles Ribe.
LA VOZ DE LA POESIA PURA CATALANA
El poeta barcelonés en lengua catalana Carles Riba, fue, además, un profundo humanista, profesor y crítico, que tradujo al catalán obras de Plutarco, Homero, Virgilio, Sófocles, Esquilo y Jenofonte. Este interés por el mundo clásico influye en su obra poética, de perfecto acabado y estilística incomparable, características que le identifican con el noucentisme, movimiento en el que sobresale como uno de sus más significativos representantes junto a Josep Carner. Por otra parte, la obsesión por la forma y la depuración lingüística, que dotan a su poesía de deshumanización y hermetismo, le conectan estrechamente con la poesía pura, amplio movimiento europeo en que se inscriben Juan Ramón Jiménez y Valéry.
Carles Riba sólo escribió en su exilio en Francia (1939-1943) sus trascendentales Eligies de Bierville, obra de la que apareció una edición clandestina en Barcelona en 1943, pero con fecha de 1942 y pie de imprenta de Buenos Aires. Nos encontramos ante un libro único en la poesía catalana. Como Solón o Teognis, Riba ensaya la elegía política. La soledad y el recuerdo de la patria lejana llevaron al poeta a hacer un balance riguroso de sí mismo, de lo que había acaecido y de lo que era Cataluña. En la emigración, en efecto -escribe Riba, en el prólogo a la segunda edición-, y dentro del sentimiento del exilio, tomaron forma estas elegías. La tragedia colectiva, el pensamiento de la muerte, el futuro, se conjuran en el pensamiento de Carles Riba, que vive, simultáneamente y con una vehemencia melancólica, una experiencia triple: religiosa, humanística y patriótica. Algunos críticos afirman que la elegía IX es un canto a la libertad, comparable a la mejor poesía civil que jamás se haya escrito y han descubierto en las elegías ribianas uno de los libros capitales de la poesía catalana del siglo XX.
Carles Riba i Bracons nació en Barcelona el 23 de septiembre de 1893y falleció en la misma ciudad el 12 de julio de 1959. Estudió Filosofía y Letras y Derecho en la Universidad de Barcelona. Amplió estudios en Munich, con Karl Vossler, y en París. En 1916 contrajo matrimonio con la poetisa Clementina Arderiu. Fue profesor de la Escuela de Bibliotecología, dirigió la sección griega de la Fundación Bernat Metge y colaboró en la sección de lexicología del Institut d'Estudies Catalans. Fue colaborador de Pompeu Fabra en la elaboración del Diccionario general de la lengua catalana (1932). De 1939 a 1943 se vio obligado a exiliarse a Montpellier (Francia). Perteneció al comité de redacción de la prestigiosa Revista de Catalunya del exilio en Francia y publicó algunos poemas en la revista Germanor, portavoz del Centre Catalá de Santiago de Chile. Riba también tradujo al catalán obras de Hölderlin, Poe, Kafka, Kavafis, Gogol y Rilke.
Con Primer libro de estancias (1919), Segundo libro de estancias (1930) y Tres suites (1937), Riba hace presente la poesía pura en la literatura catalana. En el exilio escribe su hermoso poema Elegías de Bierville, su obra más representativa. Otras obras destacadas son los poemarios Salvaje corazón (1952) y Esbozo de tres oratorios (1957) y los libros de cuentos Las aventuras de Perot Marrasqui (1917), El ingenuo amor (1924) y Seis Juanes (1928), además de los textos sobre literatura Los márgenes (1927), Para comprender (1937) y Más los poemas (1957). Y como dijo el poeta catalán: Toda la vida / veré como te alzaste / desde ti misma / nuda y nueva como el alba / y veraz como un sueño.
Francisco Arias Solís
La libertad no la tienen los que no tienen su sed.
Portal de Internautas por la Paz y la Libertad y de Foro Libre.
¡Honrad a los maestros alemanes,
y conjuraréis a los buenos espíritus!
Del monólogo final de Hans Sachs en
Los maestros cantores de Nuremberg.
LA VOZ DEL ZAPATERO PRODIGIOSO
El poeta y dramaturgo alemán Hans Sachs está considerado el principal representante de la literatura popular burguesa alemana del siglo XVI. Es el introductor, en la literatura y la lengua alemanas, de la palabra tragedia. El drama, que en dicho siglo, ofrece ya mayor acción, caracteres mejor dibujados y más acertada distribución en actos, halló en Hans Sachs un fecundísimo cultivador. Pasan sus obras teatrales de doscientas, y entre ellas hay tragedias, cuentos escenificados, leyendas heroicas de Alemania, etc.; pero lo que de él toma hoy en consideración la crítica son sus comedias y farsas carnavalescas o juegos,como se llamaban, en que se muestra su ingenuo buen humor y aun pueden ser saboreados por lectores modernos, al revés de lo que ocurre con otras muchas de sus obras. No pocas de estas han demostrado que era hombre de copiosa lectura, que lo mismo conocía obras de religión que traducciones de clásicos griegos, latinos, franceses e italiano, y en cuanto a ser o no poeta, tiene en su favor un voto que vale por todos: el de Goethe. Como hemos dicho era autor muy prolífico, escribiendo un número prodigioso de versos (22 volúmenes de ellos llegaron a publicarse), netamente líricos, ya que son expresión espontánea de su pensamiento. En sus más de 6.300 composiciones, encontramos composiciones religiosas, morales, legendarias y de actualidad, que, cuando menos, poseen frescor y una inspiración sincera.
El meistersinger (maestro cantor), Hans Sachs, curiosa y genial figura de un simple zapatero popularísimo, contribuyó no poco con sus versos a propagar la nueva fe luterana y elogió grandemente a su fundador en el himno que tituló El ruiseñor de Wittemberg (1523).
Hans Sachs nació en Nuremberg el 5 de noviembre de 1494 y falleció en la misma ciudad alemana el 19 de enero de 1576. Ejerció la profesión de zapatero y cursó estudios en la escuela latina de su ciudad natal. En 1513 se hizo maestro cantor o meistersinger, siendo inmortalizado por Goethe en uno de sus poemas (Misión poética de Hans Sachs) y por Richard Wagner que lo hizo protagonista de su ópera Los cantores de Nuremberg. En 1519 contrajo matrimonio con Kunigunde Creutzer, volviéndose a casar en 1561 con Barbara Harscher, una joven viuda. Fue amigo del artista más famoso del Renacimiento alemán, Alberto Durero, y de Villibad Pirkheimer, poderoso patricio, inmortalizado por Durero en un magnífico dibujo.
Entre sus obras destacan: Farsas de carnaval (1517-1563), Contraste entre la muerte y la vida natural (1533), Comedia del rico moribundo (1549) y El estudiante errante (1550). Terminaremos esta breve semblanza sobre el zapatero prodigioso, con los últimos versos de Los maestros cantores de Nuremberg: ¡Salve, Sachs! / ¡Gloria al gran Sachs de Nuremberg!
Quiero el lirismo de los locos
El lirismo de los borrachos
El lirismo difícil y punzante de los bebedores
El lirismo de los payasos de Shakespeare...
Manuel Bandeira.
LA VOZ DEL MENTOR DEL MODERNISMO
La poesía brasileña se llamó modernista desde Manuel Bandeira, que ha sido considerado el jefe y mentor del modernismo. Hombre de gran cultura, buen conocedor de la poesía portuguesa y de la literatura europea de principios del siglo XX, en sus poemas conjugó tradición y modernidad. Un intenso lirismo da encanto a los temas más realistas y naturalistas de Bandeira. En cuanto a la técnica, ama la libertad. En muchos de sus poemas hay cierto barroquismo y cierto gracioso encanto no exento de pesimismo social. Considerado una de las figuras clave de la literatura brasileña del pasado siglo, Bandeira se formó en el simbolismo y evolucionó posteriormente hacia las nuevas corrientes literarias europeas y el modernismo de São Paulo.
El poeta, ensayista, periodista, crítico y traductor brasileño Manuel Carneiro de Sousa Bandeira nació en Recife, Pernambuco, el 19 de abril de 1886 y falleció en Río de Janeiro el 13 de octubre de 1968. Su padre, que era ingeniero civil del Ministerio de Viação, hubo de trasladarse con su familia a Río de Janeiro. Bandeira inició sus estudios en el Colegio Pedro II de esta última ciudad. En 1902 comenzó estudios de arquitectura en la Escuela Politécnica de São Paulo, que dejó inacabado a causa de una tuberculosis. En 1913 viajó a Suiza en busca de un clima más benigno para su enfermedad, allí conoció y trabó amistad con Paul Eluard. A su regreso a Brasil, en 1914, trabajó como crítico literario en varias revistas y periódicos y como profesor de literatura hispanoamericana.
Desde sus primeras publicaciones -el libro de poemas A cinza das horas (1917) y Carnaval (1922)- se revelan las lecturas simbolistas y parnasianas, y especialmente la musicalidad y motivos verlainianos. Participa en la Semana de Arte Moderno celebrada en São Paulo en 1922, donde es leído su famoso poema Os sapos. Poco después -El ritmo disoluto (1924) y Libertinaje (1930)- se agudizan los brillantes rasgos de su personalidad en el lirismo dolorido de depurado romanticismo y en el magistral dominio del verso libre. En 1940 se publica Lira de los años cincuenta y en 1966 Estrella de la vida entera, recopilación de obras anteriores.
La obra de Bandeira es de un gran virtuosismo y una gran complejidad formal no exenta de un pesimismo cargado de ironía. Fue también traductor y adaptador teatral; escribió importantes libros de ensayo, tales como Impresiones de un cristiano nuevo sobre el regionalismo, Crónicas de la provincia del Brasil, Guía de Ouro Preto y Nociones de historia de las literaturas (1940), y fue uno de los responsables de la edición del Pequeño diccionario brasileño de la lengua portuguesa (1946). Y como dijo el poeta brasileño: Estoy harto del lirismo enamorador / Político / Raquítico / Sifilítico / de todo lirismo que capitula ante los que lo quieren fuera de sí mismo...
Francisco Arias Solís
No se puede ser libre más que entre libres.
Nuevo portal de Internautas por la Paz y la Libertad y de Foro Libre.
Estos matrimonios de cálculo, en que todo se ajusta,
y en que todo se atiende menos los gustos y caracteres,
¿no son el manantial más fecundo de esos escándalos
que cada día son más frecuentes?
Choderlos de Laclos.
LA VOZ DE LAS AMISTADES PELIGROSAS
Su nombre como escritor está asociado casi exclusivamente a la única novela que se le conoce, Las amistades peligrosas (Les liaisons dangerauses) (1782), y que redactó durante sus estancia en la isla de Aix. Escrita en formato epistolar, la novela contiene dos figuras vigorosamente dibujadas, con trazo cruel y sombrío: el seductor Valmont y la hipócrita madame de Merteuil, que ponen en evidencia las miserias humanas y la lucha del hombre contra la mujer. Considerada por muchos una de las obras maestras de la narrativa epistolar, la novela de Laclos logra construir una ingeniosa intriga a partir de las relaciones personales y pasiones eróticas de sus protagonistas, al tiempo que retrata con brillantez y cinismo los comportamientos sociales de la nobleza dieciochesca francesa. Dicha obra ha sido llevada al cine en diversas ocasiones.
Pierre-Ambroise-François Choderlos de Laclos nació en Amiens el 18 de octubre de 1741 y falleció en Tarento el 5 de septiembre de 1803. En 1759 ingresó en la Escuela de la Fére para hacer realidad su vocación militar. En 1778 le fue encargada la vigilancia de las fortificaciones de la isla de Aix. En 1786 contrae matrimonio con la joven Marie-Soulange. En 1788 entró al servicio del duque de Orleans, a quien defendió abiertamente durante las campañas políticas de este personaje. Tras un corto exilio en Londres, a su regreso dirigió el Journal des Jacobins. En 1793 fue encarcelado junto al duque, y puesto más tarde en libertad gracias a la protección de Robespierre. Posteriormente ocupó los cargos de secretario general de la administración de las hipotecas, comandante del ejército del Rhin e inspector general de artillería en Nápoles. Se le considera el inventor del obús. Choderlos de Laclos murió en Italia de disentería, durante el asedio de Tarento.
También Laclos es autor de libretos de ópera -que no gozaron del éxito-, versos galantes, escritos políticos y de una abundante correspondencia.
El pensamiento del autor aparece recogido en el tratado que este escribiera en 1785, Sobre la educación de las mujeres, marcadamente feminista, y que no se publicó hasta 1903. Y como dijo el escritor francés: El hombre goza de la felicidad que siente, y la mujer de la que ella se procura.
El sueño del niño es la paz.
El sueño de la madre es la paz.
Las palabras del amor bajo los árboles,
es la paz.
Yannis Ritsos.
LA VOZ DEL COMPROMISO ETICO Y SOCIAL
La vida y la obra del poeta griego Yannis Ritsos se han dirigido siempre hacia un compromiso ético y social, lo que le llevó a la deportación de su país varias veces. Su lucha por la libertad, difícilmente vivida, le convirtieron en poeta de la fábrica y el campo, del hambre y del pueblo, con ternura y furor, delicadeza y rabia. La realidad del oprimido se acentúa como el ideal de su poesía, bien en la época de la ocupación alemana, bien bajo la dictadura.
Yannis Ritsos nació en Nomenvasia, península del Peloponeso, el 1 de mayo de 1909 y falleció en Atenas el 11 de noviembre de 1990. Hijo de una familia de terratenientes, durante su adolescencia sufrió la ruina económica de su familia, debida a la pasión por el juego de su padre, las muertes de su madre y de un hermano mayor, el ingreso del padre en una clínica psiquiátrica y, además, cuando contaba dieciocho años, tuvo que ser ingresado en un hospital aquejado de tuberculosis. Trabajó en diversos oficios, siendo secretario, calígrafo. bibliotecario, bailarín, fotógrafo, actor y pintor. Militante comunista desde 1934, participó en la resistencia durante la segunda guerra mundial; al acabar esta fue confinado en diversas islas hasta 1952 y sus libros prohibidos. En 1967, tras el golpe de Estado de los coroneles, fue deportado nuevamente y torturado, y más tarde puesto en libertad vigilada. Su obra volvió a prohibirse. Ritsos ha traducido, entre otros, a Hikmet, Maiakovski, Blok, Neruda y Nicolás Guillén,
Su primer poemario fue Tractores (1934); en 1936 publicó Epitafios, donde acentúa su lirismo y evoluciona hacia un estilo más vanguardista, siempre desde el presupuesto de protesta contra la injusticia. En la misma línea están La canción de mi hermana (1937), convertida en texto de resistencia contra la dictadura de Metaxas, La prueba (1943) y Makromisos (1957). En 1966 aparece su célebre poema Romiosini, traducido y publicado en España con el título de Grecidad, que es un canto la lucha de los guerrilleros comunistas durante la ocupación nazi. A partir de Piedras, repeticiones y barrotes (1972) se advierte un cambio en su producción literaria, volviéndose su poesía extraordinariamente densa tanto en imágenes como en lenguaje: Gestos (1972) y El muro en el espejo (1973). Otras obras de Ritsos son: En nuestra vieja casa (1926), Pirámides (1936), Sonata al claro de luna (1956), Doce poemas para Cavafis (1963), Las raíces del mundo (1970), A escala de libertad (1971), etc. En su obra, que lo sitúa como uno de los más importantes poetas griegos contemporáneos, destacan una serie de poemas relacionados con personajes mitológicos griegos, como el monólogo dramático Orestes (1966). Y como dijo el poeta griego: La paz son las manos estrechadas de los hombres, / Es el pan caliente en la mesa del mundo, / Es la sonrisa de la madre. / Solamente esto. / Ninguna otra cosa es la paz.
Francisco Arias Solís
No disparar donde haya niños. Stop.
En la gloria no necesitamos más ángeles.
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Mañana ¿qué será de tus encantos
de tus bellos matices, pobre flor?
No habrá pesares para ti, ni llantos,
ni más recuerdos que mi triste amor.
Enrique Gil y Carrasco.
LA VOZ DE LA MELANCOLIA
La definición del Romanticismo no se absorbe por señalar algunas de sus características significativas. El Romanticismo es algo más que el liberalismo en la literatura, como la definió Víctor Hugo. Como también excede el Romanticismo a la difundida opinión que lo asimila a la melancolía y al sentimiento de la nostalgia, pues si eso conviene a una obra como la de Enrique Gil y Carrasco, en absoluto se aproxima a otros autores románticos, basados en un sentimiento de energía, como el Duque de Rivas, Patricio de la Escosura o Quintana.
Gil y Carrasco, el poeta de la melancolía, de la sensibilidad lírica, casi enfermiza, es autor de poco más de una treintena de composiciones, que, no obstante, son suficientes para situarle en un lugar no despreciable entre nuestros poetas del romanticismo.
Enrique Gil y Carrasco nace en Villafranca del Bierzo, el 15 de julio de 1815. Su padre era el administrador de las fincas de la Marquesa de Villafranca. Los primeros años de Enrique pasan en su ciudad natal, hasta que su padre es sustituido en el cargo, y marcha a Ponferrada. Allí estudió en el Colegio de los Padres Agustinos.
En 1829 Enrique Gil ingresa como estudiante en el Seminario de Astorga. Allí permanece hasta 1831. Al año siguiente, acude a la Universidad de Valladolid y se matricula en Leyes.
En septiembre de 1836 el poeta se encuentra ya en Madrid, donde frecuenta las reuniones de El Parnasillo en compañía de lo más granado de la literatura del momento: Mesonero Romanos, Ventura de la Vega, Bretón de los Herreros y Larra, entre otros muchos.
Con la apertura del Liceo (1837) Enrique Gil empieza a ser conocido como poeta. Espronceda, lee públicamente en diciembre de ese año la composición Una gota de rocío de Enrique Gil, que inmediatamente se publicará en El Español.
Enrique Gil comienza en el año 1838 su colaboración en El Correo Nacional y ese mismo año uno de sus poemas, La niebla, es seleccionado para el album de sus composiciones poéticas que El Liceo regala a doña María Cristina de Borbón.
Sus colaboraciones y su obra poética no dejan de crecer durante el año 1839, hasta que sintiéndose enfermo emprende viaje a Ponferrada para reparar su salud al lado de su familia. Durante su retiro escribe su primera novela, El lago de Carucedo (1840).
De regreso a Madrid, Espronceda le obtiene el puesto de ayudante de la Biblioteca Nacional. Funda con su amigo Miguel de los Santos Alvarez la revista El Pensamiento.
La muerte de Espronceda, le hace escribir en 1842 su último poema A Espronceda, que leerá ante la tumba del poeta, en el cementerio de San Nicolás. Ya no volverá a componer más obra lírica, pero en ese mismo año redacta El señor de Bembibre, considerada la novela histórica española más importante de la época romántica y que tiene como telón de fondo la disolución de los templarios en España.
En 1844 Enrique Gil llega a Berlín para desempeñar su cargo de representante de España en Prusia. La suerte le sonríe, pues el sabio barón Humboldt lee con interés su novela El señor de Bembibre y se convierte en entusiasta de ella. Por su mediación el propio rey de Prusia lee El señor de Bembibre . En las páginas de este libro nace decía Azorin-, por primera vez en España, el paisaje en al arte literario. Y añade: El Bierzo lo ha pintado Enrique Gil.
Estos éxitos no pueden sin embargo detener el curso de su enfermedad. Afectado por la dureza del invierno, Enrique Gil pide permiso para retirarse a Niza, a descansar en clima más benigno. Prepara el viaje, pero antes de realizarlo recae gravísimamente enfermo y ya no puede levantarse de la cama. Fallece el 22 de febrero de 1846, a los treinta y un años de edad.
Su poema La violeta figura en las cien poesías líricas escogidas por Menéndez Pelayo entre lo mejor de la literatura española antigua y moderna. A dicho poema pertenecen estos versos: Irá a cortar la humilde violeta / y la pondría en su seno con dolor, / y llorando dirá: ¡Pobre poeta! / ¡Ya está callada el arpa del amor!.
Francisco Arias Solís
Será vano el intento de humanizar las guerras. Lo humano es evitarlas.
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Si pregunta por mí, dile que habito
en la hoja del acanto y de la acacia.
O dile, si prefieres, que me he muerto.
Dale el suspiro mío, mi pañuelo;
mi fantasma en la nave del espejo.
Emilio Ballagas.
LA VOZ DE LA LIRICA NEGRISTA
La lírica negrista se desarrolla en las Antillas en la segunda mitad del siglo XX movida por la atención que empieza a prestarse a partir de 1910, año en el cual Frobenius publicó Der Scharwarse Dekameron. Después de la Primera Guerra Mundial el agotamiento espiritual de los ambientes artísticos encontró en el motivo una evasión exótica. En París despertó numerosos entusiasmos, entre ellos el de Picasso que pobló de fetiches su arte, mientras Josephine Baker revelaba desde los escenarios europeos los secretos de la danza negra. Fue el periodo en que se descubrieron también los grandes músicos y poetas negros de los Estados Unidos.
La atención dedicada al negro en las Antillas, presencia directa y no pocas veces dominante, marcó dos corrientes en la poesía: una folklorista que se contentaba con un acercamiento epidérmico al tema, y la otra de signo más profundo que trataba de penetrar y expresar la compleja espiritualidad del alma negra. Como es sabido García Lorca, extrajo iluminaciones determinantes durante su estancia en Harlem entre 1929 y 1930 y del contacto directo con el mundo y la poesía cubana. Rafael Alberti pareció dar empuje con el Poema del mar Caribe, escrito tras su estancia en Cuba en 1935, al acento social de la poesía negra antillana.
Con Emilio Ballagas, al folklore se une, superándolo, una profunda participación humana. En el Baile del papalote, por ejemplo, él se convierte en intérprete feliz de la espiritualidad negra en la que actúan profundamente el rito y el animismo, en la Comparsa habanera lo que domina es el ritmo, mientras que en la Elegía a María Belén Chacón se impone el problema humano y social que da vida a una de las interpretaciones más sensibles de la condición negra americana.
Emilio Ballagas Cubeñas nace en Camagüey el 7 de noviembre de 1908. A los quince años ya había escrito un cuento y a los dieciocho publica su primer poema Rostro de cara. En 1926 se gradúa de Bachiller de Letras y Ciencias en el Instituto de Segunda Enseñanza de Camagüey . En 1928 comienza los estudios de Pedagogía en la Universidad de la Habana. En 1933 se doctora en Pedagogía y ocupa la cátedra de Literatura y Gramática en la Escuela Normal para Maestros de Santa Clara, cargo que desempeña hasta 1946. Colabora como redactor en el periódico La Publicidad. En 1937 viaja a Francia. En 1942 edita junto a otros poetas la revista Clavileño. En 1946 obtiene el título de Doctor en Filosofía y Letras de la Universidad de la Habana y al año siguiente se casa con Antonia López Villaverde. Se traslada a la Habana y es profesor en el Instituto de Segunda Enseñanza de Marianao. En 1951 obtiene con Cielo en rehenes el Premio Nacional de Poesía. Emilio Ballagas muere en La Habana el 11 de septiembre de 1954.
Emilio Ballagas es junto al puertorriqueño Luis Palés Matos, uno de los máximos representantes de la llamada poesía negrista, negra o negroide, cuyo iniciador fue Nicolás Guillén. Poesía que mediante el ritmo y los registros léxicos refleja la influencia de la cultura africana en el mundo americano.
Las composiciones de Ballagas son sensuales, dramáticas, dinámicas y de lenguaje propio. Su fama se debe sobre todo, a su producción negrista en Cuadernos de poesía negra (1934) y analogías fundamentales sobre el tema Antología de la poesía negra hispanoamericana (1944) y Mapa de la poesía negra americana (1946). En realidad, él representa una de las expresiones más logradas de la poesía pura. Desde Júbilo y fuga, hasta Elegía sin nombre, Nuestra Señora del Mar y Cielo en rehenes libros reunidos más tarde en Obras poéticas (1955)- está documentado el proceso a través del cual ha pasado su lírica: de un verbalismo jubiloso gimnástico lo han definido- del que es singular ejemplo el Poema de la ele, en las huellas de Verdehalago de Brull, a una doliente expresión romántica, para llegar finalmente a tonalidades neoclásicas. El periodo negrista es, sin embargo, uno de los momentos que mejor caracteriza a la poesía de Ballagas. Y como dijo el poeta cubano: La carne es un laurel que canta y sufre / y yo en vano esperé bajo su sombra.
Mario Benedetti -XIII Festival Poético por la Paz y la Libertad-
by
FORO LIBRE
ASOCIACION CULTURAL, ARTISTICA Y LITERARIA (Fundada en 1992)
Francisco Arias Solís - Presidente ~ Plaza San Severiano, 2 ~ 11007 - CADIZ
e-mail: pazylibertad@arrakis.es
URL:http://www.internautasporlapaz.org
¿sabrán los cedros del líbano
y los caobos de corinto
que sus voraces enemigos
no son la palma de camagüey
ni el eucalipto de tasmania
sino el hacha tenaz del leñador
la sierra de las grandes madereras
el rayo como látigo de la noche?
otro rostro que tal vez ignoraba
que entre tú y yo existía
había existido
un muro de Berlín que al separararnos
desesperadamente nos juntaba
ese muro que ahora es sólo escombros
más escombros y olvido.
pero aquí abajo abajo
cerca de las raíces
es donde la memoria
ningún recuerdo omite
y hay quienes se desviven
y así entre todos logran
lo que era un imposible
que todo el mundo sepa
que el sur también existe.
Bonjour buen giorno guten morgen
despabílate amor y toma nota
sólo en el tercer mundo
mueren cuarenta mil niños por día
en el plácido cielo despejado
flotan los bombarderos y los buitres
cuatro millones tienen sida
la codicia depila la amazonia
cantamos porque llueve sobre el surco
y somos militantes de la vida
y porque no podemos ni queremos
dejar que la canción se haga ceniza.
Me sirve tu futuro
que es un presente libre,
y tu lucha de siempre
sí me sirve.
Me sirve tu batalla
sin medalla .
No sé hasta donde irán los pacificadores con su ruido metálico de paz
pero hay ciertos corredores de seguros que ya colocan póliza contra la pacificación
y hay quienes reclaman la pena del garrote para los que no quieren ser pacificados
cuando los pacificadores apuntan por supuesto tiran a pacificar
y a veces hasta pacifican dos pájaros de un tiro
es claro que siempre hay algún necio que se niega a ser pacificado por la espalda
o algún estúpido que resiste la pacificación a fuego lento
en realidad somos un país tan peculiar
que quien pacificique a los pacificadores un buen pacificador será.
Ahora en buena hora
con cielo transparente y suave clima
el mundo conmemora
aunque el pasado oprima
estos cuarenta agostos de Hiroshima
si habla de paz pero tiene
costumbre de torturar
mire que hay para ese vicio
una cura radical
mordaza bárbara
mordaza ingenua
crees que no voy a hablar
pero sí hablo
solamente con ser
y con estar
pienso
luego insisto
cómo voy a creer / dijo el fulano
que la utopía ya no existe
si vos / mengana dulce
osada / eterna
si vos / sos utopía
Realmente no sabían un corno
pobrecitos creían que libertad
era tan solo una palabra aguda
que muerte era tan solo grave o llana
y cárceles por suerte una palabra esdrújula.
Olvidaban poner el acento en el hombre.
para matar al hombre de la paz
para golpear su frente limpia de pesadillas
tuvieron que convertirse en pesadilla
para vencer al hombre de la paz
tuvieron que afiliarse para siempre a la muerte
matar y matar más para seguir matando
y condenarse a la blindada soledad
para matar al hombre que era un pueblo
tuvieron que quedarse sin el pueblo
Mario Benedetti.
XIII FESTIVAL POÉTICO INTERNACIONAL
POR LA PAZ Y LA LIBERTAD
EL PRÓXIMO FESTIVAL ESTARÁ DEDICADO A MARIO BENEDETTI
La Asociación Cultural, Artística y Literaria FORO LIBRE celebrará en el mes de mayo de 2010 su XIII Festival Poético Internacional por la Paz y la Libertad, con la finalidad de que todos los poetas del mundo pongan en el corazón de los valores universales la paz y la libertad. Este festival estará dedicado a Mario Benedetti (1920-2009), poeta del amor total y del compromiso. Toda su obra refleja su espíritu solidario y su hambre de libertad, que llevaron a este hombre de paz a doce turbios y enturbiadores años de exilio.
FORO LIBRE al convocar este XIII Festival Poético Internacional por la Paz y la Libertad lo hace en el convencimiento de que nada va a lograrse en lo porvenir por caminos de violencia y ha considerado que las páginas de Internet deben tomar la palabra, para cantar la paz y la libertad. Porque lo que es indudable es que los grandes cambios, las grandes convulsiones, las grandes transformaciones de la Historia, las sanas revoluciones, las han hecho siempre los poetas.
Desde cualquier parte del mundo se puede participar en el XIII Festival Poético Internacional por la Paz y la Libertad remitiendo los poemas (máximo 40 versos)) al e-mail: pazylibertad@arrakis.es
Los poemas seleccionados serán publicados en el portal de FORO LIBRE E INTERNAUTAS POR LA PAZ Y LA LIBERTAD URL:http://www.internautasporlapaz.org
FORO LIBRE invita a todos los poetas a participar en este festival en memoria de Mario Benedetti y a poner su granito de arena en el camino de la paz, la libertad y la tolerancia.
Francisco Arias Solís
Paz y Libertad.
Nuevo portal de Internautas por la Paz y la Libertad y de Foro Libre
Dormida por los siglos se ha quedado
sin nadie que libere tanto sueño,
la niña que me dio lo que yo he sido.
Carmen Conde.
LA VOZ DEL VITALISMO ROMANTICO
En esa tierra que había un poco antes dado a Azorín, Gabriel Miró y Oscar Esplá, en un momento determinado y prodigioso breve e intenso, se produce con vigor y una fuerza inigualable, un joven movimiento literario que estalla entre Orihuela y Cartagena con los nombres de Ramón Sijé, Miguel Hernández, Antonio Oliver y Carmen Conde, pertenecientes todos ellos a la llamada generación poética de 1936 de la que también forman parte entre otros Gabriel Celaya, Juan Antonio Muñoz Rojas, Luis Rosales y Luis Felipe Vivanco.
Mucho de la claridad de su tierra tiene la poesía de Carmen Conde cuando dice: Confianza en la luz tengo yo siempre, mucho de taranta y cartagenera en la sangre, mucho de latigazo de sol en la tierra sedienta. Pero la poderosa, anhelante voz de Carmen Conde no es voz de una tierra, ni de unos hombres, ni de unos anhelos colectivos sino desnuda lírica que amalgama todo aquello.
Su voz sale como la enuncian los títulos de sus libros- del propio Brocal; es Pasión del verbo, Ansia de gracia, Honda memoria de mí, anhelo de que Sea la luz, desasosegada finalidad en Mi fin en el viento y Mujer sin edén, esperanza en Iluminada tierra y Vivientes de los siglos; confesión apasionada en Monólogos de la hija, sublimación humana en Derribado arcángel. En su voz, le doy a la noche, Cancionero de la enamorada y Días para la tierra la poetisa emprende la más grande salida de sí misma; queriendo iluminar las palabras. Libremente, inconteniblemente a Carmen Conde le van saliendo los poemas. Carmen lo ve todo con una penetrante mirada que no descansa. Es una mirada amplia y directa. Mira con los ojos abiertos y eternos de la poesía. Su vitalismo es de raíz romántica y con visión que a veces recuerda a Vicente Aleixandre se abrazan en su poesía la expresión jubilosa de la plenitud de los sentidos y la comunión con el universo.
Carmen Conde Abellán nace en Cartagena el 15 de agosto de 1907. En 1914 se traslada con su familia a Melilla lugar en que reside hasta 1920. De nuevo en su ciudad natal, cursa la carrera de Magisterio, que termina en 1930. Cursa estudios de Filosofía en la Universidad de Valencia. A los 15 años comenzó a publicar artículos en Los Lunes del Imparcial, La Esfera e Informaciones. Antes de la guerra civil española, fundó junto a Miguel Hernández, Sijé y su esposo Antonio Oliver Belmás, la revista de creación literaria El Gallo Crisis. En 1929 publicó su primer libro de poesía Brocal.
En la década de los 30 fundó junto con su marido la Universidad Popular de Cartagena, creada a imagen y semejanza de la fundada por Machado en Segovia. Obtuvo el Premio Ateneo de Sevilla por su obra Yo soy la madre, el Premio Elisenda de Montcada, por su novela Las oscuras raíces, el Premio Simón Bolivar, por su libro de poesía Vivientes de los siglos. En 1967 recibe el Premio Nacional de Literatura por su Obra poética. Carmen Conde fe elegida miembro de la Real Academia Española, para el sillón K, el 9 de febrero de 1978. Tomó posesión de su cargo el 28 de enero del año siguiente, convirtiéndose en la primera mujer que alcanzaba este honor. Cuando fue elegida Carmen Conde dijo: El machismo evidente en la lengua castellana es triste consecuencia de la historia que arrastramos las mujeres españolas. Carmen Conde falleció en Madrid el 8 de enero de 1996.
Carmen Conde ha figurado en primera línea de la creación poética. No ha habido revista de las muchas que han aparecido en los últimos cincuenta años en la que no haya algún poema de Carmen Conde. Esta poetisa hace pensar en Keats, en Rilke, en Juan Ramón y hasta en Paul Valery como caminos seguidos y como coincidencia de gesto estético.
Canto y fecundación es la poesía. En este país se hace preciso reconocer en el decimotercer aniversario de la muerte de Carmen Conde la edad eterna de la verdadera poesía. Y como dijera nuestra poetisa: Parada en el umbral de lo infinito / como pueda, detendré el tiempo. / Quiero ver y escuchar, quiero olvidar, / cuando lo sepa este secreto.
XIII Festival Poético Internacional por la Paz y la Libertad
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FORO LIBRE
ASOCIACION CULTURAL, ARTISTICA Y LITERARIA (Fundada en 1992)
Francisco Arias Solís - Presidente ~ Plaza San Severiano, 2 ~ 11007 - CADIZ
e-mail: pazylibertad@arrakis.es
URL:http://www.internautasporlapaz.org
para matar al hombre de la paz
para golpear su frente limpia de pesadillas
tuvieron que convertirse en pesadilla
para vencer al hombre de la paz
tuvieron que afiliarse para siempre a la muerte
matar y matar más para seguir matando
y condenarse a la blindada soledad
para matar al hombre que era un pueblo
tuvieron que quedarse sin el pueblo
Mario Benedetti.
XIII FESTIVAL POÉTICO INTERNACIONAL
POR LA PAZ Y LA LIBERTAD
EL PRÓXIMO FESTIVAL ESTARÁ DEDICADO A MARIO BENEDETTI
La Asociación Cultural, Artística y Literaria FORO LIBRE celebrará en el mes de mayo de 2010 su XIII Festival Poético Internacional por la Paz y la Libertad, con la finalidad de que todos los poetas del mundo pongan en el corazón de los valores universales la paz y la libertad. Este festival estará dedicado a Mario Benedetti (1920-2009), poeta del amor total y del compromiso. Toda su obra refleja su espíritu solidario y su hambre de libertad, que llevaron a este hombre de paz a doce turbios y enturbiadores años de exilio.
FORO LIBRE al convocar este XIII Festival Poético Internacional por la Paz y la Libertad lo hace en el convencimiento de que nada va a lograrse en lo porvenir por caminos de violencia y ha considerado que las páginas de Internet deben tomar la palabra, para cantar la paz y la libertad. Porque lo que es indudable es que los grandes cambios, las grandes convulsiones, las grandes transformaciones de la Historia, las sanas revoluciones, las han hecho siempre los poetas.
Desde cualquier parte del mundo se puede participar en el XIII Festival Poético Internacional por la Paz y la Libertad remitiendo los poemas (máximo 40 versos)) al e-mail: pazylibertad@arrakis.es
Los poemas seleccionados serán publicados en el portal de FORO LIBRE E INTERNAUTAS POR LA PAZ Y LA LIBERTAD URL:http://www.internautasporlapaz.org
FORO LIBRE invita a todos los poetas a participar en este festival en memoria de Mario Benedetti y a poner su granito de arena en el camino de la paz, la libertad y la tolerancia.
Francisco Arias Solís
Paz y Libertad.
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La Creación sigue abierta paso a paso
y tiene en ti un trasplante de alegría ,
la mano eres de Dios, Pablo Picasso,
que hace el mundo de nuevo cada día.
Luis Rosales.
LA VOZ DE LA MEMORIA DEL VIVIR
Luis Rosales, poeta de la generación del 36, sólo vive desviviéndose. Lentamente se desvive Rosales en su poesía. Desde su juventud, era ya para los amigos el poeta Rosales. En el se adivinaba la realización de la poesía como forma de vida. La poesía formaba parte de su realidad. Es decir, la poesía era su condición, su ambiente, su morada. Probablemente por esto Rosales no ha abandonado nunca la poesía, ni la ha sacrificado a otra cosa.
Luis Rosales nace en Granada el 31 de mayo de 1910. En su ciudad natal cursa los estudios primarios y secundarios. Se licencia y doctora en la Facultad de Filosofía y Letras de Madrid, ciudad donde residió y donde murió el 24 de octubre de 1992.
Fue secretario de la revista Escorial. Estuvo también unido al grupo de José Bergamín, en torno a la revista Cruz y Raya. Fue durante años director de la revista del Instituto de Cultura Hispánica Cuadernos Hispanoamericanos y de la revista Nueva Estafeta. En 1962 es elegido miembro de la Real Academia Española. Por su obra Rimas (1951), obtuvo el Premio Nacional de Poesía, por su obra Lírica española (1973), obtuvo ex aequo con Antonio Gallego Morell, el Premio Miguel de Unamuno y por su obra Un rostro en cada ola (984), el Premio Ciudad de Melilla. También ha obtenido el Premio Mariano de Cavia en 1962 y el Premio de la Crítica en 1970. Finalmente, ha sido galardonado con el Premio Miguel de Cervantes en 1982.
Rosales empezó en Abril (1935), su primer libro, escribiendo poesía amorosa: como Garcilaso, como Lope, como Espronceda, como Bécquer, como Salinas; pero luego llegó como Antonio Machado- a escribir poesía enamorada, que no es lo mismo y es más sutil. Algunos estudiosos recuerdan con relación a Abril, al Jorge Guillén de Cántico. Sonetos, décimas, romances octosílabos mostraban su preocupación formal, la búsqueda de un clasicismo del verso y la estrofa, en los que igualmente se instalaba su compañero de la generación del 36, Miguel Hernández. Todos los comentaristas de Abril destacan la presencia religiosa de este primer libro del joven poeta granadino. Religiosidad que también aparece en los poemas juveniles de Miguel Hernández, pero que estaba casi por completo ausente con la excepción de Gerardo Diego- en los poetas del 27. A este libro le siguió, después de la guerra civil, Retablo sacro del Nacimiento del Señor (1940), de impecable corrección formal y del que publicó en 1964, una segunda versión aumentada.
Pero, quizá sea La casa encendida la obra más importante de Rosales. Se publicó por primera vez en 1949, una nueva versión algo más ampliada, apareció en 1967. La casa encendida es un poema largo, de verso libre, en el que se aproxima a los giros realistas y, a la vez, al superrealismo aumentando su emotividad anterior. Rimas (1951) es más conceptual e intimista. El contenido del corazón (1969) es un magnífico libro de poemas en prosa. Ha escrito también un estudio sobre Cervantes y la libertad (1960), Antología de la poesía heroica española en colaboración con Luis Felipe Vivanco, Primavera y flor de la literatura hispánica (1967), antología en colaboración con Dámaso Alonso y Eulalia Galvarriato. Publicó además: Canciones (1973), Como el corte hace sangre (1974), Diario de una resurrección (1978), Un puñado de pájaros (1979), Un rostro en cada ola (1981) y Oigo el silencio universal del miedo (1984).
Fue en los poetas puros, desde Juan Ramón Jiménez a Guillén y a Aleixandre, donde ciertamente tuvo su aprendizaje y devoción Luis Rosales. El buscaba la palabra limpia, la rima absolutamente limpia, la expresión ágil para llegar con toda pureza a la manifestación más clara, más evidente de las más universales certezas del corazón.
Quiero escribe Rosales- decir una cosa tan sólo, que creo en la poesía, y lo diré, y lo seguiré diciendo. Y uno llega al convencimiento de que sin la poesía, Rosales no hubiera podido vivir. Si es que algo queda continúa escribiendo Rosales-, en la ceniza de mis palabras será también poesía. Vivir es ver volver. El tiempo pasa; las cosas que quisimos son caedizas, fugitivas se van. Y esto es morir: borrarse de sí mismo.
Su verso y su prosa son, a sabiendas una viva memoria de lo verdadero, para mantener, como se pueda, esa memoria del vivir, que es la unidad de nuestra vida personal, la poesía, y solamente la poesía.
Francisco Arias Solis
e-mail: aarias@arrakis.es
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Dormís,
rendidas las pupilas
por sudarios de bancales
y las desiertas esquinas.
En vez de cirios, llamas.
Un gemido seco
impregna de humedad
las hostiles moradas
Geografía española de la muerte.
Manuel Andújar.
LA VOZ DE UN HONDO PENAR
Penar decía Andujar-, es una palabra sureña, rica y terruñera, que no dice del mismo modo ni con inflexión pareja en Andalucía que en el resto de España. Penar es un poco cante jondo.
Manuel Andujar Muñoz nació en La Carolina, provincia de Jaén, el 4 de enero de 1913. Antes de la guerra residió alternativamente en Linares, Málaga, Madrid, Lérida, Barcelona. En Málaga cursó la carrera de comercio y en Madrid terminó sus estudios de perito mercantil. Ejerció el periodismo y funciones administrativas. En enero de 1939 pasa a Francia, donde fue internado en el campo de concentración de Saint-Cyprien; el mismo año embarcó hacia México en la expedición del Sinaia. "De Sète a Veracruz-nos cuenta Andújar-, el Sinaia, un viejo barco matalón transportó -avanzado mayo, al 13 de junio de 1939- a más de 1.600 republicanos españoles. Procedentes en su gran mayoría, de los campos de concentración franceses. Entre ellos, nutrido y lucido haz de intelectuales, escritores y artistas". Andújar vivió todo el exilio en México hasta su regreso a España en 1967, excepto una estancia en Santiago de Chile de 1956 a 1957. Ha sido librero, corresponsal, agente de editoriales (estuvo más de once años en la famosa editorial mexicana Fondo de Cultura Económica), pero destaca por su importante obra literaria como poeta y narrador. Fundó la revista Las Españas, con José Ramón Arana, una de las más importantes revistas del exilio. A su regreso a España, compagina su labor de escritor con su trabajo en Alianza Editorial. Manuel Andujar muere en una residencia de ancianos madrileña, justamente el 14 de abril de 1994.
Andujar ha abordado prácticamente todos los géneros literarios: poesía, teatro, crónica, ensayo, narrativa breve, novela. Es uno de nuestros más exigentes e importantes novelistas del siglo XX.
Toda la producción narrativa de Andujar se encuadra en un vasto ciclo titulado Lares y penares en el que con absoluta independencia temática y clara evolución formal, se realiza una interpretación novelada de la España del siglo XX. Desde su más recientes obras, tentadas por nuevos moldes expresivos y por una progresiva concepción simbólica del relato, la serie de Manuel Andujar es una indignación profundamente ética del comportamiento humano del pueblo español que ha configurado su trayectoria histórica. De esta manera lo particular y lo social se compenetran de forma indisoluble al servicio de un mensaje profundamente humano y social.
Lares y penares se inicia con Cristal herido (1945), primera muestra novelesca de Andujar, que a pesar de ser un primer libro nos presenta a un escritor de seguro instinto narrativo. Con ella da paso Andujar a una exploración organizada de la España de preguerra que se realiza en la trilogía Vísperas: Llanura (1947), El vencido (1949) y El destino de Lázaro (1959).
Llanura es una novela que, sin deseo de buscarle filiaciones literarias, comparte la estructura del drama rural con la de novela de asunto caciquil. El vencido nos traslada a la zona minera jienense donde Miguel consigue pasar de hijo de un modesto obrero a rico empresario, pero ello no le salvará de su irremediable soledad, pues el triunfo económico no conlleva satisfacción espiritual. El destino de Lázaro se desarrolla en un recinto portuario, y en la misma, la tesis social o la censura de las anteriores, cede el paso a una historia más particularizada en la que, por otra parte, un aliento de esperanza ha empezado a infiltrarse.
Lares y penares posee otra novela mayor, Historias de una historia (1973), individualmente su libro más importante. Esta novela está situada en la guerra contada desde el lado republicano-. Resalta en el libro ese aire de verdad que posee toda literatura auténtica, sobre todo porque la obra no obedece a unos esquemas previos ni a ninguna clase de maniqueísmo, sino a unas motivaciones estrictamente humanas. El ciclo novelístico de Andujar se completa con La voz y la sangre (1984), Cita de fantasmas (1984) y Mágica fecha (1989). En 1992 vio la luz su novela Un caballero de barba azafranada , cuya temática, centrada en la historia de dos mujeres, marca una distancia con respecto a su anterior producción.
Andujar publica su primera colección de poesía , La propia imagen, en 1961, en México. El siguiente libro de poesía, Campana y cadena, se edita en España en 1965. Otras obras poéticas son: Fechas de un retorno (1979) y Sentires y querencias (1984). Entre sus ensayos más relevantes se cuentan La literatura catalana en el destierro, Andalucía e Hispanoamérica: Crisol de mestizajes (1982) y Signos de admiración (1986). Entre sus obras teatrales destacan: El primer juicio final y El sueño robado, publicadas ambas en 1962. Y entre los cuentos y crónicas-relatos podemos citar: Los lugares vacíos, La franja luminosa, Secretos augurios, Partiendo de la angustia y Saint Cyprien , plage, campo de concentración (1942), sobre su experiencia en este campo de concentración.
La literatura de Andujar es fundamentalmente interpretativa. En cualquier caso, y en toda su obra, resulta de vital importancia el talante ético del autor, que curiosamente, no le lleva a ninguna clase de moralización. Tras un tono crítico, tras una palabra cruda, se ocultan siempre un gran dolor, un hondo penar y un gran amor. Esto es muy patente en una serie de poemas dedicados a España: a la España que el desterrado contempló entrevió- en su realidad no en su sueño de desterrado- durante un breve viaje: Con recatado amor / y pasión requemada / adobáis la espera / mientras / lejanos árboles de ocres y cenizas, / sempiternas caras cenceñas, / roídas murallas amarillas y flamantes máquinas, / la madeja devanan / de España.
Francisco Arias Solis
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